Miyazaki, Howl, and Matters of the Heart | Features

À la fin du « Château ambulant » visuellement époustouflant de Hayao Miyazaki, le titulaire Howl déplore une douleur soudaine dans la poitrine. La protagoniste, Sophie, succincte mais joyeuse, répond : « Un cœur est un lourd fardeau ».

Le caractère poignant de la phrase démontre la capacité de Miyazaki à enchanter les spectateurs avec un talent artistique époustouflant et des récits envoûtants qui nous transportent dans d'autres mondes tout en les ancrant dans de véritables émotions humaines. Ces personnages vivent toutes choses extraordinaires. Ils rencontrent une sorcellerie égoïste et consomment des étoiles filantes ; ils sont témoins de la transformation d'un prince maudit en humain grâce au pouvoir de l'amour. « Howl », comme une grande partie de la filmographie de Miyazaki, est ancré dans l'élément humain du souci des autres. Il est crucial pour le message du film et concerne le travail inlassable de Miyazaki. Cela est particulièrement vrai de sa fin de carrière, où les visions de l'art, de la beauté et de la mort se mélangent dans une cacophonie de souvenirs, de visions et de rêves. « Le vent se lève », « Le garçon et le héron » et le dernier documentaire « Hayao Miyazaki et le héron » suggèrent un réalisateur dont les priorités ont changé. Pourtant, entre l’ancien et le nouveau, cette phrase de Sophie sonne vrai. Le cœur est un lourd fardeau, et Miyazaki semble déterminé à visualiser son poids, parfois exhaustif.

La valeur du talent artistique et de l'héritage imprègne les œuvres les plus récentes de Miyazaki. « Le vent se lève », « Le garçon et le héron » et le documentaire démontrent tous un changement crucial dans la tonalité de l'œuvre du réalisateur. Ses premiers films ressentaient le poids de l'humanité, agissant comme des récits édifiants sur ce qui pourrait arriver si les protagonistes pouvaient Ses dernières œuvres, en comparaison, offrent réflexion et mélancolie. Elles ne possèdent plus cet idéalisme juvénile évident dans ses films précédents. Ses dernières œuvres contiennent la connaissance de l'espoir pour l'avenir. les mains des autres – entre des mains plus jeunes dont l'idéalisme peut rectifier le traumatisme générationnel passé. Il est fastidieux de s'en soucier, mais c'est notre obligation de le faire.

Ce n'est pas seulement que Howl s'éveille à l'idée qu'il doit maintenant ressentir les répercussions de ses actes, mais aussi les conséquences de ses soins. Ses soins pour Sophie et la famille retrouvée qui l'entoure. L’amour est un poids tout aussi énorme à porter que la douleur ou la culpabilité. Plus que tout, c'est cela qui parle de ce qui devient des éléments cruciaux dans le travail de Miyazaki. Nous sommes témoins des conséquences du talent artistique et de la façon dont notre amour et nos liens émotionnels influencent qui nous devenons et ce que nous créons à la lumière de cela.

À bien des égards, « Howl's Moving Castle » – qui célèbre son 20e anniversaire – semble être l'intersection parfaite de son ancien et de son nouveau travail. Sophie, maudite par la Sorcière des Déchets et transformée en femme de 90 ans, offre la dualité d'être à la fois jeune et vieille et expérimente avec l'âge une certaine illumination qui la responsabilise. Cela contraste avec « Le Garçon et le Héron », où la sagesse de l'âge s'accompagne de la peur de l'avenir. Sophie se délecte du manque d'attentes d'être une jeune femme dans un corps de nonagénaire. Pendant ce temps, le grand-oncle, personnage clé de « Heron », éprouve une grande inquiétude sismique concernant l'avenir en raison de tous les jours qu'il a vécus.

Howl perd ses liens avec l'humanité en se transformant en une créature ressemblant à un oiseau pour interférer avec les deux côtés de la guerre qui se déroule dans « Howl ». Cela contraste avec Jiro dans « The Wind Rises », qui regrette que l'avion de ses rêves ait été utilisé pour la guerre. Le film lui-même est époustouflant, un spectacle visuel qui mélange parfaitement tout ce qui concerne Miyazaki et aide à faire la transition du cinéaste vers ses productions les plus récentes.

Des convictions thématiques fondamentales et des choix stylistiques relient l’ensemble de son œuvre – de l’environnementalisme à l’inévitable persistance du temps, en passant par l’espoir trouvé dans la camaraderie et son intérêt pour l’aviation – mais ses films récents agissent comme une coda à sa longue carrière.

« Le vent se lève » et « Le garçon et le héron » sont les deux faces d'une même médaille. Cynique contre ésotérique. Intellectuel vs émotionnel. Deux films très différents qui tentent de lutter contre des idéologies similaires sur ce que nous laissons derrière nous. Les deux représentent le point culminant de hauts et de bas de carrière, de systèmes de croyance et de talent artistique. « The Wind Rises » traite de ce vers quoi nos passions nous poussent et, finalement, de ce que nos créations laissent derrière elles. C'est une réflexion sur la façon dont les rêves d'une personne peuvent ouvrir la voie au désastre ou au salut.

« Le garçon et le héron », sans doute son plus personnel, agit comme une ode à ses regrets actuels et à sa méditation sur la vie, aboutissant à une étonnante catharsis. Le chagrin s'infiltre dans chaque crevasse de « Le Garçon et le Héron » sans être particulièrement triste. Son cœur, ici, est indéniablement perdu. Perte de temps, d'un être cher, et perte potentielle de l'innocence à cause de la corruption. À partir du moment où Mahito perd sa mère, en traversant une ville terrorisée par des cris de panique, il perd une partie de son innocence. Son cœur est plus lourd maintenant alors qu'il traverse un monde en constante évolution.

La meilleure synthèse de son état d'esprit actuel est peut-être la levée du voile dans « Hayao Miyazaki et le héron », qui détaille sa longue et tumultueuse expérience pour donner vie au film de 2023. C'est là aussi qu'on comprend les douleurs qui s'annoncent, présentes et blessées, dans le film. Dans « Heron », Mahito pleure sa mère. À travers le film, Miyazaki pleure ses amis et ses rivaux, ceux qui continuent de disparaître de sa vie, le laissant derrière lui.

Ses souvenirs sont en grande partie consacrés à parler de son collègue cinéaste Isao Takahata (« Le Tombeau des lucioles », « Le Conte de la princesse Kaguya ») et de l'animateur clé et coloriste du Studio Ghibli, Michiyo Yasuda – ce dernier l'ayant poussé à réaliser « Heron ».

Il est aux prises avec le chagrin tout en luttant contre son âge ; ses promenades quotidiennes se croisent avec des images d'une garderie voisine où les enfants courent et jouent. Le message est clair, encore plus celui de son producteur de longue date, qui demande : « Comment peut-il être satisfait des années qu'il lui reste. »

Par la création, semble-t-il. Dans ce cas, le chagrin propulse l’art. « Si nous ne créons pas, il n'y a rien », dit Miyazaki. Et ce vif désir de ne jamais se reposer rend l’amour et la perte qu’il porte si évidents dans son travail. C'est encore un autre exemple de la lourdeur des questions de cœur. Nous le portons et il ne fait que s'alourdir avec l'âge. Nous persévérons, incapables de faire autre chose.

C'est peut-être pour cela que « Look Back », le film d'animation récemment sorti réalisé par Kiyotaka Oshiyama et basé sur le manga de Tatsuki Fujimoto, touche une telle corde sensible lorsqu'on pense à Miyazaki et à son héritage. « Look Back » traite également du monde des artistes et du chemin tracé qui les attend alors que deux jeunes filles font face aux obstacles infinis liés à la créativité dans un domaine en constante évolution. Alors que nous regardons la protagoniste, Fujino, planer au-dessus de son bureau jour après jour alors qu'elle s'efforce d'atteindre la perfection, cela crée une image étonnamment similaire à « Heron ». Dans ce dernier, nous voyons Mahito assis au-dessus de son bureau alors que l'expressif « Ask Me Why » du compositeur Joe Hisaishi joue pour la deuxième fois, alors qu'il trouve un livre laissé par sa défunte mère pour un Mahito plus âgé intitulé « Comment vivez-vous ? »

Comment vis-tu ? Penché sur un bureau. Comment vis-tu ? Grâce à nos relations, à nos pairs et à nos proches qui nous défendent et nous défient. Comment vis-tu ? Nous vivons la vitalité infinie de l’art. Une grande partie des derniers travaux de Miyazaki traitent de la façon dont nous ruminons les obstacles de la vie et le passage du temps, notamment ce qui nous lie au passé et nous aide à grandir vers l'avenir. Les films de Miyazaki expliquent comment nous sommes responsables de la création de l'univers dans lequel nous souhaitons vivre et de la recherche d'une vie sans méchanceté ni cupidité. Et pourtant, le ton de « Princesse Mononoké » et « Nausicaä de la vallée du vent » contraste fortement avec « Le vent se lève » et « Le garçon et le héron ». Peut-être parce que ces deux derniers sont touchés par la lourdeur de la perte.

À bien des égards, « Howl's Moving Castle » est Miyazaki dans sa forme la plus populaire. Et pourtant, 20 ans plus tard, il est facile de comprendre à quel point cela a été un tournant pour lui dans sa carrière. Bien qu'il se concentre sur les protagonistes plus âgés du passé, notamment « Porco Rosso », « Howl », à son tour, semble être un pivot important des histoires qu'il essaie de raconter avec un changement de perspective distinctif. Possédant des limites si illimitées, « Howl » imprègne une telle étincelle et une telle lumière dans un monde déchiré par la guerre. Mais c’est cette ligne qui lie le film et la filmographie de Miyazaki.

Bien sûr, de nombreuses lignes de ses films abordent des thèmes similaires. Mais ce sentiment d'urgence ancré dans votre poitrine, la nécessité du cœur et la manière dont nous l'utilisons – pour le bien, pour ceux qui ne le peuvent pas, dans la poursuite de la créativité – sont le fil conducteur de ses œuvres les plus récentes, et elles sont toutes plus puissant à cause de cela.

Entre les royaumes des rêves de « Le vent se lève » et le pont entre la vie, la mort et la folie de « Le garçon et le héron », Miyazaki expose son cœur battant et épuisé. La grandeur de son animation dément une vérité simple : si nous avons de la chance, nous devenons tous des histoires que quelqu'un d'autre peut partager, pleurer. Ce qui nous porte, c'est l'art né de la lourdeur que nous portons.