Tokyo International Film Festival 2024: Orang Ikan, Missing Child

Au début, je pensais que peut-être le public n’aimait pas ça. La première mondiale de « Orang Ikan » au Festival international du film de Tokyo devait commencer à 11h35, ce qui n'est pas exactement l'heure de grande écoute pour un long métrage de créature. Mais c’est parfois comme ça que ça se passe dans les festivals. Et le public était maîtrisé, réagissant à peine aux scènes sanglantes où le monstre du titre, une bête branchiale humanoïde dans le style de « Créature du lagon noir », arrachait les cœurs de la poitrine des hommes et déchirait un crocodile en deux. À la fin, il y a eu une salve d’applaudissements polis.

C'était le contraire des projections de festivals de genre auxquelles j'ai assisté en Amérique du Nord, où applaudir comme si vous assistiez à un événement sportif chaque fois que quelque chose de scandaleux se produit est un signe de respect. « Orang Ikan » est solide : il n'y a pratiquement pas de gras dans ce long métrage de 83 minutes, qui enchaîne ses protagonistes prisonniers de guerre de la Seconde Guerre mondiale par la cheville dans le style de « The Defiant Ones ». (Ou « Black Mama, White Mama », pour les amateurs d'exploitation.) Le réalisateur Mike Wiluan a travaillé comme producteur sur « Monkey Man » et « The Night Comes for Us », et son film partage l'engagement de ces films en faveur des excès de gonzo. Rien de révolutionnaire, mais un bon moment au cinéma.

Et le public était passer un bon moment. C'est juste que les manifestations publiques bruyantes et excessives sont mal vues à Tokyo, où, alors que le TIFF se prépare pour sa 37e édition, les maires de Shibuya et de Shinjuku ont interdit de boire dans les rues pour Halloween parce que les locaux et les étrangers devenaient un peu trop tapageurs. (Halloween est une nouveauté au Japon, une fête de beuverie à la Saint-Patrick.) Ce n'est pas que les gens ici n'aiment pas s'amuser : cela est évident en se promenant dans n'importe quelle rue bordée de pubs bondés un vendredi soir. Il y a juste certains endroits où se défouler est encouragé, et un festival de cinéma n'en fait pas partie.

Cela devient vraiment intéressant lorsque ce sens tacite du décorum interagit avec des films comme « Orang Ikan » et « Twilight of the Warriors : Walled In », une autre sélection de genre passionnante projetée au TIFF de cette année. Réalisé par Johnnie To protegè Soi Cheang, cette épopée d'action est un retour aux nobles films d'action hongkongais des années 80 construits sur les principes de fraternité, de loyauté et de défense des faibles.

Le casting est divisé en deux groupes de stars d'action charismatiques : les légendes (Sammo Hung, Louis Koo, Richie Jen) et les nouveaux venus (Raymond Lam, Phillip Ng). Cela convient bien au scénario, qui suit une bataille pour le contrôle dans le bidonville aujourd'hui démoli de Kowloon Walled City, juste au moment où une génération vieillit et qu'une nouvelle arrive. Les personnages sont hauts en couleur : un médecin de rue qui vend du porno bootleg sur Internet. à côté, un méchant ricanant et mulet doté d'une force et d'une résilience surnaturelles – et l'histoire est engageante, avec des moments de nostalgie sincère et de comédie légère. (Le public du festival du film de Tokyo se moque des blagues, ce n'est pas le cas.) que difficile pour une foule.)

Mais ce qui propulse vraiment « Twilight » dans la stratosphère, c’est l’action. Comme Ng l’a noté lors d’une séance de questions-réponses après la projection, les arts martiaux surnaturels sont associés au wuxia ballet et aux pieds légers. Mais « Twilight » combine des capacités magiques avec des coups de pied et des coups de poing (parfois littéraux) qui brisent les os. Et le résultat est exaltant. Le coordinateur des cascades, Kenji Tanigaki, a également été un véritable casse-tête sur scène, ce qui en fait la projection la plus animée à laquelle j'ai assisté jusqu'à présent à Tokyo, même si j'ai réprimé l'envie de me lever littéralement et d'applaudir.

Mais si les réactions du public aux films de genre varient selon les régions, certains sentiments se traduisent effectivement selon les cultures. Avant la première mondiale de «Casse vidéo d'un enfant disparu» Les acteurs ont salué le premier long métrage de Ryota Kondo comme étant supérieur aux films d'horreur qui utilisent des bruits forts pour surprendre le public. «Ils parlent de peur des sauts», pensai-je. C'est une idée que j'avais déjà entendue à plusieurs reprises chez des cinéastes occidentaux, et j'ai été ravi de constater que les fans d'horreur du monde entier considèrent cette technique comme plutôt bon marché.

Et le film de Kondo est en effet le contraire, un exercice de terreur oppressante qui atteint des niveaux presque insupportables avant de se terminer sur le genre de note non résolue qui vous suit depuis le décor de montagne maudite du film jusqu'à chez vous. Kondo a déclaré dans son introduction qu'il avait grandi avec les films d'horreur J et les influences de Hideo Nakata (« The Ring », « Dark Water »), Kiyoshi Kurosawa (« Pulse », Cure ») et Takashi Shimizu (« Ju -On : The Grudge » est partout dans « Missing Child Videotape ». Je veux dire cela comme un compliment.

Ce film présente de nombreuses signatures de J-horreur, notamment le mélange de l'aliénation urbaine avec la terreur ancienne et des images trouvées avec le cinéma narratif traditionnel. (Je vais être pédant ici et faire une distinction entre la « J-horreur », un mouvement dirigé par les réalisateurs mentionnés ci-dessus, et l'horreur japonaise dans son ensemble.) Yurei Les (fantômes) planant en arrière-plan, invisibles mais ressentis par les personnages terrifiés, sont particulièrement efficaces. Vous pouvez dire que Kondo a une croyance inébranlable dans le surnaturel, permettant une absorption totale dans la réalité du film.

Shimizu a produit « Missing Child Videotape » et l’ambiance au TIFF salue Kondo comme la prochaine grande nouveauté de l’horreur japonaise. L’apogée du sous-genre J-horreur dans les années 90 et 2000 est révolue depuis longtemps. Et tandis que des franchises populaires comme « The Grudge » continuent de boiter, il y a beaucoup de place pour qu'un nouveau maestro des « émissions d'horreur », comme on les appelle en japonais, intensifie ses efforts dans le pays et à l'étranger. Pour l'anecdote, j'ai remarqué un regain d'intérêt pour le J-horreur parmi les jeunes cinéphiles que je connais, et j'espère voir « Missing Child Videotape » faire bientôt ses débuts dans un festival international.

Un réalisateur japonais particulièrement vénéré dans les cercles d'horreur occidentaux est Kiyoshi Kurosawa, dont les films « Cure » et « Pulse » sont le point culminant du malaise lent que Kondo ressent dans « Missing Child Videotape ». (Le fantôme sous les escaliers dans « Pulse » est, à mon avis, la scène d'horreur la plus effrayante jamais filmée.) Kurosawa ne fait pas que des films d'horreur, mais la terreur atmosphérique est l'une de ses signatures. J'ai donc dû lui poser la question lors de la séance de questions-réponses lors de son excellente masterclass au TIFF, qui explorait son processus et sa philosophie de réalisation cinématographique.

Selon Kurosawa, l'art de réaliser consiste avant tout à savoir quand abandonner le contrôle. « Vous pouvez être très minutieux sur les choses qui vous intéressent, mais vous devez savoir ce que vous devez laisser aux professionnels qui travaillent autour de vous », a-t-il déclaré. « C'est, je crois, le travail du réalisateur. » Il estime que les lieux où les visions créatives divergent sont « ce qu’il y a de plus intéressant dans le cinéma » et a encouragé un public d’étudiants en cinéma de toute l’Asie à regarder une variété de films aussi large que possible afin de développer un raccourci pour communiquer leurs idées. Varier vos goûts « vous aide à changer de forme en cours de route », a-t-il déclaré. « Vous pouvez commencer à un moment donné et terminer à un moment très différent, mais vous serez toujours satisfait car vous verrez le potentiel de ce qui peut être. »

Personnellement, ses principaux intérêts sont le travail de caméra et mise en scènequi, pour lui, sont étroitement liés au lieu. « Pour moi, ce qui est le plus important, c'est la recherche d'un emplacement », a-t-il déclaré. « Dans le scénario, ce ne sont que des mots, mais quand on a le lieu, on peut commencer à imaginer [what it will look like]. Il a ajouté : « C'est un sentiment assez intuitif. mais quand je trouve [the right} place, I get this urge to film that place. In the actual shoot there are going to be actors, and you see that place in the background. For me, having that in the frame is very important … The place informs the movement of the actors… when you do this in a real place, an organic place, their movements will be organic as well.”

At the end of the talk, the moderator turned the mic over to the audience. And despite my nervousness—if Kiyoshi Kurosawa called me an idiot in front of a crowd of people, I fear I might never recover—I got up and asked my one most burning question: How does he accomplish that horrifying empty-pit feeling in his films? He thought for a moment, and my stomach dropped for a different reason. Then he gave an answer befitting a master:

“Sound design creates more anxiety than the visuals: The way you construct the sound, that’s something I can be very meticulous about. But the sense of fear or foreboding, I don’t make those clear, actually. Some of you may want to make horror films—here’s a hint from me. It’s not that difficult to make something scary.  What is most foreboding is when you don’t know if it’s supposed to be scary or not. When you don’t know what you are seeing, or what that figure [in the frame] va faire… laisser le public sans réponse définitive, c'est ça qui crée des tensions. si vous voulez que les spectateurs aient peur, n’essayez pas de leur faire peur.