Transformation and Rebirth: Constance Tsang on « Blue Sun Palace » |

Situé dans les salons de massage de la diaspora chinoise, les restaurants et les chantiers de construction de Flushing, Queens, «Blue Sun Palace» est un premier réalisateur profondément empathique de la réalisatrice Constance Tsang. Le film se concentre sur trois migrants – Didi (Haipeng Xu), Amy (Wu Ke-Xi) et Cheung (Lee Kang-Sheng) – en jonglant avec leur travail exténuant, leur sens commun de communauté face à l'écrasement de l'isolement et le remorqueur jamais censé des familles qu'ils ont laissées. Une tragédie sur le Nouvel An lunaire déclenche une transformation qui modifie les trois irrévocablement, les poussant davantage à chercher un lieu de permanence dans un monde de plus en plus transitoire.

Baigné dans la brume farfelue de la caméra du directeur de la photographie Norm Li, Tsang filme ses acteurs dans des prises longues prolongées qui leur permettent de donner des personnages richement à la vie et d'inviter le spectateur à vivre la vie à travers la même tactilité sensorielle. Un film vraiment séduisant, « Blue Sun Palace » est le genre de débuts de réalisateur qui annonce l'émergence d'un talent majeur.

Inspirée en partie par la mort de son père lorsqu'elle était adolescente, la réalisation du film était elle-même un processus transformateur pour Tsang, qui a partagé dans la déclaration de son réalisateur selon laquelle lorsqu'elle écrivait le film, elle «a commencé à réfléchir aux décisions que nous prenons après que nous perdons quelqu'un.

Diplômé récent du MFA de l'Université Columbia, les courts métrages de Tsang ont projeté au Metrograph, Palm Springs Shortsfest, Outfest, Brooklyn Film Festival, Los Angeles Asian Pacific Film Festival et Melbourne Quer Film Festival. « Blue Sun Palace » a fait sa première mondiale au Festival de Cannes 2024, où il a joué dans le cadre de la semaine des critiques.

Rogerebert.com a parlé à Tsang de la façon dont l'acteur taïwanais légendaire Lee Kang-Sheng a accepté de jouer dans ses débuts de long métrage, chorégraphiant les nombreuses prises longues du film, la nourriture comme un langage d'amour et le cinéma comme un moyen de transformation du chagrin.

Cette interview a été modifiée pour plus de clarté et de longueur.

Lee Kang-Sheng est un titan du cinéma taïwanais. L'avez-vous eu à l'esprit en écrivant ce personnage de Cheung?

J'étais absolument et définitivement fan de ses. Mais quand j'ai commencé à écrire ce personnage, il était basé sur quelques amis de la famille. Et lorsque le script a été terminé, je l'ai envoyé à quelques acteurs, mais Lee Kang-Sheng était toujours en haut de notre liste. Quelque chose s'est produit dans l'univers où j'ai pu me connecter avec lui. Une amie productrice que j'avais connue de l'école de cinéma venait de travailler sur un autre film dans lequel il se trouvait, et elle se disait: « Il suffit de lui. Il est vraiment actif sur son Instagram. » Il a dit que c'était la meilleure façon de se connecter avec lui. Et donc je l'ai fait, et nous lui avons envoyé le script. Nous nous sommes rencontrés pour une conversation rapide et il a accepté. Cette légende a accepté d'être dans mon premier film.

Ensuite, vous avez ces deux actrices incroyables qui jouent Amy et Didi. Dans la première ouverture trente minutes, il y a une si belle camaraderie entre ces femmes au spa. Comment avez-vous fait les lancer et les autres femmes qui travaillent au spa?

En termes de casting, Amy a été la première pour moi. J'avais déjà vu le travail de Wu Ke-Xi et je l'aimais dans «Nina Wu». Je pensais qu'elle était si forte. Il y a un tel charisme et une telle force à sa performance dans ce film que je me sentais comme si elle connaîtrait bien ce personnage. Je l'ai regardée dans des interviews et d'autres films dans lesquels elle a été, et j'ai eu l'impression qu'elle pourrait être en mesure de se rapporter à ce personnage. Ce que je voulais pour le rôle de Didi, joué par Haipeng Xu, c'est quelqu'un qui a émis la lumière et le bonheur. Mais pourrait également incarner un personnage qui resterait avec nous même après son départ du film. Je cherchais donc quelqu'un pour être très absorbant. Quand je l'ai regardée à casting pour ce film, elle a parlé très librement de son cœur. Je pense que c'est ce qui m'a attiré, en particulier sur ces deux personnages.

Je pense que même lorsque vous complétez les autres femmes qui travaillent dans le spa, une grande partie de la façon dont je décide de lancer à la fin consiste à voir comment ces acteurs peuvent se rapporter aux personnages émotionnellement et mieux comprendre que moi. Je veux que cela fasse partie du processus collaboratif. Tant que je pense qu'ils ont la graine du personnage, je veux qu'ils apportent tellement plus à ce rôle que je n'avais écrit. Je pense que c'est là que la dynamique de ces quatre femmes a été créée, grâce à cette collaboration. Je voulais qu'ils aient un sentiment de sécurité l'un dans l'autre. Je voulais qu'ils soient les systèmes de soutien de l'autre et aient cette chaleur les uns dans les autres, et comment ils se soucient les uns des autres quand le monde ne le fait pas. C'était très important pour moi.

De toute évidence, vous avez ces très longues scènes qui sont ininterrompues, ou du moins ininterrompues. Vous devez faire confiance à vos acteurs pour le clouer lorsque vous laissez une caméra dessus pendant cinq, six minutes à la fois. Avez-vous fait une répétition à l'avance? Comment préparez-vous? Je suis intéressé à la fois par la façon dont vous vous préparez avec les acteurs pour une scène aussi longue et comment vous vous préparez avec le directeur de la photographie pour une scène qui fonctionne aussi longtemps.

Donc, avec les acteurs, nous avons traversé toutes les scènes deux semaines avant de tourner le film. Et ce n'était pas seulement pour le jeu et les performances elle-même. C'était une langue, car, vous savez, le mandarin n'est pas ma première langue. Je ne lis pas et n'écris pas en chinois, donc j'avais besoin de leur aide, ce qui semble réel. C'était la première partie du processus. Ce faisant, nous avons traversé les scènes avec les acteurs et avons compris le dialogue nécessaire et les battements émotionnels requis pour eux. Ils ont très bien compris ce dont j'avais besoin de la scène, ce que je voulais de la scène, et à partir de là, nous sommes allés en répétition sur le plateau. Pendant nos répétitions, nous jouions essentiellement les scènes avant de tirer, juste en quelque sorte mécaniquement, rien d'émotif, et nous tirions une prise qui était comme je l'avais écrit. Mais alors, parce qu'ils ont compris les battements émotionnels, ils se sont améliorés. Ensuite, lorsqu'ils s'amélioraient, nous trouvions un blocage pour les acteurs.

Ce qui était important, c'est que je venais sur l'ensemble préparé de toutes les manières que je pouvais. Mais il se passe tellement de choses, et pour que les acteurs soient sur le plateau pour la première fois de cette manière change la façon dont nous agissons les uns avec les autres et la caméra. Ils ont donc pu prendre les lieux, le bloquer tel quel, et j'aurais mon DP, Norm Li, m'asseoir avec moi et regarder ce qu'ils faisaient, et à partir de là, se déplacer et bouger. Et nous nous disions: « D'accord, cela fonctionne pour cette configuration. Comment ce placement fonctionne-t-il pour amplifier ce rythme émotionnel? » C'était donc vraiment une danse pour nous tous.

Vous avez mentionné plus tôt que le script était inspiré par des amis de la famille; Combien de recherches en termes de conversation avec les gens Et observant avez-vous fait? Ensuite, comment avez-vous intégré cela dans votre écriture?

Une grande partie de la recherche avait à voir avec les travailleurs du salon de massage. C'était, avant tout, quelque chose dont je voulais être très attentif. Nous avons contacté quelques conseillers, qui travaillent au sein de ces organisations qui aident les femmes qui se trouvent dans ces situations… qui sont dans des situations où elles sont victimes de la traite, en particulier dans le travail du sexe. Ils ont pu m'aider tant avec les personnages, leur vie quotidienne et les types de cas dans lesquels leurs clients seraient. De là, nous enverrions des questions à leurs clients, qui sont restés anonymes. J'ai eu un dialogue avec eux d'avant en arrière pour m'assurer que tout ce que nous représentons dans ce film semblait honnête. C'était la majeure partie de mes recherches. Les autres personnages et le chagrin de tout cela ont été très tirés de mes propres expériences, ainsi que de regarder le voyage de mes parents et de leur communauté d'amis. Donc, tout ce qui semblait très vécu et était presque un souvenir pour moi.

Il y a une importance pour la plupart des grands moments qui se produisent le Nouvel An lunaire. Pouvez-vous en parler un peu lorsque vous avez décidé que ces célébrations seraient les deux ancres des transformations des personnages?

Le mot que vous utilisez se sent si bien: la transformation. Le Nouvel An lunaire symbolise toujours une renaissance et un moyen de vous propulser dans une nouvelle année, gratuite, sans fardeau, avec tous les objectifs que vous avez en tête. Tout est si sûr et il y a tellement de possibilités. C'est pourquoi j'ai décidé de l'ancrer dans ces deux moments spécifiques, où la célébration serait si optimiste, puis, lorsque vous le contrastez avec ce qui se passe, cela crée cette tension et la tristesse qui imprègne le film. Je l'ai donc fait d'une manière qui a amélioré l'émotivité des personnages.

J'adore que vous répétez certaines de ces scènes avec différentes couches d'émotions. Vous avez donc Didi et Cheung qui mangent leur poulet épicé, et c'est tellement plein d'espoir et de heureux. Et puis vous répétez cette scène avec Amy et Cheung et il occupe un espace émotionnel totalement différent pour les deux. La nourriture peut être un langage émotionnel aimant, mais la nourriture peut également faire ressortir beaucoup de traumatismes.

Pour moi, la nourriture est une manière majeure pour que ma famille montre l'amour. En grandissant, quelle que soit la situation financière de mes parents, il y avait toujours de la nourriture sur la table. Ils disaient: «Je t'aime», et c'était toujours à travers la nourriture. Donc, pour moi, c'est quelque chose de très intégré à la façon dont je comprends l'amour.

Dans les moments où il devient traumatisant, par exemple, pour Amy dans le film, il reste tellement non dit dans l'acte de manger. La façon dont les personnages conservent leurs émotions est si belle. Ainsi, la nourriture, de cette façon, est utilisée comme un accessoire, mais ils font quelque chose qui est censé être un spectacle de soins. Par exemple, Cheung met la nourriture dans l'assiette d'Amy, non? Mais elle le rejette. Et tout cela ajoute à son comportement psychologique; Comment elle choisit quand arrêter de manger, quand elle décide de lui dire que c'est suffisant, quelle est sa frontière, ce qui franchit sa frontière avec la nourriture. Cette scène, pour moi, était très chargée de cette façon. C'était une situation destinée à montrer des soins, mais elle sent quelque chose de complètement éloigné de cet acte.

Faire ce film a également été une transformation pour vous. Comment c'était pour vous de vivre toutes ces émotions tout en créant cet art et en émerge comme une version différente de vous-même?

L'autre jour, j'ai eu une autre interview, parce que je suis en France, faisant la sortie ici. J'ai eu un très charmant journaliste intelligent pour me poser des questions sur le regard féminin et, comme, ce qu'est un film féminin, et pourquoi nous, réalisateurs, nous décidons de nous mettre dans ces lieux de vulnérabilité et d'écrire des histoires qui nous sont si personnelles. Et j'ai dû y penser un instant, parce que je me disais: « Wow. C'est vrai. Pourquoi est-ce que je fais un film si proche de moi? » J'ai l'impression que c'est la seule façon dont je sais comment le sortir parce que je ne sais pas comment le dire dans la vie quotidienne. Quand je faisais ce film, je ne pouvais littéralement pas parler de la façon dont je faisais face à la mort de mon père, ni à la façon dont j'avais affaire à la perte d'un partenaire à long terme dans une relation. Tout ce qui a été si difficile à parler, mais faire ce film m'a donné une voix. Et je comprends que ce processus est très différent pour tout le monde, et les gens n'ont pas besoin de faire des films aussi proches d'eux. Mais pour moi, j'avais l'impression de pouvoir respirer après ça.

Y a-t-il des femmes qui ont réalisé des films qui vous ont inspiré dans votre voyage pour devenir cinéaste, ou que vous pensez que vous êtes vraiment cool et que vous voulez que plus de gens connaissent?

J'adore Céline Sciamma. Je pense que son travail est à couper le souffle, et la façon dont elle filme les femmes est différente de tout ce que j'ai vu auparavant. Elle a donc toujours été quelqu'un qui me concerne. Je pense que le travail d'Agnès Varda me parle. J'adore les films d'essais, donc «The Gleaners and I» est un film que j'aime vraiment, vraiment, parce que je me sens si proche d'elle et de la façon dont elle est capable de parler de quelque chose d'aussi d'actualité, mais aussi lié à sa propre expérience. C'est incroyable de voir comment les films peuvent se sentir si personnels et aussi si grands en même temps. Le grand chantal Akerman a changé ma vie et comment j'ai compris comment le temps peut fonctionner, ce que cela signifie de montrer le travail d'une femme et le calme que les femmes peuvent avoir à l'écran, mais ont toujours une forte présence.