TIFF 2025: Eternal Return, Nuremberg, Carolina Caroline | Festivals &
Je suis toujours ravi lorsque les films dans diverses sections d'un festival du film finissent par aborder les mêmes idées mais dans des genres différents. Il y avait un trio de thrillers sur le thème du sous-sol («bon garçon», «mauvaises pommes» et, bien sûr, «l'homme dans mon sous-sol») et pas plus de trois films liés à William Shakespeare's Hamlet (dont deux avec Joe Alwyn). En explorant un sujet similaire à travers différents genres, il permet au public d'être affecté de différentes manières par la même idée. Dans cette répartition, des films de gala, de pièce maîtresse et de présentations spéciales ont toutes abordé la façon dont nos passés, sinon correctement comptés, peuvent retourner à Beevil de manière pugnace.
Le réalisateur Yaniv Raz «Retour éternel» Ce n'était pas le seul film romantique à haut concept explorant ce qui arrive à l'amour de nos vies une fois qu'ils sont passés, mais cela vaut la peine de distinguer le seul à profiter pleinement des capacités de chant de Naomi Scott et de sa capacité à imprégner une mélancolie émouvante dans toute livraison de ligne. Il s'agit d'un film fantastique de la vieille école qui n'essaie pas de remodeler les conventions du genre dont il fait partie, et cela n'a pas peur de faire tirer la saccharine. Cela fonctionne principalement en sa faveur car il est évident que le talent derrière et devant la caméra comprend pourquoi ce genre peut être si réussi.
Scott incarne Cass, qui est sous le choc de la mort de son partenaire et camarade de groupe, Julian (Jay Lycurgo), qui a péri après un horrible accident d'avion. Elle est embourbée dans le chagrin jusqu'à une rencontre fortuite avec le cartographe Virgil (Kit Harington) et son mentor, Malcolm (Simon Callow), lui donne l'espoir qu'elle pourrait retrouver son amant. Virgile et Malcolm sont convaincus qu'ils peuvent élaborer une carte des points de repère émotionnels de la vie d'une personne; Une fois que quelqu'un recule dans un ancien emplacement qui a une signification, les portails peuvent ouvrir qui permettent aux gens de revivre les moments formatifs pour eux. C'est une vision littérale des façons dont le retour dans un lieu de signification peut nous transporter apparemment dans un autre endroit, et alors que Cass se lance avec les deux hommes dans leur voyage, Virgil lutte avec ses sentiments florissants pour elle.
Cela ne fait pas toujours une visualisation passionnante, car vous pouvez voir les tropes que ce film incarnera bien avant d'atteindre la destination finale, mais si quoi que ce soit, la familiarité narrative permet au travail de briller. Il est frappant de voir Harington jouer contre le type en tant que spécialiste de la carte maladroit et livresque. Le charme est là, mais son intensité est adoucie en raison de son esprit excentrique, ce qui fait un grand feuille dans le cass de Scott. Callow brille également comme un ailier à Virgile et apporte une attitude de «can-faire» animée qui aide le public à adhérer à la crédibilité du gadget que les personnages poursuivent. Contrairement à Cass et Virgile, qui sont optimistes mais prudents, brisés par leur pessimisme autour de pouvoir rêver, Malcolm apporte un zèle palpable.
À la base, le film nous rappelle que «passer à autre chose ne doit pas signifier oublier» et que le passé, bien que important de se souvenir, est quelque chose avec qui faire la paix au lieu d'essayer de récapituler ses plus grands succès dans le présent. Il y a une force à ce message de base, ce qui fait que les diversions du film dans des rebondissements discutables à la fin du film ou à certaines caractérisations erratiques ont l'impression que Raz essayait de surcompenser pour un récit standard. Il aurait dû avoir plus de foi qu'une histoire familière, bien exécutée avec des étoiles charmantes, est tout ce dont nous avons besoin pour rentrer à la maison.
Sur une note plus sérieuse se trouve James Vanderbilt «Nuremberg» Un film d'urgence prémonitoire et d'importance distinguée, mais dont la manière par cœur de l'accouchement étouffe parfois ses ambitions. Néanmoins, c'est un drame d'audience vivifiant et efficace, rempli d'artistes qui imprègnent leurs procédures avec gravité et compétences. Parfois, la force d'un film justifie une approche simple de la façon dont elle raconte son histoire, mais étant donné que ce n'est pas le premier film réalisé sur ce qui s'est passé (le film de Stanley Kramer en 1961 a également dramatisé les sentiers «Jugement à Nuremberg» tandis que Roger a passé en revue le documentaire «Nuremberg: sa leçon pour aujourd'hui») Il aurait bénéficié d'une approche qui n'a pas simplement essayé de prédire à son public.
Au crédit de Vanderbilt, plutôt que de tomber dans la tentation de rendre ce qui s'est passé plus mélodramatique que nécessaire, il place les téléspectateurs directement au cœur de l'obscurité, faisant confiance à ses acteurs pour livrer la gravité nécessaire. Lorsque le film s'ouvre, c'est en 1945. Hitler est mort, et dans une victoire stratégique, les forces alliées ont capturé le plus haut responsable nazi du rang, Hermann Göring (Russell Crowe). Bien qu'il soit beaucoup plus facile de simplement accrocher Göring et les autres responsables nazis emprisonnés, le juge de la Cour suprême américaine Robert H. Jackson (Michael Shannon, dans l'une de ses meilleures performances, offre un travail stellaire ici dont la délicate Gravitas ancre ce film dans ses meilleurs moments) veut mettre Göring et sa grenouille en procès. Jackson croit qu'en essayant les nazis sur une scène mondiale et en encadrant leur condamnation en tant que victoire légale, elle dépouille la gloire qui viendrait avec une exécution. Dans un monologue en mouvement, Jackson explique comment, après que l'Allemagne a été forcée de «ramper» après la Première Guerre mondiale, cela a donné au pays l'occasion de grandir non pas en force mais aussi en animosité. S'ils ne sont pas battus dans le bon sens, Jackson inquiète le monde ne pourrait pas les battre une «troisième fois».
En tant que Jackson et son équipe, y compris l'avocat David Maxwell Fyfe (Richard E. Grant, toujours fiable dans tout film dans lequel il se trouve, mais sa réticence graveleuse est particulièrement la bienvenue dans ce projet) se préparent pour le procès, l'armée a le psychiatre Douglas Kelley (Rami Malek) parler avec les prisonniers avant leur essai pour l'évaluation.
À cet égard, le film est une série de conversations et de débats, que ce soit en séances, alors que nous assistons à diverses permutations du débat des étoiles du film (Kelley débat de Göring, Jackson Grilles Göring sur le stand, etc.). C'est une vitrine Showstopping pour toutes les personnes impliquées. Crowe donne une performance imposante et subtilement effrayante en tant que Göring. Il est dangereusement charmant, agissant avec humilité et suave même si sa nature égoïste est si cuite au four à ce qu'il ne peut pas iMagine une possibilité où il est condamné et en procès. Il y a aussi une couche séduisante à sa confiance, comme s'il était en train de le contre-interroger pour considérer les aspects attrayants de l'idéologie nazie. Malek travaille en tant que Kelley, car le personnage est censé agir comme un navire pour les sentiments de Göring. Le travail de Kelley est double alors qu'il espère éventuellement écrire un livre sur son expérience, et son ambition nue pour la possibilité d'une renommée se heurte à l'éthique de sa vocation. Il pense qu'il peut danser avec le diable parce qu'il l'a en laisse, ne réalisant pas qu'il a déjà été dévoré par un adversaire qui pense à dix mouvements.
Au cours des essais titulaires du film, Vanderbilt choisit d'inclure de véritables images des horreurs des camps de concentration. Nous devenons, un instant, comme ceux de la salle d'essai alors que nous assistons à la photo après la photo et la vidéo après la vidéo de l'extermination vraiment barbare et inhumaine adoptée par les nazis. C'est la partie la plus inconfortable du film et l'une des plus émouvantes, et même si je vois sa nécessité, c'est l'une des rares fois où une brutalité aussi non farouie est trop satisfait de la récapitulation. Comme le dit Jackson lors du procès, « ce qui s'est passé ne peut pas être ignoré parce qu'il ne peut pas supporter d'être répété. » Le film de Vanderbilt garantit que nous ne pouvons pas ignorer ce qui s'est passé, mais ce qui manque, c'est l'espace pour la réflexion sur la façon dont ce que nous voyons s'est, en fait, s'est déjà produit encore et encore. Il y a un message urgent, opportun et puissant que «Nuremberg» propose; Je me demande juste combien de plus il convaincra par son approche guindée qui ne sont pas déjà du côté de Jackson.
Ensuite, il y a « Carolina Caroline », « Un thriller criminel romantique dont le mélange unique de sex-appeal et de tragédie grésille de l'écran. Des trois projets mettant en vedette Samara Weaving qui ont été publiés cette année, c'est de loin le plus fort, car le réalisateur Adam Carter Rehmeier et l'écrivain Tom Dean offrent enfin son matériel qui profite pleinement de sa capacité à se déplacer entre la vulnérabilité et la vigueur à tout moment. Ajoutez un partenaire de scène comme Kyle Gallner et une partition lisse comme Whiskey de Christopher Bear, et tout fait de « Carolina Caroline » un film qui vous frappe de son premier cadre.
Lorsque nous rencontrons la titulaire Caroline, elle incarne l'agitation de se sentir obligé de voir sa ville natale tout en souhaitant y échapper. Tout en s'occupant de son père célibataire (Jon Gries), elle trouve son billet pour la liberté dans Oliver de Kyle Gallner. Les deux ont mis en place une romance tandis qu'Oliver lui enseigne ses voies criminelles; En tant que crescendos d'amour, l'échelle de leurs crimes aussi.
« Carolina Caroline » est pleine de bâtons, de fusillades et de casse, mais le script de Dean et la direction de Rehmeier nous donnent des personnages qui nous tiennent à cœur. Au centre émotionnel de Caroline se trouve son sous-choc d'abandon de sa mère, et le film remet en question la santé d'elle essayant de combler ce vide en cherchant la violence et les sensations fortes. Il y a une esthétique granuleuse et portative de caméra à mesure que le film progresse, presque comme si Oliver et Caroline enregistrent des vidéos à domicile de leurs crimes pour transmettre aux membres de la famille plus tard. Nous savons en regardant cela autant que Caroline et Oliver montent haut sur leurs vols, l'accident doit venir d'une manière ou d'une autre, et il y a une tension serrée alors que nous attendons que leur chute arrive.
Tisser les éblouissants dans une séquence particulière, où, après que quelqu'un a été tué, Caroline se rend compte de la fin terrifiante de la vie du crime qu'elle a entrepris. Elle a atteint le point de non-retour et que la désillusion est pénible et inquiétante. Ce sont ces moments de développement de personnages au milieu du spectacle qui font de «Carolina Caroline» un joyride, tragique, tragique.
