Flee Avis critique du film & résumé du film (2021)
La configuration de « Flee » est simple, Rasmussen guidant Amin dans la conversation, mais l’approche n’est jamais simpliste. L’amitié et la familiarité des hommes entre eux permettent un niveau d’expression intime qui donne au film sa spécificité et son accessibilité à la fois. Des bribes de souvenirs sont parfois tout ce que nous avons des personnes que nous avons aimées et perdues, et Amin les compile pour parler de son lien profond avec sa famille, de sa lutte pour concilier sa sexualité avec son origine culturelle conservatrice et le traumatisme d’être apatride. Chacun de ses récits commence de la même manière, avec une version animée d’Amin – à la peau brune, rasé de près, avec une barbe, une chaîne en or et un regard las du monde – allongé sur un canapé, regardant devant lui et regardant directement vers nous. Cette perspective d’Amin regardant vers le haut et nous regardant vers le bas crée un équilibre dans lequel nous sommes un participant actif, et alors qu’Amin glisse dans la mémoire et se transforme en une version plus jeune de lui-même, nous y allons aussi. (Il y a de nombreuses raisons d’associer « Flee » avec l’autre film de cette année « Limbo » axé sur les réfugiés, et leur expérimentation commune avec la qualité liminale du temps est primordiale.)
Retour en Afghanistan, où l’enfance heureuse d’Amin (faire voler des cerfs-volants avec un de ses frères, passer du temps dans la cuisine avec sa mère) est bouleversée par la guerre civile et par la disparition de son père après avoir été emmené par les moudjahidines. Les contours des bâtiments gris qui s’effondrent et des civils beiges qui courent se déplacent et fondent tandis que les combattants de la résistance apparaissent comme des formes solidement noires et ombrées par des rayures, contrastant à la fois avec les parents vêtus de couleurs vives d’Amin et la maison familiale confortablement décorée. En Russie, où Amin a passé des années mornes et fastidieuses à l’adolescence : la palette de couleurs s’est désaturée, le mouvement de ces personnages s’est atténué, leurs expressions faciales se sont atténuées. Retour à Copenhague d’aujourd’hui, où le petit ami d’Amin, Kasper, frappe les murs et les limites qu’Amin a construites autour de lui-même. Et, lentement, vers une autre version du passé d’Amin que Rasmussen, à travers des questions gentiment directrices, démêle progressivement. « J’ai juste besoin de mettre une chose au clair », demande Rasmussen, et la pause qu’il prend entre cette déclaration et sa requête suivante est tout un monde de possibilités.
Où « Fuir » va alors révèle un certain nombre de vérités sombres sur l’écart entre le « premier » et le « troisième » mondes et sur les mesures désespérées que les gens prendront pour avoir la chance d’avoir une vie « meilleure ». De manière rafraîchissante, « Fusionner » permet également de réfléchir à ce que « mieux » signifie et selon les normes de qui nous attribuons cette désignation. Qu’importe de vivre sa vérité si nous sommes seuls dans le processus ? Quelle vulnérabilité pouvons-nous choisir de nous permettre, et quelle grâce ? Un certain nombre de scènes animées remarquables font entrer ces idées dans leur sillage : une promenade effrénée à travers une forêt, ses arbres si hauts qu’ils empiètent sur le ciel nocturne ; une scène claustrophobe et vertigineuse dans un camion porte-conteneurs, notre perspective tournant pour arpenter les espaces restreints ; une rencontre entre un bateau de réfugiés et un bateau de touristes qui est déchirante et déchirante dans les expressions contrastées sur les visages de ces personnes. Lorsque « Flee » glisse de l’animation à l’action réelle, c’est le rappel de Rasmussen de la réalité de cette histoire, et quand il inclut les arguments entre lui et Amin sur la direction du documentaire, c’est aussi la réalité.
