Sundance 2025: Rebuilding, Together, Peter Hujar’s Day | Festivals &

Certaines dépêches de Sundance sont des thèmes construits, des dates de première ou même des emplacements. Parfois, ce ne sont que trois bons films. C'est l'un de ceux-ci.

Un peu hors duprès de Sundance de cette année est l'excellent de Max Walker-Silverman («A Love Song») « Reconstitution, » Une histoire opportune d'espoir et de communauté face à une perte inimaginable. C'est un film qui s'ouvre sur le son des flammes alors que les étincelles remplissent l'écran noir, le son et l'imagerie qui ont envoyé une vague à travers les Eccles dimanche après-midi, un théâtre occupé par des personnes touchées par les feux de Los Angeles de janvier 2025. Mais comme Walker- Silverman a clairement indiqué dans son introduction émotionnelle, ce n'est pas une histoire de perte autant que comment nous comprenons comment prendre les prochaines étapes. C'est un drame nuancé et axé sur les personnages sur un homme qui ressemble presque à un fantôme essayant de retrouver sa forme humaine. Ce n'est pas un spoiler de dire qu'il le fera. C'est juste dans le titre. Mais comment cet homme trouve un moyen de transformer la page en le prochain chapitre de sa vie est l'étoffe du grand cinéma, une véritable machine d'empathie fondée par une performance dont je vais parler toute l'année.

Josh O'Connor («Challengers») poursuit sa remarquable ascendance de carrière en tant que Dusty, un cow-boy qui a regardé son ranch du Southern Colorado brûler au sol. La dévastation était si grave que Dusty est informée par un banquier dont il essaie de contracter un prêt pour reconstruire qu'il pourrait être huit ans ou plus avant que le terrain ne soit à nouveau vraiment productif. C'était un ranch que l'arrière-arrière-grand-père de Dusty a construit à la main, transmis et a travaillé au fil des ans par sa famille. Il ne connaît aucune autre vie.

Le feu de forêt a forcé Dusty à un camping FEMA, un endroit que sa fille Callie-Rose (Lily Latorre) visite parfois. La paire a une dynamique détendue et charmante. La maman de Callie-Rose, Ruby (Meghann Fahy), note qu'ils sont similaires en ce qu'aucun d'eux ne demande de l'aide. Callie-Rose et son père vont à la bibliothèque voisine et s'asseyent dehors pour Jack le Wi-Fi qu'ils n'ont pas dans leur bande-annonce. Et ils se lient d'amitié avec d'autres personnes déplacées, y compris une veuve jouée efficacement par Kali Reis, et d'autres personnages qui se sentent ancrés à la place et au temps du film.

Dans ses deux films, Walker-Silverman a affiché un sens aigu de l'espace et du cadre, en utilisant le grand ciel du Colorado presque en tant que personnage. Après tout, il y a toujours une vue incroyable du ranch de Dusty. Comme Dusty le dit dans l'une des grandes scènes, la nature et la vie sont cycliques. Lorsqu'une personne est enterrée et mise au sol, elle finit par la nourrir pour redevenir un arbre. Callie-Rose demande ce qui se passe si cet arbre brûle? Le cycle recommence. Cela peut prendre beaucoup de temps. Mais ça ne s'arrête pas.

O'Connor fait un travail incroyablement subtil dans la «reconstruction», transmettant le type de cow-boy qui peut avoir un monologue interne tourbillonnant d'incertitude mais vit une vie d'obligation qui réprime son anxiété. Il va tous les jours sans se vautrer dans la misère, mais nous pouvons le sentir dans l'inflexion d'O'Connor et la cadence douce. Un monologue dans lequel Dusty s'inquiète de ce qu'il a peut-être déjà oublié du ranch est un étourdissant absolu. Nous avons tous perdu des gens ou des choses et le sentiment que leur mémoire disparaît lentement est l'une des choses les plus difficiles à propos du chagrin.

O'Connor est jumelé par un casting efficace de haut en bas, un ensemble bien dirigé par Walker-Silverman pour viser principalement le réalisme sur le mélodrame. Il y a des moments où le complot révèle que certaines cordes sont tirées, mais jamais dans les performances, en particulier Latorre, qui a l'air si naturelle dans ce rôle que vous oubliez qu'elle agit. C'est juste un enfant dans un chapitre de sa vie qu'elle n'oubliera jamais.

Walker-Silverman a été inspiré pour faire la «reconstruction» après que la maison de sa grand-mère ait brûlé dans la même région dans laquelle le film est tourné. Mais ce n'est pas la perte qui l'a inspiré autant que ce qui a grandi: les communautés se formant par toutes sortes de soutien, de la nourriture aux fournitures à une épaule sur laquelle pleurer. Il est devenu émotif lorsqu'il a présenté le film, et on peut ressentir ce lien personnel avec la narration dans chaque cadre. Sa grand-mère en aurait été fière.

Un type très différent de narration personnelle se déroule dans le divertissement extrêmement divertissant de Matthew Shanks « Ensemble, » Le film qui a produit la réponse du public la plus impressionnante à Sundance cette année. Les observateurs riant, se tortillant et hurlant ont confirmé mon soupçon que cette comédie d'horreur très intelligente pourrait être le plus grand succès à sortir de la fête de cette année. «Together» est une version d'horreur corporelle d'une dramatique relationnelle. Avec des échos de «la substance» et le travail de David Cronenberg, c'est le film d'horreur corporel rare qui livre réellement, transformant les téléspectateurs en participants se tortillants dans le chaos. Ce que j'aime le plus dans l'approche de Shanks, c'est à quel point il est ludique en tant qu'écrivain / réalisateur avec le public. Nous savons où cela va plus que les personnages, faisant de nous des participants au chaos. Lorsqu'un personnage sort une scie électrique et dit: «Ne me laissez pas utiliser ceci», nous savons que nous allons le revoir, et les cinéastes savent que nous savons. Une grande horreur peut souvent être un jeu entre un créateur et son public, quelque chose qu'ils jouent ensemble.

Le couple réel Alison Brie et Dave Franco jouent Tim et Millie, une paire à un chapitre de formation de leur histoire. Même les amis de Tim savent que Millie, faute d'une meilleure phrase, porte le pantalon dans cette relation, et qu'elle commence à se ranger à Tim. Ils déménagent loin de la ville, ce qui n'est pas génial pour la carrière de Tim en tant que musicien – il ne peut même pas conduire aux concerts car Millie a la voiture qu'ils partagent la plupart du temps. Elle a pris un nouvel emploi en tant qu'enseignante, mais le vrai travail devra être fait à la maison, déterminant comment connecter deux personnes qui ont dérivé physiquement et émotionnellement.

Toute cette configuration intervient après un prologue crucial dans lequel nous apprenons qu'un autre couple a récemment disparu dans la région dans laquelle Tim et Millie déménagent. Une paire de chiens aidant à la recherche trouve ce qui ressemble à une ancienne piscine d'eau. Plus tard dans la soirée, ils, eh bien, deviennent un. C'est une image terrifiante qui donne parfaitement le ton de «ensemble» parce que cela ressemble à un avertissement. Est-ce que cette créature de chien «substance» est le sort que Tim et Millie vont rencontrer? Oh non.

Sans trop gâter, Tim devient inexplicablement attaché à Millie. Tout d'abord, c'est de loin, y compris une scène dirigée phénoménale dans laquelle Millie s'éloigne de la maison et le corps de Tim est jeté autour de la douche à la maison alors qu'elle s'éloigne. Sa co-dépendance rencontre l'horreur corporelle. Avant longtemps, chaque fois qu'ils se touchent, il devient plus difficile de se séparer. Des images violentes, gluantes, effrayantes et inoubliables suivent comme Brie et Franco se jettent sans crainte dans des performances très physiques.

Les couples qui ont été ensemble aussi longtemps que Tim & Millie (ou Alison & Dave, donnant vraiment, donnant au film une énergie personnelle qui est fondamentale à leurs performances) commencent à se demander où une personne se termine et l'autre commence. «Ensemble» transforme ce concept en horreur physique d'une manière inoubliable.

L'autre extrémité complète du spectre du cinéma se déroule dans Ira Sachs '
« La journée de Peter Hujar », «  Une étude délicate sur la façon dont la modanité quotidienne existe, même dans certaines des temps intellectuels et artistiques les plus impressionnants de l'histoire. En 1974, à New York, l'écrivain Linda Rosenkrantz a eu l'idée d'enregistrer des conversations avec des artistes de cette scène incroyablement dynamique pour vraiment voir comment ils passent leurs jours. Le livre n'a jamais fait surface, mais la conversation qu'elle a eue avec le célèbre photographe Peter Hujar est finalement devenu une sortie autonome, capturant la vie au milieu des années 70 à New York de manière fascinante. Lorsque Sachs a lu le livre sur le tournage de «Passages», il a eu l'idée de filmer la discussion entre Hujar et Rosenkrantz, mettant en vedette la co-star de ce film Ben Whishaw en tant que Hujar. Il a jeté Rebecca Hall en tant que Rosenkrantz, et le projet qui en résulte est un deux-greffe entre ces deux excellents artistes alors que Peter parle de ce qu'il a fait la veille, notamment en photographiant Allen Ginsberg et des icônes à couper le souffle de l'époque.

Le résultat est quelque chose qui peut parfois ressembler à un projet parallèle pour les très talentueux Sachs. Il dure environ 75 minutes, se déroule entièrement dans l'appartement de Hujar (ou sur le toit) et ne propose aucune recréation de quoi que ce soit discuté. Ce n'est même pas autant une interview qu'un monologue – Whishaw avait 55 pages de dialogue; Hall en avait 3. Mais il y a un talent artistique aux choix de Sachs ici aussi, notamment en cassant parfois le mur pour révéler des éléments de la production du film, ou prendre un moment pour vraiment laisser la caméra reposer sur ces deux visages incroyablement beaux. Il y a des échos visuels clairs de Jean-Luc Godard et Rainer Werner Fassbinder, donnant le lien du projet non seulement avec la scène intellectuelle / photographique de l'époque mais aussi la cinématographique.

Et, bien sûr, c'est une vitrine pour Whishaw, qui trouve un moyen de rendre la parole de la conversation de Hujar authentique. L'acteur a noté la difficulté de cela dans ses questions et réponses post-dépistage en ce que les scripts ordinaires ont des battements de dialogue qui peuvent être beaucoup plus faciles à disséquer que le libre circulation de la conversation. Il est excellent, comme il l'est presque toujours.

La «Journée de Peter Hujar» ressemble parfois à un court métrage étendu – certains épisodes de Prestige TV sont plus longs – ce qui peut faire ressembler une diversion entre des projets «plus grands» pour Sachs, mais je pense que c'est une entrée importante dans la carrière du cinéaste. Il a parlé dans son intro de toutes les œuvres sur le thème des gays qui ont été présentées à Sundance au fil des ans, les reliant à Peter Hujar et Linda Rosenkrantz d'une manière qui se sent essentielle pour comprendre ce qu'il tente de faire ici: pas seulement nous ramener en arrière à 1974, mais amenant Peter Hujar à 2025.