Venice Film Festival 2024: The Biennale College | Uncategorized
C'est en 2015 que j'ai reçu ma première invitation au Festival du Film de Venise de la part de Peter Cowie, vénérable érudit et critique. Son nouveau livre, Dieu et le Diable : la vie et l'œuvre d'Ingmar Bergmanest un couronnement dans les études sur Bergman, un point culminant de la carrière d'un maître qui n'a pas perdu un pas au cours d'une carrière qui s'étend sur plus d'un demi-siècle. Cela m'a semblé une invitation fortuite : ma mère, qui avait toujours souhaité que je voyage en Italie, est décédée plus tôt dans l'année. La Biennale 2015 était ma première sortie, et j'ai senti sa présence par-dessus mon épaule alors que j'admirais les merveilles de Venise.
Et je reviens depuis, sans compter bien sûr l'année de pause Covid de 2020. Ma mission, avec un casting stellaire de collègues critiques – le Chicago TribuneMichael Philips, Le magazine TimeStephanie Zacharek, experte en arts protéiformes de Chris Vognar, dont le travail apparaît dans le Los Angeles Times, Le New York Timeset de nombreux articles dans son Texas natal, la critique finlandaise Sara Ehnholm Hielm, ainsi que la responsable du programme, Savina Neirotti, ont pour mission d'évaluer les films sponsorisés par le Biennale College et, si possible, de conseiller ses réalisateurs. Cette année, quatre films ont été financés par le festival, à hauteur de 200 000 euros chacun (au début, c'était 150 000 euros, mais les temps changent).
Le comité de sélection examine plus d’un millier de propositions et en choisit trois ou quatre parmi celles qu’il considère comme les plus intéressantes. Le réalisateur et le producteur viennent ensuite ici pour un atelier et, dix mois plus tard, ils livrent des longs métrages finis en utilisant uniquement les fonds de la Biennale. Au fil des ans, il y a eu des travaux solides et il y a aussi eu des travaux époustouflants – voyez « This Is Not A Burial, It’s A Resurrection » de Lemohang Jeremiah Mosese, qui a bouleversé le monde du cinéma d’art au point qu’il a finalement été distribué en vidéo à domicile par la Criterion Collection. Un autre film de l’université qui m’a beaucoup marqué est « The Cathedral » de Ricky D’Angelo ; le cinéaste est ici cette année, en tant que membre du jury, et plus tôt dans la journée, autour d’un café, il m’a parlé un peu de son prochain projet, qui semble en effet passionnant. Aujourd’hui, j’ai également assisté au panel et je peux maintenant vous dire ce que j’ai vu.
En regardant les films sponsorisés par le Biennale College cette année pour le Festival du film de Venise, j'ai eu une première pensée plutôt inquiétante : le Collège a-t-il développé un « style maison » ? À une exception près, il s'agissait de drames linéaires sombres et réalistes. (Entre autres choses, le film de Mosese et celui de D'Ambrose – sans parler de l'entrée exemplaire d'Anna Rose Holmer en 2015 « The Fits » – sont des œuvres d'une importance considérable officiel (audacieux.) Mais je crains que cela ne soit basé sur une lecture superficielle. Ce que trois des quatre films font avec plus ou moins d'urgence, c'est d'aborder les traumatismes humains, sociaux et politiques dans des lieux spécifiques et à un moment précis, c'est-à-dire MAINTENANT.
« Médovyi Misiats », ou « Honeymoon », réalisé par Zhanna Ozirna et produit par Dmytro Sukhanov, est originaire d’Ukraine et commence avec ce qui ressemble à un couple de jeunes mariés qui délimite une pièce d’un appartement pour peindre. Et c’est le cas. Et ils commencent alors que la guerre approche. Devront-ils déménager ? C’est la première question à laquelle ils sont confrontés. C’est un portrait vivifiant de la façon dont la guerre peut être vécue par beaucoup aujourd’hui : depuis une fenêtre, dans un endroit dont l’habitabilité peut expirer à tout moment. Le film a une bonne énergie, quelques courants érotiques – rares dans les films universitaires – et une réalisation inventive. Chris l’a comparé à « La Honte » de Bergman, et c’est une comparaison pertinente, mais ce film est plus directement ici et maintenant qu’allégorique existentiel. Mais il a ses moments de ce dernier, c’est sûr. Le bruit des missiles, la vulnérabilité des couples alors qu’ils vont nus à la fenêtre. Les perspectives sont volontairement claustrophobes, mais agréablement variées. Une véritable réussite.
Nous ne comprenons pas la signification du titre « 2 janvier » Un film hongrois de la réalisatrice Zsófia Szilágyi et de la productrice Dóra Csernátony, jusqu'à la toute fin, mais nous nous doutons que la chute temporelle du film nous apportera un coup de poing dans le ventre, celui de la rencontre entre l'intime et le politique. Ce que j'ai préféré dans le film, c'est la performance formidable de l'actrice principale, Csenge Jóvári.
La réalisatrice américaine Zoey Martinson s'est associée au producteur Kofi Owusu Afriyie pour retourner au Ghana, où elle a passé une grande partie de son enfance, afin de réaliser la seule comédie du groupe, « Le pêcheur. » Le film a une jolie ouverture musicale, une chanson jouée au piano à pouces et chantée par quelqu'un avec une voix qui ressemble à celle de Nick Drake. « La terre était solitaire parce que toutes les créatures vivaient dans la mer », nous dit une chanson. La parabole comique d'un vieux pêcheur qui croit être en possession d'une prise parlante fait indirectement référence à la pollution qui rend la vie encore plus difficile pour les petits marins comme notre personnage principal. Le film exprime également un grand amour pour la mer en tant que mère de toutes choses. Le personnage principal est souvent vu en train de donner du Tevye – il croit en la tradition et il veut du respect. Et bien sûr, il est incapable d'affronter sa propre obsolescence. De plus, le film a des dialogues de premier ordre, ma phrase préférée étant : « Tu m'étouffes comme un biscuit Popeye sans confiture. »
La quatrième entrée italienne était « Mon anniversaire » Réalisé par Christian Filippi et produit par Leonardo Baraldi, le film commence avec un adolescent démuni qui menace de sauter d'un toit, puis explore plus en détail son état. C'est une chronique intense, parfois stressante, d'un dysfonctionnement familial. Le panel était constructif et amusant, avec des échanges constructifs entre les critiques, les cinéastes et le public reconnaissant. Merci à eux tous.
Régler les derniers détails du festival : j'ai été impressionné par le film de Pedro Almodóvar « La chambre d'à côté » Le film met en vedette Tilda Swinton et Julianne Moore. Il s'agit du premier long métrage en anglais d'Almodóvar (il a été précédé par le court métrage « The Human Voice », une sublime adaptation de Cocteau avec également Swinton dans le rôle principal), et c'est un film inhabituellement sombre pour lui – peut-être une œuvre délibérément tardive. Swinton et Moore jouent des amis de longue date, tous deux écrivains à succès – le personnage de Moore vient de publier un livre sur la mort, tandis que celui de Swinton négocie avec une fin imminente, due au cancer. Le va-et-vient de leur affection et de leur exaspération mutuelle (enfin, l'exaspération vient principalement du côté de Moore) donne lieu à un échange convaincant qui sonde les domaines intimes de la mortalité et de la moralité sans jamais tomber dans la pédanterie.
James Badge Dale donne peut-être une tournure décisive en tant que flic de la drogue dévoué dans le film brutal de John Swab « Roi Ivoire » qui pourrait bien porter le titre alternatif « Traffic 24 ans plus tard ». Mais en ce qui concerne le jeu d’acteur, ce traité sur les États-Unis du fentanyl est finalement détenu par Richie Coster, dont le portrait du trafiquant de drogue condamné « Mickey The Hoop » entre instantanément au panthéon des vers de cinéma. Le personnage n’est que fanfaronnade et tics, et une fois qu’il commence à perdre la tête, vous sentez qu’il peut se dissiper sous vos yeux, molécule par molécule. Un truc déchirant.
La combinaison de Daniel Craig et William S. Burroughs était/est suffisamment scintillante pour me faire presque oublier que le réalisateur qui les a réunis est Luca Guadagnino. Son scénariste ici est Justin « Potion Seller » Kuritzkes, qui a également écrit le ridicule « Challengers » pour LG Je ne dirai pas tout à fait cela « Bizarre » Cela m'a privé de la volonté de vivre, mais cela m'a rendu d'autant plus déterminé à assister à une restauration du magnifique « Sang et Sable » de Rouben Mamoulian de 1940, afin de pouvoir quitter le festival sur une note positive. Il faisait anormalement chaud et humide au Lido cette année, mais le festival est si bien organisé (à une exception près, toutes les projections ont commencé plus ou moins exactement à l'heure) et le personnel est si charmant que votre niveau de confort n'a jamais été trop élevé pendant trop longtemps. Alors encore une fois, je vous remercie. Ciao !
