TIFF 2025: Fuze, Glenrothan, The Last Viking | Festivals & Awards

Le titre de « Fusée » remplit l'écran, accompagné de musique de maison forte, et les crédits maculés qui suivent sont terminés en un clin d'œil. Depuis sa première image, cette chose se déplace –À tel point, se déplaçant si vite dans sa configuration, qu'au départ, il est un peu difficile de dire exactement ce que l'enfer se passe, ou qui sont ces gens. Mais nous n'avons pas besoin de savoir beaucoup au-delà de leur fonction immédiate (les intros appropriés, si nécessaire, peuvent venir plus tard), et nous n'avons pas besoin de en savoir beaucoup sur le scénario au-delà de la bombe, et il doit ne pas partir. Tout le reste est un pansement.

Le cadre est Londres, actuel, et dans ce tir d'ouverture, les travailleurs de la construction sur un chantier ont déterré ce qui apparaît, du moins au début, pour être une bombe intacte (mais en direct) de l'ère de la Seconde. Plusieurs blocs environnants sont évacués, mais dans un petit appartement d'un bloc d'appartements à proximité, un groupe d'hommes ferme les rideaux et reste sur place. Que font exactement ces mecs?

Dans les minutes étroitement blessées qui suivent, le réalisateur David Mackenzie («Hell ou High Water») méritera les éléments de films de braquage, de procédures policières et de thrillers militaires. Sa direction est propulsive; Il garde les coupes serrées, la caméra en mouvement et la partition (qui est essentiellement non-stop) pulsé. C'est le genre de programmeur de Lickety-Split, à l'ancienne Steven Soderbergh et très peu d'autres prennent plus la peine de faire, et s'il se contentait d'être simplement cela, il atterrirait proprement. Hélas, le scénariste Ben Hopkins accumule quelques rebondissements dans le troisième acte (y compris un couple dont même un spectateur lent comme celui-ci deviendra de l'avant), et cogne sur un épilogue extrêmement inutile (prologue, chronologiquement parlant, mais à la fin) pour remplir des Blanks que nous avons déjà compris. Tout sauf le navire, volant face à l'efficacité même qui a fait fonctionner l'image jusque-là. Espérons que certains distributeurs sages ramasseront celui-ci et convaincront les cinéastes d'arrêter pendant qu'ils sont en avance.

Le théâtre et la réalisation ne déploient pas exactement le même ensemble de compétences, mais il y a beaucoup de chevauchements. Il est donc quelque peu choquant que Brian Cox, un acteur qui est apparemment incapable d'une fausse note, ait réalisé un film qui se compose d'une fausse note après l'autre. Ses débuts de réalisateur, « Glenrothan, » est le genre de mauvais film qui ne peut être fait que lorsque quelqu'un d'important jette son poids. Peut-être que cela aurait été fait sans la mise en scène de Cox; Il ne jouerait certainement pas un grand festival du film.

Cox incarne également Sandy, qui vit dans un petit village des Highlands écossais et dirige la distillerie de whisky de 200 ans de sa famille. Il y a quarante ans, son frère cadet Donal (Alan Cumming) a fui leur maison au milieu d'un conflit familial et s'est fait vivre à Chicago, où il possède et se produit à «Donal's Dive – Chicago Blues»; Il a d'abord vu jouer une version de « One Meatball » qui est beaucoup pas les blues. À peine la photo a-t-elle commencé que le bar brûle (je présume à l'immense soulagement des fans de Blues de Chicago), et Donal et sa fille Amy (Alexandra Shipp) et sa petite-fille s'envolent pour une visite. Des rancunes longues et des ressentiments long-harborés se révèlent progressivement dans les flashbacks, indiqués par le dialogue du passé avec un filtre d'écho lourd.

Ce sont de bons acteurs, bloqués par un script risible et un réalisateur qui les traîne pour sécher; Le joueur typiquement capable, par exemple, est trop souvent laissé pour se tordre dans le vent, indiquant et trop émotionnel (il a une scène ivre qui ressemble à quelque chose d'un spectacle de sketch junior). À un certain moment, vous perdez juste de la patience avec lui; Il est tellement fragile, mais lorsque la source de son traumatisme est révélée, c'est franchement décevant. Ce n'est qu'un des problèmes avec le scénario de David Ashton, où chaque ligne de dialogue est soit un cliché moisi («nous faisons tous des erreurs, papa – c'est ainsi que nous le gérons qui compte»), soit en apprenant une exposition au nez («c'est votre frère! Il n'a pas d'enfants! Juste une distillerie!»).

Cox slame tout dans une partition scintillante, terriblement, qui pousse des boutons, et génère un moment d'incertitude ou de suspense sur le résultat de son histoire moisi. Enlevez la distribution chic et «Glenrothan» Ce serait un film Hallmark Channel – et pas particulièrement bon.

Curieusement, Anders Thomas Jensen « Le dernier viking » est aussi Environ deux frères adultes aux prises avec le traumatisme à long terme infligé par leur père cruel, mais voir les deux images à proximité est comme une leçon rapide de la façon de faire et de ne pas faire de film. Nikolaj Lie Kaas incarne Anker, un criminel dur que nous voyons d'abord bourrer un sac débordant d'argent volé dans un casier de stockage. Il confie son frère cadet Manfred (Mads Mikkelsen) d'avoir récupéré et caché ce butin quand il sort de prison.

Quinze ans plus tard, il le fait, mais Manfred est «John» – John Lennon, en particulier, dit-il – grâce à un cas aigu de trouble dissociatif d'identité. («Vous n'avez même pas les verres», le sceptique des fumées Anker). En fait, John tente de s'automutiner chaque fois qu'il est mort – ces tentatives deviennent un bâillon inspiré, si «Harold and Maude», Running Gag. Plus réel pour Anker, «John» ne peut accéder à aucun des souvenirs de Manfred – en particulier, où il a caché les 41,2 millions de kroner en argent volé.

Comme les «hommes et poulet de Jensen et Mikkelson«  »Le dernier viking » Sporte une séquence de cockeyed d'un mile à l'état sauvage, trafic dans le meilleur type d'absurdisme à face droite – Wire, mais simultanément authentique et sincère. Mais le script de Jensen va également dur sur les éléments les plus sombres de l'histoire du crime, créant des changements tonaux discordants; Il est difficile pour la violence brutale qui se dresse dans le troisième arrière pour coexister avec la légèreté avant et le pivot de pathos après, et les scènes de clôture ne sont qu'un toucher trop bien rangé. Mais Jensen continue de lancer des boules de courbe, prenant l'histoire dans des directions inattendues, tout en restant fidèle à la thèse centrale de sa voix off: «Si tout le monde est brisé, personne n'est brisé.» Que La notion semble plus précise avec chaque jour qui passe.