TIFF 2024: Babygirl, All We Imagine as Light, Queer | Festivals &

Trois films qui pourraient bien être dans les conversations à l'approche de la saison des récompenses sont présentés dans cette nouvelle version du Festival international du film de Toronto sur des films que nous avons déjà vus à Karlovy Vary et à Venise, avec en tête une nouvelle preuve que Nicole Kidman est l'une de nos meilleures actrices en activité, une interprète qui a toujours été prête à aller sans crainte là où un personnage l'emmène. Après « Big Little Lies », Kidman a été un peu distraite par les séries policières de Prestige Streaming (comme « The Undoing » et « The Perfect Couple »), mais elle le prouve dans le film d'Halina Rejn « Bébé fille » qu'elle est prête à relever tous les défis que le monde du cinéma lui réserve encore. Kidman joue dans un film qui va être controversé dans sa représentation de la complexité du désir, bien soutenu par les performances tout aussi remarquables d'Harris Dickinson et d'Antonio Banderas. C'est un film qui, je le crains, sera décomposé en morceaux TikTokables ou en personnages controversés alors qu'il est vraiment préférable de l'apprécier dans son ensemble, retraçant l'arc d'une femme qui découvre de nouvelles vérités sur ce qui l'excite.

« Babygirl » s’ouvre sur deux scènes cruciales. Dans la première, Romy (Kidman) vient de faire l’amour avec son mari (Banderas) lorsqu’elle se retire dans une autre pièce pour regarder un film porno et « finir le travail » elle-même. Elle n’est pas satisfaite – l’idée qu’un personnage joué par quelqu’un presque universellement reconnu comme l’un des hommes les plus séduisants de l’histoire du cinéma n’ait pas satisfait sa partenaire depuis deux décennies ressemble presque à une blague de casting, mais je m’égare. Peu de temps après, sur le chemin de son bureau, un chien sans laisse court vers elle avant d’être interpellé et calmé par un beau jeune homme nommé Samuel (Dickinson). Il a le contrôle. Elle aime céder le contrôle.

Il s’avère que Samuel est stagiaire dans l’entreprise de Romy et il sent immédiatement que sa confiance en lui pourrait intéresser sexuellement cette femme de pouvoir. Avant même de s’en rendre compte, il lui fait des tours de passe-passe bizarres, comme lui commander un verre de lait de l’autre côté du bar pour voir si elle va le boire et la pousser et l’entraîner dans une dynamique sexuelle tortueuse. À tous égards, Romy est la figure la plus puissante de ce nouveau couple, mais elle est clairement excitée par la possibilité d’être dominée, bien que « Babygirl » ne succombe pas au cinéma BDSM traditionnel, des films qui finissent généralement par stigmatiser les relations perverses comme celles de Romy et Samuel, des relations qui peuvent déchirer des familles et des vies professionnelles. Romy prend des risques dans sa profession et Kidman capture subtilement la façon dont elle voit Samuel comme un danger qu’elle ne peut ignorer.

Kidman et Dickinson sont vulnérables et crus, ce qui donne à Reijn la liberté de faire rebondir ces deux performances électriques l’une sur l’autre, jusqu’à ce que Banderas entre dans le troisième acte et évite également tous les pièges potentiels du rôle du mari trahi. « Babygirl » est un numéro de haute voltige, qui n’a pas peur de toucher au troisième rail du cinéma moderne, averse au sexe – il est juste assez explicite pour que plusieurs personnes autour de moi murmurent et marmonnent pendant les moments les plus graphiques, mais il ne semble jamais exploiteur ou obscène. La raison pour laquelle il fonctionne est que c’est un film trompeusement intelligent, qui refuse de mépriser aucun de ses personnages, y compris le mari infidèle et la stagiaire sans doute manipulatrice. Il y a tellement de films comme « Babygirl » qui ne comprennent pas l’émotion derrière des choses comme l’infidélité, le pouvoir et la luxure, les utilisant comme des dispositifs au lieu d’aspects primaires de la condition humaine. Quand un film est aussi bien fait, cela ressemble à un éclair.

Cela ne pourrait pas être plus différent, mais il y a un coup de foudre émotionnel à la fin de l'excellent roman de Payal Kapadia. « Tout ce que nous imaginons comme lumière » Un film qui m'a surpris et m'a giflé avec ses scènes finales. C'est un film doux et méditatif sur la façon dont des vies contraintes aspirent encore à une connexion romantique, nuancé dans son écriture, son jeu d'acteur et sa mise en scène. Le film de Kapadia a été présélectionné pour la candidature française à l'Oscar du meilleur film en langue étrangère. C'est certainement l'un des meilleurs que j'ai vu jusqu'à présent cette année.

La dualité façonne « All We Imagine as Light », de ses deux personnages principaux au fait que le film est clairement coupé en deux en termes de mise en scène des vérités qu’il dévoile sur notre besoin de connexion avec une autre personne. C’est l’histoire de Prabha (Kani Kusruti) et Anu (Divya Prabha), deux infirmières de Mumbai qui vivent également ensemble. Kapadia capture le paysage sonore de Mumbai – les klaxons de voiture se mêlant en arrière-plan de presque toutes les scènes – d’une manière qui le rend plein et tridimensionnel, comme s’il s’agissait simplement de deux vies dans une ville de millions d’habitants. Ce sont toutes deux des vies ordinaires et extraordinaires dans leurs détails.

Le mari de Prabha, l'aînée des deux, est parti travailler en Allemagne il y a longtemps et n'a plus donné de nouvelles depuis. Elle entretient une relation avec un homme qui n'est peut-être même plus en vie, repoussant même l'affection d'un médecin qui est clairement attiré par cette femme fascinante. Son pendant est Anu, une jeune infirmière qui a une liaison secrète avec un jeune musulman. Lorsque les femmes partent en vacances sur la côte, « All We Imagine as Light » change de ton, abandonnant le bruit constant de la ville pour le bourdonnement paisible du monde naturel. « All We Imagine as Light » est une œuvre tendre et belle, un film qui se délecte de la complexité et des besoins humains, nous rappelant que la grâce peut trouver son chemin à travers n'importe quelle obscurité.

Enfin, il y a Luca Guadagnino « Bizarre, » Encore un drame qui cherche à saisir l’ineffable mais qui peine à créer un lien avec les autres au cours de sa durée excessive. Le réalisateur de « Call Me By Your Name » et de « Challengers » a réalisé un autre film magnifique – les costumes et la direction artistique sont captivants, et il y a une autre bande originale solide de Reznor & Ross – mais « Queer » tente d’adapter une source qui traite de ce que nous ne pouvons pas exprimer avec des mots : des choses comme la luxure, la dépendance et même la télépathie. L’auteur William S. Burroughs a écrit un roman profondément personnel sur la tentative de capturer ce qu’il ne pouvait pas tout à fait exprimer d’une autre manière, et « Queer » semble un peu trop fabriqué pour transmettre cet aspect primitif de la source. Je ne suis pas sûr que quiconque puisse vraiment adapter cette partie de Burroughs qui ne peut exister qu’en mots et comment ces mots stimulent l’imagination du lecteur. Celui-ci est un noble effort pour y parvenir, mais il m’a frustré plus que toute autre chose.

Daniel Craig se donne à fond dans le rôle de Lee, clairement inspiré de Burroughs lui-même, un écrivain de Mexico après la guerre qui passe la plupart de ses journées à boire, à se droguer et à baiser, essayant de trouver quelque chose pour donner un sens à sa vie, ou au moins du plaisir. L'un des meilleurs moments de « Queer » est lorsque Lee aperçoit Allerton (Drew Starkey) dans la rue et que Guadagnino a le culot de jouer au ralenti « Come As You Are » de Nirvana pour ce film d'époque à la fois mignon et romantique. Ce n'est pas la seule fois que Guadagnino utilise de la musique moderne, mais j'aurais aimé qu'il le fasse plus souvent car cela brise une partie de l'ennui d'un film qui devient assez répétitif lorsque Lee et Allerton se rencontrent, se séparent et se retrouvent à nouveau lors d'un voyage en Amazonie pour expérimenter l'ayahuasca.

Craig est attachant et brut, mais Starkey est un raté ici pour moi. Oui, Allerton est censé être un peu un chiffre, quelqu'un que Lee ne pourrait jamais comprendre complètement, mais la performance de Starkey est trop plate, marmonnant des dialogues et ne créant jamais vraiment de personnage. Cela laisse un trou noir au centre de « Queer », qui devient l'histoire d'un homme incapable de se connecter avec le monde qui l'entoure, même avec l'homme dont il tire du plaisir sexuel. Burroughs a apparemment appelé cette histoire une histoire sur « l'algèbre du besoin », et c'est clair dans la source, mais le besoin de sexe, de drogue ou même de sens sont des choses vraiment difficiles à transmettre dans des films d'époque de 150 minutes, et je ne pense pas que le film de Guadagnino parvienne jamais à les comprendre.