Wearing a Mask to Tell the Truth: Ryūsuke Hamaguchi on Drive My Car | Interviews
La même chose peut être dite entre Misaki et Sonya dans Oncle Vania. Misaki se souvient en fait de certaines des répliques de Sonya, et elle dit également certaines de ses répliques dans le film. Encore une fois, ce sont en quelque sorte des personnages correspondants les uns aux autres. D’une certaine manière, tout au long de « Drive My Car », il y a un parallèle avec Oncle Vania, entre ces deux œuvres. Et d’une autre manière, ou de la même manière, ils se traduisent mutuellement. Ils s’influencent et se traduisent mutuellement. Et ils nous montrent une façon différente de regarder chacun d’eux.
En termes d’histoires parallèles, c’est quelque chose que nous voyons également dans de nombreux romans de Murakami. En ce qui concerne mon travail, nous avons en fait une réalité ; et à l’intérieur de cela, nous avons le jeu. Nous avons la partie performance de l’art. Et c’est quelque chose qui peut être dépeint de manière réaliste, ces deux mondes différents dans le film. Mais c’est là que l’on voit entrer en jeu le rôle de l’art.
Si nous considérons Kafuku en tant que personnage, il y a certaines émotions qu’il ne peut pas exprimer dans la vie normale, mais il en est capable via son art. Et je ne pense pas que le jeu soit le seul véhicule pour le faire. Tout type d’art rend cela possible. Dans la vie de tous les jours, nous sommes liés ou liés par certaines choses qui nous empêchent de nous exprimer autant que nous le voudrions. Mais grâce à l’art, vous êtes capable d’atteindre cette version honnête de l’expression que vous ne pouvez pas obtenir dans la vraie vie. Et c’est aussi quelque chose d’inconscient. Mais vous pouvez faire face à des choses – disons, à des choses de votre passé, inconsciemment, via votre interaction avec cet art, quelle que soit sa version. Dans le film, quand on regarde la pièce dans laquelle Kafuku joue, c’est pour lui un moyen de se rétablir. C’est une façon de revenir à lui-même ou de « se ramener », je suppose qu’on pourrait dire. Dans la vraie vie, il ne serait toujours pas capable d’exprimer ces émotions, alors qu’il est capable d’être une version honnête de lui-même via sa performance dans la pièce.
Au Festival du Film de New York, vous avez dit que ce qui différencie le jeu du mensonge, c’est que le premier est un véhicule pour révéler sa vérité intérieure tandis que le second revient essentiellement à mettre un masque. Dans cette veine, comment évalueriez-vous l’honnêteté de votre propre approche de la mise en scène ? Surtout compte tenu de l’accent mis par vos films sur la dualité et la performance, vous considérez-vous comme révélant personnellement des vérités intérieures, mettant un masque ou une combinaison ?
Je dois dire que je pense avoir dit quelque chose comme ça au festival, mais cela a peut-être été une courte période, alors je veux développer cela. Parce que je ne pense pas que ce soit si simple, que la performance révèle la vérité et que, si vous mentez, c’est comme porter un masque. Ce que je veux clarifier, c’est que vous pouvez toujours dire la vérité tout en portant un masque. Il y a des nuances. Je pense que l’art est quelque chose comme ça, où vous portez un masque mais vous dites la vérité, ce qui signifie que ce qui est montré à la surface et ce qui est exprimé pourrait être deux choses différentes. Ce n’est pas nécessairement que vous faites une sorte d’auto-analyse. Mais ce que je peux dire par rapport à votre question sur moi en tant que réalisateur, c’est que ce que je veux, en fin de compte, c’est la vérité de mes interprètes, de mes acteurs. Et sans ma propre honnêteté, je ne pourrai jamais obtenir cette vérité des personnes avec qui je travaille.
« Drive My Car » ouvre à New York le 24 novembre et à Los Angeles le 3 décembre avant de s’étendre à l’échelle nationale. « Wheel of Fortune and Fantasy » est maintenant dans certains cinémas.
