We Create Loneliness: Lukas Dhont on His Oscar-Nominated Film, Close | Interviews

Lors de la conférence de presse du film à Cannes, Eden a expliqué comment lui et Gustav avaient été encouragés à ne pas mémoriser leurs répliques, ce qui semblait correspondre à votre désir déclaré d’accorder à vos acteurs une « liberté d’exister ».

J’étais allé dans une école de cinéma qui mêle documentaire et fiction. Là-bas, j’ai fait de petits documentaires et de petites fictions, et je n’ai jamais choisi entre l’un ou l’autre. Cela s’est avéré être une clé pour la façon dont je travaille parfois. J’ai l’impression que dans les films que je fais maintenant, j’ai une approche documentaire très naturaliste avec les acteurs, et j’ai un style très impressionniste en ce qui concerne l’utilisation de la couleur et de la lumière, ce qui laisse entendre que ce que vous voyez est de la fiction. Avec tous mes acteurs – les adultes inclus, mais surtout avec les enfants – après avoir lu le scénario une fois, je leur dis : « Nous n’allons pas le relire ». Ils adorent ça parce que ce qui les inquiète le plus, c’est d’apprendre un texte. Je leur dis : « Nous n’avons pas à apprendre de textes », et bien sûr, ils n’imaginaient pas que ce serait le cas. Ce que je leur explique, c’est que nous allons travailler pendant six mois, et pendant tout ce temps, et je vais les guider pour qu’ils sachent exactement ce qu’ils doivent faire pendant le tournage. Bien sûr, ils ont encore tout lu et capturé.

Pendant ces six mois, nous passons du temps ensemble et regardons les films préférés de chacun. Le film préféré de Gustav est « Singin’ in the Rain », donc, Dieu merci, ces enfants ont aussi du goût. [laughs] On va se balader au bord de la mer et on fait des crêpes ensemble. De temps en temps, je leur poserai, de manière très informelle, des questions du type : « Pourquoi pensez-vous que Léo n’attend pas Rémi à ce moment-là ? Eden sera comme « Huh », et ce qui se passe, c’est qu’il devient actif. Je ne lui dis pas quelle est la raison, il invente la sienne. Il devient une sorte de détective pour sa part, ce qui l’excite parce qu’il a l’impression de créer, et j’ai besoin d’avoir cette excitation. C’est une des premières choses que je recherche. Après le premier mois, j’apporte un appareil photo. Lorsque nous allons au bord de la mer et que nous nous promenons le long de la côte, j’invite l’appareil photo à faire partie de notre unité. La caméra tourne sans que je dise jamais « action » ou « couper ». Donc, ce à quoi ils s’habituent, c’est ce sentiment que je les invite dans une caméra sans leur demander de faire quoi que ce soit différemment de ce qu’ils faisaient déjà. Ils commencent à sentir qu’il y a une sorte de fluidité entre le document et documenter ce que nous faisons et créons.

J’installe une ligne fine entre le documentaire et la fiction lors de cette toute première répétition parce que ce à quoi je veux vraiment arriver, c’est cette transparence totale entre eux et la caméra, eux et le public, en fait. Je veux qu’ils aient l’impression qu’il n’y a pas de caméra puisque la caméra s’approchera très près de leurs visages. Je ne peux y parvenir que s’ils s’y sont habitués et que cet objet est devenu quelque chose dont ils ne se soucient plus. Je créerai également des liens similaires avec les acteurs adultes. L’une de mes exigences pour les adultes du casting est qu’ils soient présents pour créer un sentiment de famille et d’intimité avec nous. Léa Drucker m’a rappelé quelque chose que je lui avais dit dans une première conversation parce qu’elle trouvait ça remarquable et pourtant très simple. Lorsqu’elle m’a demandé durant la première année : « Comment envisagez-vous cette collaboration ? Qu’est-ce qui est important pour moi ? », j’ai juste dit : « Le plus important pour moi, c’est que tu aimes Eden. » C’est basique, mais je pense aussi que c’est le pilier à partir duquel sa performance a obtenu ce genre d’authenticité brute. Elle n’aurait pas pu jouer la scène dans le bus de cette façon s’il n’y avait pas eu ce lien entre eux. Je pense donc que ma façon de travailler avec les acteurs vient un peu de cette approche documentaire. Je cherche une manière dont vous sentez qu’ils existent plutôt qu’ils ne fonctionnent.

« Close » est maintenant à l’affiche dans les salles.

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