Fantastic Fest 2025: Mārama, Mother of Flies, Bulk | Festivals &
L'une des meilleures choses à propos de Fantastic Fest est la volonté de l'équipe de programmation d'importer des succès des autres festivals. C'est en fait le festival où j'ai finalement rattrapé «Anora» l'année dernière, croyez-le ou non, et certains des plus grands films FF cette année ont également été lancés à Cannes, y compris la superbe «Sirat» d'Oliver Laxe et le «The Plague», gagnant du prix. Tiff Darlings comme «Obsession» et «Honey Bunch» étaient sans doute encore plus bien accueillis ici à Austin. Cette dépêche est donc construite autour de trois films qui ont joué dans un trio d'autres fêtes: Toronto, Fantasia et Édimbourg.
Le Toronto est le meilleur des trois (bien que seulement par une petite marge). Le premier directeur Taratoa Stoppard a pris un genre qui se construit sur des histoires de lieu et des personnes qui se tiennent sur un terrain rempli de secrets enterrés et l'ont utilisé pour raconter une histoire de subjugation et de colonisation indigènes dans son ensemble. « Mārama » Utilise la structure et le langage visuel de l'horreur gothique pour raconter une histoire de découverte et d'autonomisation, et c'est un début phénoménal, une œuvre confiante qui prend un genre familier et la rend parfaite pour l'histoire de l'histoire. Avec une excellente conception de costumes et de production – à la fois essentiels pour le genre d'horreur gothique – et une performance de tête frappante, c'est un film que je m'attends à prendre de l'ampleur alors qu'il poursuit son circuit de fête, y compris le Festival international du film de Chicago le mois prochain.
Une femme maorie nommée Mary (Ariaana Osborne) reçoit une note d'un homme à Whitby qui promet la vérité sur sa famille. Elle fait un voyage difficile de 73 jours, seulement pour découvrir que l'homme est mort. Le frère de l'écrivain Nathaniel (Toby Stephens) l'intègre et lui demande de s'occuper de sa petite-fille Anne (Evelyn Towersey), qui est également de lignée maorie. La maison de Nathaniel est remplie d'artefacts maoris et de signes d'une obsession de la culture qui cherche à le posséder au lieu de le comprendre ou de le respecter. Une séquence dans laquelle un employé de Nathaniel's fait une danse maorie avec de fausses effets de sang qui fait ressembler la culture à des guerriers brutaux est l'un des meilleurs de l'année: une scène de riches idiots prenant quelque chose de pur et le déformant pour son propre divertissement. La réponse de Mary à l'insulte culturelle est inoubliable.
«Mārama» est plus qu'une simple histoire de crédits, car les visions de plus en plus terrifiantes envoient Mary qui se glisse dans la vérité sur sa sœur que la note a promis, mais seulement quelque chose de plus puissant que l'humanité pourrait le révéler. Stappard a un fort sens du genre, affinant une atmosphère d'effroi au lieu de s'appuyer sur des peurs de saut ou des bruits forts. Et Osborne est la clé du succès du film, transformant une performance aux multiples facettes qui capture le chagrin et la peur, mais aussi la résilience.
Le dernier de la famille Adams a déjà été couvert ici, mais permettez-moi de rejoindre le chœur en hausse de l'amour pour «Mère des mouches», Une histoire profondément personnelle de sorcellerie et de survie de l'une des unités de cinéma les plus impressionnantes du genre. Même autant que les gens aimaient des films comme «The Deeper You Dig» et «Hellbender», il semblait y avoir un peu de curiosité autour de l'équipe de production d'Adams. Si vous ne le savez pas, le père John Adams, la mère Toby Huer et les filles Zelda et Lulu Adams font tout Sur leurs productions: avec l'écriture, la mise en scène, la caméra, l'édition, la restauration, vous l'appelez. Et cette approche de bricolage a fait un peu d '«altération», une sorte d'aspect «n'est pas si soigné» de regarder leurs films. Cela devrait se terminer. Ils doivent être considérés non seulement comme une réponse à une question de trivia du festival d'horreur, mais comme certains des meilleurs cinéastes du genre aujourd'hui, en particulier Zelda Adams, qui devient un artiste plus frappant et confiant à chaque sortie. Elle donne l'une des meilleures performances de l'année ici dans n'importe quel film, n'importe où, même celles où les créateurs n'étaient pas liés.
Zelda incarne Mickey, une étudiante traitant d'un diagnostic de mortalité en raison de la tumeur cancéreuse dans son estomac. Sans options, elle répond à l'appel d'un guérisseur nommé Solveig (Poser), quelqu'un qui vit dans une maison au plus profond de la forêt qui semble être émergé de la terre et de la racine. Bien sûr, elle est une sorcière, et elle promet que Zelda et son père Jake (John Adams) guérissent s'ils font ce voyage difficile avec elle. Jake est sceptique, mais Solveig voit la tristesse en lui qui a besoin de durcissement aussi, et le trio commence un voyage psychédélique qui semble épousé à des centaines d'années de sorcellerie. En même temps, nous voyons des flashbacks vers un long Il y a du temps qui remplit les antécédents de Solveig. Peut-être qu'elle est vraiment immortelle?
«Mère des mouches» utilise des visuels argento-esque qui lient les pratiques de Solveig à quelque chose qui a l'impression de prévoir la civilisation. Les asticots se tortillent, les serpents glissent et les fluides corporels crachent. Ils nous font habilement nous demander ce que pourrait être le jeu final de Solveig. Essaye-t-elle réellement de sauver Zelda? Est-elle la bonne sorcière ou la mauvaise sorcière? C'est une allégorie émouvante pour tout traitement du cancer en ce que l'on ne sait jamais si la torture de quelque chose comme la chimio fonctionnera réellement. Pourquoi ne pas essayer autre chose? Quelque chose d'ancien?
Poser est bon pour sous-estimer ce qui aurait pu être une caricature, mais les MVP ici sont l'édition de Fluid de John et la performance ancrée de Zelda, qui nous maintient avec elle à travers le film. Elle est subtile d'une manière que d'autres artistes ne considéreraient pas, donnant à la pièce une mélancolie résignée au lieu de l'image surestimée d'un patient cancéreux contre la mort de la lumière. L'édition de Toby glisse dans et hors du passé et du présent, nous montrant des images surprenantes juste assez longtemps avant de passer à autre chose. Ces créateurs sont talentueux de toutes les manières que l'on peut utiliser ce mot, et ce serait vrai même s'ils ne travaillaient pas avec leurs plus proches.
Enfin, il y a l'un des exemples les plus frappants de «un pour eux, un pour moi» dans ma vie critique. Ben Wheatley a fait le riff «personne» «normal» pour TIFF et a rendu le plus personnel « En gros » pour Edinburgh et maintenant Fantastic Fest. Peut-être désactivé par son expérience sur «Meg 2: The Trench» également, il est retourné à l'essentiel ici, faisant un thriller de science-fiction noir et blanc qui semble avoir été tourné un week-end pour ce que Ben avait dans sa poche. Si «Meg 2» était une tentative de plaisir de la foule, il s'agit d'un annoyant de foule, d'une expérience surréaliste dans le cinéma de bricolage qui a quelques bonnes idées enfouies dans un script qui tourne les mêmes drains tant de fois qu'il est presque visuellement et audiblement à court d'idées, commençant à remettre en question sa propre existence devant vos yeux.
«Bulk» existe comme un film qui pourrait presque être regardé en répétition, ce qui signifie que des choses comme l'action croissante, un point culminant ou des tensions sont des non-facteurs. Cela vous laisse dans l'histoire d'un homme (Sam Riley) qui a l'air d'avoir été kidnappé par des personnages joués par Alexandra Maria Lara et Noah Taylor. Ils lui disent qu'il est dans une maison qui permet essentiellement de sauter entre les multivers, des réalités parallèles qui pourraient ressembler à l'avenir ou au passé. Il permet à Wheatley de devenir carrément maladroit avec certaines parodies de genre qui incluent des batailles futuristes composées entièrement de miniatures et de découpes suspendues à des cordes et de mettre Taylor dans une tenue qui le fait ressembler à un homme des cavernes. Il y a même un combat avec un monstre rock.
Un cinéaste aussi ambitieux que Wheatley faisant un film qui se sent inspiré par ce qu'il a vu au milieu de la nuit à la télévision en noir et blanc semble plus amusant que dans la pratique. Les personnages commencent à faire référence à l'expérience avec Lara disant qu'il ne reste que 56 minutes avant la fin de tout quand il reste le même temps dans le film, et que tout cela sera enveloppé en 90 minutes. « Tout ce qui est plus long semble être une indulgence. »
La vérité est que tout «en vrac» semble être une indulgence. Et les 90 minutes se sentent comme 180. J'ai déjà défendu les vols de fantaisie formelle de Wheatley et je préfère le voir jouer dans son imagination ici que les ordures comme «Meg 2», mais c'est en théorie plus que la pratique. Je peux être heureux que Wheatley essaie des trucs comme «en vrac» et regrette toujours d'avoir été expérimenté par ça moi-même.
