Spit On A Griddle: The Return of Francis Ford Coppola’s One from the

Et pourtant, même si j’aime et admire tant de films qu’il a réalisés au fil des ans, depuis ces classiques froids mentionnés ci-dessus jusqu’à des réalisations tout aussi impressionnantes que « Rumble Fish », « The Cotton Club » et « Bram Stoker’s Dracula », c’est celui-ci qui m’émeut et m’éblouit le plus et qui me rappelle pourquoi je suis tombé amoureux du cinéma en premier lieu. Aujourd’hui, plus de 40 ans après sa sortie originale désastreuse et plus de 20 ans depuis la première fois que Coppola, comme il a eu tendance à le faire avec son œuvre tout au long de sa carrière, l’a retravaillé et réédité, il a récidivé avec «Un du cœur: Reprise», une restauration numérique 4K du film qui le voit affiner davantage le matériel dans une version environ 14 minutes plus courte que sa sortie originale. Cette nouvelle édition sort maintenant en salles avant son éventuelle apparition en 4K UHD et, en tant que fan inconditionnel du film, l’occasion de le revoir sur grand écran dans toute sa splendeur et, espérons-le, d’exposer un nouveau public à ses merveilles sans aucun arrière-plan Sturm et Drang qui accompagnait sa sortie originale, restera, espérons-le, comme l’un des événements cinématographiques clés de cette encore jeune année.

L’histoire de ce qui s’est passé a été relatée dans de nombreux endroits, plus récemment dans le livre de Sam Wasson. Le chemin vers le paradis : une histoire de Francis Ford Coppola… je serai donc bref en le récapitulant ici. Après avoir survécu au pari artistique majeur d’« Apocalypse Now », Coppola a décidé de doubler la mise en rachetant son propre studio hollywoodien, baptisé Zoetrope Studios, pour servir de laboratoire artistique où un large éventail de talents, légendaires et émergents, pourraient travailler avec le dernières avancées en matière de technologie cinématographique. L’une des clés de ce succès serait l’utilisation de ce qu’il a surnommé le « cinéma électronique », un processus impliquant l’utilisation de « pré-visualisations » informatisées pour planifier à l’avance à quoi ressembleraient les scènes, de caméras vidéo sur le plateau qui permettraient aux cinéastes de voir immédiatement à quoi ressemblent les choses et un montage informatique qui permettrait une plus grande liberté dans l’assemblage des éléments. Ces notions deviendront finalement des normes industrielles, mais Coppola fut le premier à les utiliser à si grande échelle et les coûts de démarrage se révélèrent élevés et allaient bientôt devenir incontrôlables.

Au lieu de faire le film comme le simple drame romantique se déroulant à Chicago indiqué dans le scénario original d’Armyan Bernstein, Coppola l’a réécrit et l’a mis dans la plus onirique des villes américaines, Las Vegas. Cependant, convenant à une histoire qu’il considérait maintenant comme une histoire de rêveurs envisageant de tenter leur chance sur un destin qui pourrait s’avérer aussi illusoire que « cracher sur une plaque chauffante », comme le dit succinctement un personnage, il a décidé qu’au lieu de tirer dans le Vegas actuel, lui et le chef décorateur Dean Tavoularis le recréaient sur les scènes du Zoetrope afin d’aider à obtenir le look ultra-flashy qu’il espérait obtenir. À cette époque, il avait également décidé de faire du film une comédie musicale et même s’il allait jusqu’à embaucher le légendaire Gene Kelly comme consultant pour la scène de danse majeure du film, l’approche de Coppola était très éloignée de la norme. au lieu que les acteurs chantent les airs, Tom Waits (qui avait été embauché pour composer les chansons) et Crystal Gayle chantaient en arrière-plan pour commenter l’action dans une vanité plus proche de MTV que de MGM. Pour accomplir tout cela, il fallait beaucoup d’argent et, comme ce fut le cas pour son projet précédent, Coppola a essentiellement misé son nouveau studio et sa stabilité financière sur l’idée que les téléspectateurs seraient attirés par ce qu’il leur réservait.