Cannes 2025: Resurrection, Honey Don’t | Festivals & Awards

Après la synergie thématique rare de mon dernier répartition, je suis revenu avec deux films qui sur leur visage ne pourraient pas être plus différents dans le style et le ton. L'un est une œuvre de grande envergure d'un cinéaste chinois déjà connu pour son style transportant d'un autre monde. L'autre est un cinéaste profondément américain connu pour son sens de l'humour mordant. Après avoir mis en place cette dichotomie, il y a quelques fils tangibles entre eux. Les deux réalisateurs s'efforcent de copier le ou les styles cinématographiques et les voix d'une autre époque de cinéma dans l'espoir de fournir une explication de l'aléatoire du monde réel. Et aucun des deux films n'est facilement définissable.

Malgré mes meilleurs efforts, j'ai passé les 24 dernières heures à essayer de trouver la meilleure façon de décrire l'exploration cinématographique quasi-inca catégorisable de Bi Gan « Résurrection.  » Le film de BI se double d'une étude des pratiques de création de films du 20e siècle et comme un recueil d'histoires de nidification s'étendait sur des décennies.

«Resurrection» commence comme un film muet, dans lequel les entretoises expliquent l'état de ce monde futuriste où les humains ont cessé de rêver comme un moyen de vivre pour toujours. Tout le monde n'aime pas cette percée. Il y a un groupe de personnes appelées «Fantasmas», qui préfèrent vivre dans un monde de rêve cinématographique, même si leur décision perturbe réellement la stabilité du temps. La lutte contre ces Fantasmas est «de grandes autres». Ils sont chargés de réveiller ces êtres endormis avant que trop de dégâts ne soient causés. Pendant la portion de film muet, nous suivons un grand autre (Shu Qi, qui apparaît dans les cinq parties du film) poursuivant un Fantasma (Jackson Yee, qui apparaît également partout). Pour ajouter de la texture à sa poursuite, BI fait non seulement de grandes références techniques au cinéma silencieux, tels que la teinture de couleurs et les ensembles expressionnistes allemands, mais aussi à ses cinéastes. Il y a des hommages qui font un coup de fer à Méliès et Louis Lumière (un bâillon de son film de 1895 « L'Arroseur Arrosé » est tiré ici).

L'esthétique Trippy alimente les vingt premières minutes du film, dans lesquelles ce grand autre rattrape le Fantasma. Pris par sa pureté, plutôt que de le tuer immédiatement, elle décide de lui donner une mort paisible en ouvrant son dos – où un projecteur est caché – et en chargeant un rouleau de film qui lui fournira un autre rêve. Cette fois, il est un homme fringant au milieu d'un espion noir. Le film s'étend du ratio académique de l'ère silencieuse à l'écran large et passe du silence à l'adaptation de la narration de la grande autre. Cette séquence comprend également de nombreux hommages cinématographiques, en particulier une fusillade à base de miroir rappelant «la dame de Shanghai».

Les autres parties du film sont tout aussi imaginatives. La troisième section se produit trente ans plus tard et présente le Fantasma comme un pillard arrivant dans un temple bouddhiste abandonné où il rencontre l'esprit d'amertume (Chen Yongzhong). Vingt ans plus tard, le Fantasma est un escroc qui forme une jeune fille (Guo Muchg) pour sentir les cartes à jouer pour de l'argent. Dans la dernière partie, il est plongé dans les années 1990, dans un monde mettant en vedette des vampires qui reflètent à la fois les œuvres de Wong Kar-Wai et Tsai Ming-Liang. Le point culminant de cette section est un onner incroyable de plus de 30 minutes qui commence comme un combat dans un bar de karaoké avant de devenir des amoureux sur le sprint de course vers les quais, se terminant comme un voyage au coucher du soleil.

La «résurrection» ne donnera probablement pas un coup de sens intellectuel à qui que ce soit. Il est totalement régi par la logique de rêve. Mais le film a un sens émotionnel parfait comme un déplacement de l'anxiété via la dissociation. Dans l'image de Bi, la violence émotionnelle de la réalité peut être échappée, l'obscurité est toujours suivie d'une lueur de lumière, de l'amertume par un goût sucré. Ses mondes sont remplis d'émerveillement, de la décoration élégante et des conceptions au mouvement sans encombre de la caméra. Une vision transcendante, la «résurrection» s'infiltre si profondément dans la moelle, qu'elle vit hardiment entre chaque souffle que vous prenez.

« Honey ne«Est une petite image délicate. Le léger et brouillé d'Escapade d'Ethan Coen essaie de reprendre l'atmosphère chargée de« Drive Away Dolls », mais ne fait avancer que dans les ajustements et les départs. Une partie de celle-ci est destinée: ce qui est censé être un statut aléatoire qui a été swerative. Attaché à elle.

Semblable aux autres films de Coen, «Honey Don't», qu'il a co-écrit avec sa femme Tricia Cooke en tant que deuxième épisode de leur trilogie lesbienne B-Movie, s'ouvre sur une touche improbable du destin lorsqu'un client de l'investigateur privé Honey O'Donahue (Margaret Qualley) décède dans un problème de voiture horrible. Malgré les protestations du détective homicide Dimwitted Marty Metakawitch (Charlie Day), un miel astucieux ne croit pas que ce fut un simple accident. Elle commence à enquêter, à se concentrer sur le chef de culte narsassiste local Drew (Chris Evans) en tant que suspect potentiel. En cours de route, d'autres problèmes entrent dans le chemin de Honey: sa nièce (Talia Ryder) disparaît, son père arrive pour faire amende honorable, et d'autres cadavres se présentent à des scènes de meurtre macabre. Elle commence également à sortir avec MG (Aubrey Plaza), un flic taciturn avec un bord bizarre.

Bien que «Honey Don't» possède quelques bons morceaux de course – tels que Marty de Day ne comprend pas que le miel étant une lesbienne la rend indisponible pour lui – il n'y a guère de claquement ou de morsure au dialogue. Même lorsque Coen et Cooke se tournent vers les archétypes communs de l'ancien, comme les personnages lents et sans prétention des personnages de la Terre (le film se déroule à Bakersfield, en Californie), un ingrédient semble manquer. Le manque de punch est si grave, je suis retourné voir le film à nouveau – une décision rare lors d'un festival du film – juste pour m'assurer que la foulée n'était pas de ma fatigue.

« Honey Don't » souffre également de la même maladie face à « The Ladykillers »: c'est trop peu de tout à ajouter à tout. Les éléments Pulpy Noir sont probablement les plus forts, ne serait-ce que parce que Qualley fait une version solide d'Ida Lupino, parlant avec le même type de cadence non découragée qui peut affiner n'importe quel double entendant. Plaza, en revanche, n'a qu'un seul battement à son personnage – se lançant pour varier le timing sur une romance tout aussi mince. Evans semble également être mal caché. Bien qu'il essaie de jouer un autre gars louche dans une vaine tentative de reprendre les «couteaux», ce type de rôle a dépassé les rendements diminués. Il a besoin de trouver un autre acte.

Il y a un Gore Madcap pour ajouter un peu d'épices supplémentaires, mais cela ne peut pas vraiment aider ce film sinueux. « Honey Don't » est une déception majeure de « Drive Away Dolls », un film avec une vraie verve. «Honey Don't» est sans incident pour que même l'appeler une œuvre mineure se sente également trop gentille. C'est à peu près une photo jetable, offrant peu de valeurs à revenir dans le cas où vous voyez dans le cadre de la bibliothèque de divertissement en vol.