Sundance 2026: Josephine, Union County, The Musical | Festivals &

L’un des impacts du COVID sur le Festival du film de Sundance a été la réduction du programme influent de la compétition dramatique américaine, passant de parfois jusqu’à 16 avant la pandémie à 10-12 depuis. (C'est 10 cette année.) Ces programmes plus serrés ont non seulement donné à Sundance sa première victoire du meilleur film dans « CODA », mais il y a eu récemment des vedettes comme « Passing », « All Dirt Roads Taste of Salt », « Good One », « A Real Pain » et « Sorry, Baby ». (Même s'il convient de noter qu'aucun d'entre eux n'a gagné – le goût du Grand Jury et le consensus lorsque ces films descendent des montagnes ne s'alignent souvent pas.) On se demande quels films de ce programme relativement petit auront ce genre d'impact. Pour ma moitié du programme (Robert Daniels s'occupe des cinq autres), il n'y en a qu'un, et c'est le meilleur film de Sundance jusqu'à présent.

Beth de Araújo « Joséphine » est un drame dévastateur sur une fille qui traverse le traumatisme et la peur à un âge beaucoup trop jeune. C'est impressionnant tant dans la forme que dans le contenu car De Araújo non seulement guide ses remarquables acteurs vers des performances émouvantes, mais les enveloppe dans une réalisation cinématographique qui les soutient et les élève. C'est un film qui comprend non seulement que les parents sont imparfaits, mais que tout le monde, même les enfants, apprendra un jour qu'il n'y a rien de mal à vivre une vie avec un peu de peur. Nous ne pouvons pas mettre nos enfants ni nous-mêmes dans des bulles et nous n'avons pas la bonne réponse à chaque question. Il s’agit d’un film si puissant qu’il se situe aux côtés de tous les excellents films de l’introduction de cette dépêche et en surpasse même quelques-uns.

Damien (Channing Tatum, qui fait son meilleur travail depuis « Foxcatcher ») va un matin faire du jogging au Golden Gate Park avec sa fille de huit ans Josephine (le nouveau venu phénoménal Mason Reeves). Elle court devant et il ne se rend pas compte qu'elle a pris une autre bifurcation sur le chemin, la laissant seule pendant quelques minutes. Elle aperçoit une femme (Syra McCarthy) entrant dans des toilettes publiques, seulement pour la voir suivie par un homme (Philip Ettinger), qui la tire ensuite de l'établissement, la bat et la viole, tandis que Joséphine la regarde derrière un arbre. Avertissement à toute personne confrontée à un tel déclencheur : il s’agit de choses graphiques et horribles, rendues encore plus troublantes par le fait que nous savons qu’un enfant regarde.

Naturellement, l’une des premières réactions de Joséphine est la confusion. Elle sait que quelque chose ne va vraiment pas, mais elle ne sait même pas ce qu'est le sexe à cet âge, et encore moins le viol. Reeves est incroyablement bon dans ces scènes où on a l'impression que le monde de Joséphine s'est littéralement ouvert, et De Araújo soutient son voyage intérieur avec un choix inoubliable : placer le violeur, dont on apprend qu'il s'appelle Greg, dans le même espace physique que Joséphine, comme s'il la hantait littéralement, un véritable monstre sous son lit ou dans son placard. Alors que la caméra confiante de Greta Zozula traverse la pièce, Greg est peut-être simplement assis dans un coin ou derrière un rideau. Il est toujours là, toujours menaçant.

La menace devient plus réelle alors que Damien et la mère de Jo, Claire (Gemma Chan), débattent de ce qu'il faut faire pour aider Joséphine, d'autant plus qu'elle commence à se déchaîner à l'école et est de plus en plus terrifiée à l'idée que Greg la retrouve. Après que la victime ait décidé de ne pas témoigner, les autorités ont besoin que Joséphine le fasse pour mettre ce monstre à l'écart. Mais est-ce que c'est bon pour elle ? Où se rejoignent la justice et la protection de cet enfant ?

Il y a aussi des questions complexes sur la manière d’aider Joséphine à guérir. Damien et Claire écartent trop vite la thérapie, mais papa insiste sur une approche d'auto-défense, en inscrivant Jo aux arts martiaux. Claire veut parler à Joséphine du fait que la vie n'est ni juste ni sûre ; Damien veut s'assurer qu'elle puisse se protéger. Les deux ont raison ; les deux ont tort. Tous deux ont le cœur à la bonne place, mais De Araújo nous permet de réaliser qu'ils sont aussi imparfaits. Bien qu'il soit intéressant de noter que De Araújo reste presque entièrement enfermée dans le POV de Jo, tirant parfois littéralement dessus, ce qui signifie que ce n'est jamais son histoire.

De Araújo utilise suffisamment de choix formels conscients de lui-même pour pouvoir éloigner certains téléspectateurs, mais cela rappelle à ce critique à quel point la forme peut soutenir le contenu. Au lieu de mettre des monologues émotionnels ou des conversations tendues dans son scénario, elle augmente le volume sur une partition intense de Miles Ross (sans doute un cran ou deux de trop, mais le mix pourrait être recomposé avant la sortie) ou trouve un moyen d'amplifier le voyage émotionnel à travers ses choix visuels. Il y a certaines images dans « Joséphine » qui sont difficiles à regarder, mais il contient aussi une réalisation cinématographique ambitieuse, gracieuse et humaniste, une véritable fusion de la narration et du médium visuel du film. Après tout, parfois les mots ne suffisent pas.

Il y a aussi un manque de dialogue dans l'offre d'Adam Meeks «Comté d'Union», bien que parfois c'est plus une faute. Quels que soient les problèmes que je puisse avoir avec ce drame sincère sur la toxicomanie et le rétablissement dans l'Ohio, on ne peut nier ses bonnes intentions. Meeks a tourné le film avec l'aide du projet Adult Recovery et ouvre son drame avec de vrais participants audit programme faisant leurs témoignages mandatés par le tribunal sur leur travail et leur rétablissement. Parfois, « Union County » a une ambiance un peu « Nomadland », incorporant des personnages fictifs dans un monde très réel. Il ne s’agit pas ici de critiquer le travail des interprètes, mais de dire que les personnes qui ont vécu ces luttes sont plus fascinantes, même en rafales de 30 secondes. Je voulais en savoir plus sur presque chacun d'entre eux, mais, bien sûr, il ne faut pas critiquer un film parce qu'il n'est pas un documentaire sur le même sujet, même si Meeks ouvre cette porte.

Au lieu de faire un documentaire, Meeks raconte l'histoire de Cody Parsons (un puissant Will Poulter), qui est sur le chemin du rétablissement. Il n'y a pas de place dans aucune des maisons des hommes, donc il vit dans sa voiture, mais il trouve un emploi dans une usine avec son frère Jack (Noah Centineo), également toxicomane. Comme c’est le cas de beaucoup de personnes en convalescence, leur vie est simple par conception : travail, maison, tribunal. Ne plaisante pas. Ne faites pas d'erreurs.

Bien sûr, des erreurs sont commises, mais jamais d’une manière qui semble exploitante ou sensationnelle. Au contraire, « Union County » peut presque sembler trop discret, comme si Meeks faisait si attention à ne pas faire quelque chose qui pourrait être perçu par les gens qu'il a clairement appris à aimer et à admirer dans Union County comme un exploit. C'est admirable, mais cela donne un drame qui peut parfois sembler un peu sans impulsion, si délicat qu'il se désagrège entre vos mains.

Cela dit, la compassion est contagieuse. Il est utile que Poulter et Meeks soient clairement sur la même longueur d'onde, le jeune acteur réalisant facilement le meilleur travail dramatique de sa carrière. L'approche discrète signifie que Poulter n'a pas droit à de grands monologues, obligé de transmettre une grande partie de sa douleur et de son anxiété à travers le langage corporel. C'est une excellente performance dans un film qui cherche à transformer les milliers de personnes luttant contre la toxicomanie dans ce pays en bien plus que de simples statistiques.

Cody est un gars ordinaire dans une partie ordinaire du monde qui veut juste vivre une vie ordinaire. La dépendance est la cruauté qui rend si difficile d’être ordinaire. Bien que « Union County » n’apporte peut-être pas assez de nouveauté à la conversation pour la rendre vraiment remarquable, il nous rappelle l’humanité qui devrait vraiment être tout ce qui compte.

L'une des plus grandes déceptions de Sundance 2026 a été celle de Giselle Bonilla. «La comédie musicale» une comédie amère qui n'a qu'une idée et qui n'explore même pas aussi bien. Cette idée est que la méchanceté est un facteur de motivation aussi puissant que n'importe quelle émotion, mais elle est ancrée dans l'histoire d'un professeur de collège qui est véritablement un être humain assez horrible, quelqu'un qu'il est impossible de soutenir. Personne ne contestera qu’un film doit avoir un protagoniste sympathique – regardez « Marty Supreme » pour un exemple de la façon de faire un bon film sur un connard – mais il doit y en avoir un. quelque chose auquel s'accrocher, quelque chose de pertinent ou même d'assez drôle pour que les débats restent divertissants. Passer du temps avec Doug Leibowitz (Will Brill) est si toxique que vous commencez à lui faire échouer sa quête pour détruire son ennemi.

La cible de Doug est le directeur Brady (Rob Lowe), une machine à phrases douces qui est obsédée par l'idée de donner à son collège un ruban bleu d'excellence académique. Une telle citation ne nécessite absolument aucune controverse, bien sûr, ce qui conduit au projet du professeur d'art dramatique Doug d'amener ses enfants à jouer dans une comédie musicale véritablement offensante sur le 11 septembre. Pourquoi Doug veut-il détruire les rêves de Brady ? Le beau directeur a volé sa demi-petite amie Abigail (Gillian Jacobs), bien que cette relation ait été si brève que personne d'autre dans l'école n'en était au courant. Oui, « The Musical » parle d'un homme qui cherche à se venger parce qu'une brève relation de travail n'a pas fonctionné. Eh bien, ça et il déteste clairement sa vie dans cette petite ville et souhaiterait écrire des pièces de théâtre à Broadway. Ai-je mentionné qu'il est plutôt odieux ?

Ce ne serait peut-être pas aussi préjudiciable que Doug soit un imbécile aussi inintéressant si Bonilla prenait le temps de développer les personnages autour de lui. Lowe n'a pas grand-chose à faire, Jacobs a un rôle déprimant et même les enfants sont à peine développés au-delà d'un seul trait de personnalité. Au lieu de cela, nous passons tout notre temps avec ce Travis Bickle de la scène des collèges.

Peut-être le pire de tout, presque aucun des morceaux de « The Musical » n’est vraiment drôle. La pièce que Doug écrit est si horrible qu'elle en est déconcertante, et Bonilla télégraphie la grande révélation – qu'il s'agit du 11 septembre – dans le générique d'ouverture. Cela fait penser à la meilleure version de ce film dans laquelle le jeu offensif est réellement bon ou contient même une seule chanson mémorable. Cela ne fait qu'ajouter à l'insulte que Doug est non seulement un professeur vraiment horrible, mais aussi un pire dramaturge.