NYFF 2023: Highlights of the First Week of the Fest Include New Todd Haynes, Nuri Bilge Ceylan | Festivals & Awards

Le titre provocateur « Le mal n’existe pas » de Ryosuke Hamaguchi (102 minutes) m’a appris un mot que je n’avais jamais entendu auparavant : le glamping. Je ne sais pas si le terme existe réellement dans le Japon actuel ou si Hamaguchi l’a inventé pour son film, mais c’est une contraction de « camping glamour », une pratique par laquelle de riches citadins vont à la campagne pour se reposer et se détendre dans un environnement paisible. installation qui les protège des aspects désagréables de l’extérieur. Dans la suite du bien plus long « Drive My Car », Hamaguchi nous emmène à Mizubiki, un village dont les 6 000 habitants vivent en harmonie avec la nature, trouvant du wasabi sauvage dans les bois et fabriquant un délicat udon qui dépend de l’eau de source locale. . Puis un jour arrivent un homme et une femme qui disent représenter Playmode, une entreprise tokyoïte qui souhaite construire un complexe de glamping à proximité. Naturellement, la plupart des habitants pensent que cela va ruiner leur vie idyllique et s’y opposent donc. La scène la plus mémorable du film montre les deux parties s’affrontant lors d’une réunion municipale, avec une attention extraordinaire accordée à l’emplacement d’une fosse septique. Il y a ici de la satire sociale, bien sûr, mais Hamaguchi n’insiste pas là-dessus et ne joue pas de favoris (les intrus sont tous deux des personnages attrayants et intéressants). Le réalisateur aurait commencé le film en collaboration avec le compositeur Eiko Ishibashi, et leur travail ensemble met l’accent sur la sensualité et la beauté de la nature. Un gros bémol : les dernières minutes du film sont bizarres et déroutantes, une fin qui défie toute interprétation facile. Ils ne gâchent pas ce qui s’est passé auparavant, mais laisseront sûrement de nombreux téléspectateurs dans un territoire profondément décourageant.

Andrew Haigh « Nous sommes tous étrangers » (105 minutes) vient du réalisateur anglais dont le drame « Weekend » de 2011 est décrit dans les notes de presse du festival comme « l’une des romances queer les plus appréciées du 21 ».^St siècle. » Après les admirables « 45 ans » (2015) et « Lean on Pete » (2017), Haigh revient ici en territoire queer, mais fait un saut remarquable d’un simple réalisme à une approche narrative que l’on pourrait qualifier de surréalisme poétique. Andrew Scott incarne un gay d’une trentaine d’années dont la vie solitaire dans un gratte-ciel stérile de Londres est soudainement interrompue sur deux fronts : il rencontre un type un peu mystérieux (Paul Mescal) qui le regarde depuis l’extérieur de son immeuble, et il rencontre et commence à visiter la maison d’un couple d’une trentaine d’années qui le traite comme leur jeune fils, et il répond en les traitant comme ses parents décédés. Sur papier, cette prémisse (basée sur le roman de Taichi Yamada Les désincarnés) peut sembler presque impossible à réaliser de façon dramatique, mais les compétences de Haigh le rendent captivant, convaincant et finalement beau, une histoire de fantômes moderne à la Henry James qui a des choses perspicaces à dire sur les traumatismes précoces, la vie gay contemporaine et le besoin d’amour. Il est aidé par les belles performances de son casting, qui comprend également Jamie Bell et Claire Foy.

Celui de Todd Haynes « Mai décembre » (113 minutes), l’attraction de la soirée d’ouverture du festival, je regrette de le dire, est aussi sa seule déception jusqu’à présent. Natalie Portman incarne une star de la télévision qui vient à Savannah pour étudier une femme au foyer (Julianne Moore) qu’elle incarnera dans un film sur un scandale dans lequel cette femme a été impliquée des années auparavant. Haynes est un cinéaste très talentueux et distinctif, mais il n’a pas écrit le scénario de ce film (il est de Samy Burch et Alex Mechanik), qui assemble divers clichés mélodramatiques d’une manière qui, même s’il permet à Portman et Moore de réaliser quelques belles scènes ensemble. , est trop souvent ennuyeux, peu convaincant ou déroutant. Mais mon plus gros reproche à propos du film est sa musique : plutôt qu’une musique originale, Haynes vole la magnifique musique de Michel Legrand pour « The Go-Between » de Joseph Losey. Dans un cas précédent, lorsque je me plaignais d’un réalisateur qui avait copié de la bonne musique à partir d’autres musiques pour son film, j’ai dit que chaque fois que j’entendais la musique empruntée, cela me jetait hors du film que je regardais et me retrouvais dans le souvenir des meilleurs films dont elle venait. . Avec l’utilisation de Haynes, il y a un problème supplémentaire : la partition élégante et propulsive de Legrand semble utilisée pour donner à « Mai décembre » le drame et le mystère qui manquent à l’histoire à l’écran. Malheureusement, cela ne fait qu’attirer l’attention sur le ton flou et le drame dispersé du film.