TIFF 2023: The Boy and the Heron, We Grown Now, Unicorns

Ce fut un Festival international du film de Toronto inhabituel. Grâce aux doubles frappes, finis les tapis rouges étoilés, remplacés par des présentations relativement calmes et un manque général de fanfare. Bien sûr, il y a quelques visages célèbres dans la ville, mais ce festival n’est pas devenu le paysage traditionnel des célébrités. Il est possible que la grève soit la raison pour laquelle le TIFF 2023 a eu son meilleur film de soirée d’ouverture depuis des années, peut-être jamais, sous la forme de Hayao Miyazaki. « Le garçon et le héron » offrant à un public chanceux la première chance de voir le film en dehors du Japon.

Si « The Wind Rises » était le dernier chapitre de la remarquable carrière de Miyazaki, celui-ci en est l’épilogue, une œuvre magistrale qui fait écho aux thèmes avec lesquels il a joué toute sa vie tout en mêlant à la fois son émerveillement enfantin et un sentiment de finalité imminente. C’est en quelque sorte à la fois une fable pour enfants et un au revoir d’un vieil homme, une reconnaissance que les jours de la création sont bientôt terminés mais que les générations ont désormais été habilitées par le Studio Ghibli à exprimer leur propre voix. Cela prend un peu plus de temps que je ne le souhaiterais, mais cela ne semble pas être un facteur au moment où il atteint son apogée émotionnelle. Il s’agit d’une autre œuvre merveilleuse de Miyazaki. C’est un cadeau.

Comme tant de films de Miyazaki, l’action de « Le garçon et le héron » découle de la peur et du traumatisme de l’enfance. Mahito perd sa mère dans l’incendie d’un hôpital, puis est contraint de fuir Tokyo pendant la guerre avec son père et sa nouvelle épouse Natsuko. Dans la campagne, il trouve un ancien bâtiment qui abrite de nombreux secrets, notamment un passage vers un autre monde où Natsuko se perd et où Mahito a la chance de sauver sa nouvelle mère, peut-être son ancienne mère, et peut-être le monde entier.

« Le garçon et le héron » joue clairement avec des thèmes que Miyazaki a déjà explorés avec des échos de « Le Voyage de Chihiro », « Mon voisin Totoro », « Le château ambulant » et bien d’autres encore, mais il ne s’agit pas de simples plus grands succès. C’est le travail d’un artiste qui réfléchit sur une carrière. Sans rien gâcher – et j’y reviendrai plus en profondeur dans une critique complète lors de sa sortie en décembre – c’est une histoire d’acceptation, de rédemption et de pouvoir de création. C’est un film qui rappelle en quelque sorte « Alice au pays des merveilles » et la vie de Miyazaki en même temps. Il met en scène un personnage qui pourrait être Dieu ou Miyazaki (ou les deux), aux côtés de perruches fascistes qui aiment hystériquement aiguiser les couteaux, de petites créatures magiques appelées Warawara qui semblent destinées à figurer sur les produits Ghibli pendant des générations et, bien sûr, le héron du titre. , qui est un filou classique, une créature qui semble tourmenter Mahito mais cache son propre courage.

« Le Garçon et le Héron » s’inspire du livre préféré de Miyazaki lorsqu’il était enfant, Comment vivez-vous?, qui est la traduction directe du titre du film au Japon. Il trace très explicitement des lignes entre ce qui l’a inspiré quand il était jeune (avec quelques détails autobiographiques) et la façon dont il espère avoir inspiré les gens au cours des quarante dernières années. Il s’agit d’un lieu où la vie et la mort s’entremêlent, où l’enfance et la fin de la vie peuvent être le reflet l’une de l’autre. Il y a tellement de choses à dévoiler thématiquement et narrativement dans « Le Garçon et le Héron », mais la dernière chose que je mentionnerai, c’est que c’est tout simplement magnifique. Lorsqu’il traverse le plan terrestre presque exactement à la moitié du film, il devient l’une des visions les plus frappantes de Miyazaki. C’est comme si le rêve de l’un de nos plus grands créateurs prenait vie.

C’est une transition difficile, mais une histoire très différente de jeunesse, de créativité et de vitalité de l’innocence se joue dans le film de Minhal Baig. « Nous avons grandi maintenant » qui a déjà été sélectionné pour ouvrir le Festival international du film de Chicago le mois prochain. C’est une excellente décision de la part des programmateurs de ce festival, car il s’agit d’un film profondément Chicago, qui bourdonne à la fois de l’énergie vitale et du danger de ma ville préférée au monde. Il y a des moments où on a l’impression que le film de Baig atteint la profondeur de manière délibérée au lieu de simplement le laisser venir naturellement, mais il s’agit d’un drame familial solide ancré dans un langage visuel chaleureux, une profonde empathie pour ses personnages et une merveilleuse performance de Jurnee Smollett. .

La star d’enfance d’Eve’s Bayou est maintenant devenue la mère, une femme nommée Dolores, qui vit dans le tristement célèbre Cabrini-Green, un projet de Chicago qui est passé d’un développement urbain ambitieux à l’un des quartiers les plus criblés de criminalité de la ville. Dolores est la mère de Malik (Blake Cameron James), 12 ans, un jeune homme intelligent et enjoué qui n’a pas encore perdu cette énergie enfantine qui s’épuise si rapidement chez les jeunes de cet âge. Et il est sur le point de grandir trop vite alors que la communauté qui l’entoure devient de plus en plus dangereuse. Mais pas encore. Il est encore temps de jouer avec son meilleur ami Eric (Gian Knight Ramirez) et de nouer des liens avec sa grand-mère Anita (une excellente S. Epatha Merkerson).

Sans trop de mélodrame, « We Grown Now » devient l’histoire d’une mère qui est obligée de rompre l’amitié formatrice de son fils pour sa propre sécurité. Mais ce n’est pas le film sensationnaliste de la semaine qui traite de la criminalité dans les centres-villes. Il tire sa plus grande puissance des scènes intérieures chaleureusement éclairées de famille et d’amitié, points chauds dans une ville de plus en plus froide. Baig ne méprise jamais ses personnages et ne les utilise jamais comme accessoires pour tirer le cœur. Elle les traite avec le respect qu’ils méritent.

Enfin, il y a l’intrigant «Licornes» un film avec deux interprétations excellentes et courageuses, légèrement déçues par un scénario qui les bourre de dialogues trop directs. C’est presque comme si l’équipe derrière ce film ne savait pas qu’elle aurait deux interprètes capables de gérer les nuances de ces personnes, et leur a donc donné trop de répliques qui ressemblent à quelque chose que les gens disent dans les films, pas dans la vraie vie. C’est l’un de ces films dans lesquels les gens disent trop souvent exactement ce qu’ils ressentent ou ce qu’ils veulent d’une situation, alors qu’il existe une version plus forte de ce film qui semble plus réaliste, maladroite et incertaine. Les protagonistes sont assez bons pour tenir le coup, et je pense que cela pourrait être un drame vraiment puissant pour certaines personnes, j’aimerais juste qu’il ait confiance en lui-même et en son public autant qu’il aurait dû.

Ben Hardy incarne Luke, un père célibataire et mécanicien qui se retrouve littéralement un soir dans un club secret sous un restaurant, où il rencontre Aysha (Jason Patel). Il est immédiatement attiré par elle et ne remarque sa pomme d’Adam qu’après leur baiser. Luke, dur et macho, dont le père fait des blagues homophobes au fils de Luke pendant qu’ils regardent le football, ne peut pas gérer les émotions et s’éloigne d’Aysha. Mais elle sent qu’il y a quelque chose ici, et les deux entament une relation avec Luke qui la conduit à des spectacles à Londres.

Bien sûr, « Licornes » est une histoire d’amour, mais il s’agit de deux personnes qui ne sont pas seulement attirées sexuellement l’une par l’autre, mais qui s’inspirent mutuellement à prendre des risques et à devenir les personnes qu’elles ont toujours voulu être. Il y a une puissance inhérente dans cette histoire, et Hardy et Patel comprennent vraiment ces personnages et la façon dont ils naviguent dans leur monde. C’est dans les yeux émus de Hardy ou dans le sourire captivant de Patel. Ces petits choix valent souvent mieux que le dialogue direct qui leur est proposé. Parfois, les transformations n’ont pas besoin de mots.