TIFF 2024: Dahomey, Bird, Oh Canada | Festivals & Awards

L'un des avantages de venir au TIFF chaque année est que la première journée de projections de presse est presque entièrement consacrée à des films qui ont été présentés en avant-première lors d'autres festivals plus tôt dans l'année. Par exemple, l'année dernière, mes deux premiers films au Canada étaient « Anatomy of a Fall » et « The Zone of Interest ». Cela place la barre très haut non seulement pour le reste du festival, mais c'est aussi généralement l'une de mes meilleures journées de cinéma de l'année. Cette année, j'ai pu voir deux films controversés de Cannes et un film primé de Berlin qui était le meilleur des trois.

Ce film est excellent de Mati Diop « Dahomey » Le lauréat de l'Ours d'or de la Berlinale de cette année. Le premier film de Diop depuis le phénoménal « Atlantique » est un film de non-fiction d'une simplicité trompeuse, d'une durée de seulement 68 minutes, mais qui regorge de tant de perspicacité et d'implications dans ce petit film. En 1892, les Français ont confisqué des centaines d'objets, d'œuvres d'art, de statues et d'autres trésors du Royaume du Dahomey (aujourd'hui connu sous le nom de Bénin). En 2021, la France a accepté de restituer 26 d'entre eux, entamant un processus de récupération qui s'est avéré controversé et fascinant.

Diop raconte essentiellement trois aspects de cette histoire, en donnant d'abord la parole à l'une des statues, entendue dans le film alors que nous regardons les experts prendre soin du trésor ou même simplement en noir alors qu'il repose dans une boîte. La statue parle du retour à la maison dans la langue d'origine du pays, le fon, mais pas de manière clichée, mais plutôt en reconnaissant la force changeante du temps. L'Afrique de l'Ouest n'est plus ce qu'elle était il y a 130 ans, même si les habitants célèbrent l'arrivée de leurs artefacts perdus. Après leur arrivée, Diop passe du temps avec les personnes chargées d'assurer leur sécurité et leur état, décrivant de quoi ils sont faits et dans quel état ils se trouvent, comme un médecin le ferait avec un patient. Enfin, et c'est le plus intéressant, elle passe du temps à une réunion entre étudiants et professeurs d'université au sujet des artefacts, au cours de laquelle les gens discutent de leur valeur culturelle, des raisons pour lesquelles cela a pris autant de temps et pourquoi la part des objets volés qui sont restitués est si faible.

Cette section aurait pu durer quatre heures à la manière de Wiseman pour ce spectateur, tant la conversation prend des directions inattendues et intéressantes que ma tête tourne. En disant que ces objets ramènent la culture dahomey à sa terre d'origine, cela implique que leur prise a laissé un vide en premier lieu. La culture n'est-elle pas ancrée dans les vêtements, les rituels et même les récits ? Et pourquoi devraient-ils être reconnaissants pour ce qui n'est qu'une petite fraction d'une correction pour un vol ?

On y trouve aussi des allusions à des machinations politiques, mais aussi à des personnes manifestement émues par la possibilité de revisiter et de se réapproprier un chapitre important de leur histoire. Le film de Diop est si audacieux parce qu'il traite, en apparence, des marqueurs physiques de la culture et de l'histoire, mais il est réalisé de telle manière que nous comprenons que les objets que nous voyons dans les musées sont bien plus que de simples traces de quelque chose qui s'est passé il y a longtemps. Ils ont encore le pouvoir non seulement de nous rappeler d'où nous venons, mais aussi de nous faire parler de qui nous sommes aujourd'hui et de notre avenir.

Andrea Arnold continue de ne pas faire de mal à ce critique, en intégrant des thèmes d'œuvres précédentes comme « Fish Tank » et « American Honey » dans son excellent nouveau « Oiseau, » Un film qui a divisé les spectateurs à Cannes cette année, mais pour lequel je suis totalement convaincu. Oui, il y a une certaine familiarité dans ce film – je pense que je saurais reconnaître qu’il s’agit d’un film d’Arnold sans même avoir vu le générique – mais il est si captivant que c’est pardonnable. Arnold trouve une passion créatrice chez les gens du monde qui sont souvent laissés pour compte. Dans ce cas, elle tisse un fil de réalisme magique dans une histoire de pauvreté traîtresse, offrant une étude de personnage qui prend vie de la manière la plus inattendue.

« Bird » raconte l’histoire de Bailey (interprétée par la nouvelle venue Nykiya Adams), qui vit dans un immeuble avec son père célibataire Bug (Barry Keoghan, qui semble d’abord être en pleine crise de nerfs, mais qui trouve des moments subtils dans la seconde moitié du film). On sent très tôt que Bug a eu des enfants – Bailey a un demi-frère – alors qu’il n’était lui-même qu’un enfant, ce qui le rendait trop immature pour être un vrai père, obligeant Bailey à grandir plus vite qu’elle n’aurait dû. Un destin encore plus sombre se déroule à l’autre bout de la ville pour ses demi-sœurs, avec le petit ami brutalement violent de sa mère. Est-il étonnant que Bailey rêve de s’envoler ?

Bird (Franz Rogowski) entre en scène, un homme souriant mais fragile qui prétend avoir vécu dans un immeuble voisin et espère que Bailey pourra l'aider à retrouver sa famille. Dès sa première apparition, Bird dégage quelque chose d'un peu inhabituel, ce qui rend un peu ridicules les arguments de Cannes selon lesquels le film d'Arnold pivote brusquement vers le réalisme magique dans les scènes finales – c'est là tout le temps si vous faites attention. La réalisation d'Arnold est généralement solide, soutenue par une autre excellente bande-son, bien sûr, mais le véritable joyau ici est une autre performance fascinante de Rogowski. Je ne suis pas sûr qu'il y ait quelqu'un en ce moment qui sache utiliser son physique – son visage et son corps – comme Rogowski. Il est tout simplement captivant, et il devient plus qu'un simple acteur secondaire excentrique dans Bird, poussant Bailey et le récit vers sa conclusion fantastique.

Ce qui « se passe vraiment » dans les scènes finales de « Bird » ne signifie pas grand-chose pour moi, car Arnold travaille dans un registre émotionnel plus que pratique. Il y a une raison pour laquelle elle revient sans cesse à « The Universal » de Blur et à la phrase « Cela pourrait vraiment, vraiment, vraiment arriver ». Tout peut arriver dans les films.

Mon dernier film de rattrapage du premier jour du TIFF 2024 était le dernier de Paul Schrader, « Ah, Canada ! » adapté du livre de Russell Banks et réunissant le scénariste/réalisateur avec la star de l'un de ses films les plus appréciés. Plus de quatre décennies après « American Gigolo », Richard Gere livre à nouveau pour Schrader, offrant l'une de ses meilleures performances en tant que réalisateur de documentaires nommé Leonard Fife, qui a fui les États-Unis pendant la guerre du Vietnam pour s'installer au Canada. Vers la fin de sa vie, il donne une interview à une équipe de documentaire dirigée par un ancien étudiant nommé Malcolm (Michael Imperioli), et Leonard a quelques choses à dire. Et il a besoin que sa femme Emma (Uma Thurman) soit là pour les entendre.

Les souvenirs de Fife se déroulent dans des flashbacks alors que Schrader se laisse aller (sans doute trop) avec les proportions et les palettes de couleurs. Jacob Elordi, connu pour « Saltburn » et « Euphoria », est parfaitement choisi pour incarner le jeune Leonard, mais Gere apparaît même dans des flashbacks dans son jeune moi alors que Schrader essaie de saisir comment la mémoire devient plus fluide et confuse à mesure que nous vieillissons. « Oh, Canada » saute dans le temps d'une manière qui est conçue pour presque reproduire la façon dont nous luttons pour nous accrocher à des détails en vieillissant – les souvenirs jouant davantage comme des marqueurs émotionnels d'une vie que comme des événements réels. C'est le genre de structure qui donne l'impression qu'elle aurait pu fonctionner le mieux sur papier, perdant parfois le fil dramatique sous forme cinématographique d'une manière qui, je pense, pourrait être intentionnellement frustrante mais qui m'a néanmoins poussé hors de l'expérience émotionnelle du film.

Il y a néanmoins beaucoup de choses à apprécier ici, notamment dans la performance vulnérable de Gere et dans la manière dont Schrader exprime ouvertement ce qui semble être ses propres préoccupations concernant le vieillissement, les regrets et la réputation. La récente série de drames de Schrader, même lorsqu'il adapte d'autres matériaux, semble profondément personnelle, le genre de filmographie de fin de carrière qui, je le pense, sera étudiée et analysée pendant encore longtemps. Il l'a certainement mérité.