Sundance 2024: Tendaberry, Kneecap, Seeking Mavis Beacon

Avec des succès récents comme « Nous allons tous à l’Exposition universelle » et « Kokomo City », le programme NEXT du Sundance Film Festival continue de présenter de nouvelles voix audacieuses, libérées des conventions narratives. Cette année, trois films repoussant les limites mettent en vedette des protagonistes qui, d’une manière ou d’une autre, se sentent abandonnés, soit par un amant, soit par un père, soit par le modèle de couverture d’un logiciel de saisie. Quelle que soit leur origine, les blessures exposées sont vastes et trompeusement difficiles à cerner.

Si les rêves émotionnels de « Fast Car » de Tracy Chapman étaient un film, ce serait le film audacieux et risqué de Haley Elizabeth Anderson.Baie de Tenda.» Le premier long métrage d’Anderson est le genre de film cinétique qui n’a pas peur de repousser les limites que Sundance se targuait autrefois de détruire. Cela commence par un montage poétique, un motif de narration qu’Anderson applique à plusieurs reprises, chaque fois avec un plus grand succès, composé du journal vidéo du vidéaste Nelson Sullivan et d’autres images 16 mm de Coney Island. Dakota (un Kota Johan révélateur), récemment transplanté à New York, s’exprime sur les images éclectiques, s’interrogeant à haute voix sur la façon dont la jetée historique a marqué le passage du temps.

Un film divisé en quatre chapitres, divisés par le changement des saisons, « Fall », un descripteur approprié, est la période où le bonheur de Dakota plonge : elle passe des journées au vent à Coney Island et des nuits douillettes dans son humble appartement avec son petit ami Yuri ( un Yuri Pleskun ouvert) jusqu’à ce qu’il soit contraint de rentrer chez lui en Ukraine pour s’occuper de son père malade. Son départ laisse Dakota seule, avec peu d’amis et encore moins d’argent alors qu’elle parvient à joindre les deux bouts en travaillant dans un dépanneur. Bientôt, Dakota met de côté son rêve de devenir auteur-compositeur-interprète ; cesse de jouer dans la rue dans le métro ; perd son emploi et tombe enceinte. Et alors que les longues journées se transforment en nuits désolées, elle se souvient à quel point une ville comme New York peut être solitaire quand on est loin de sa famille.

Parfois, Anderson utilise un steadicam trépidant, une stratégie pour laquelle elle a travaillé pour mieux réussir dans son court «Pillars». Le mouvement flou de la caméra est particulièrement abrasif au tiers du film, alors qu’Anderson travaille un peu trop dur pour faire correspondre visuellement son objectif aux difficultés de Dakota. Néanmoins, au mieux, l’esthétique d’Anderson rappelle Les Blank et Khalik Allah, assemblant la vie urbaine quotidienne dans une cartographie vitale de traces retracées, résolvant nos problèmes personnels actuels avec les habitants du passé. Les quarante dernières minutes du film, qui se déroulent en été, sont en effet emblématiques de la chaleur retrouvée dans sa communauté. Ici, Anderson prend un dernier coup puissant, offrant un montage resplendissant qui jaillit de notes d’agrément vibrantes. Hommage à une ville, « Tendaberry » est le cadeau d’un film, où la voix est si nouvelle, si rare et si pleine d’une énergie incommensurable que le cadre parvient à peine à la contenir.

Se déroulant à Belfast après les troubles, «Rotule», L’histoire d’origine du hip-hop irlandais du scénariste/réalisateur Rich Peppiatt est grande, en plein essor et intrépide : basée sur le vrai trio de rap Kneecap, qui jouent eux-mêmes, elle concerne Liam Óg et Naoise Ó Cairealláin, deux trafiquants de drogue de la classe ouvrière avec un talent lyrique qui se lie d’amitié avec JJ (JJ Ó Dochartaigh), un professeur de musique local qui fait également office de DJ. Lorsque JJ lit le carnet de paroles du couple, en fait, il voit dans leur message subversif une opportunité de libérer la langue irlandaise, que seulement 80 000 personnes parlent actuellement et qui fait face à un référendum pour être publiquement reconnue.

Les rêves de célébrité musicale du trio vont cependant à l’encontre de la politique de respectabilité prêchée par l’épouse militante de JJ, ainsi que par les flics oppressifs et un groupe paramilitaire se méfiant de l’image pro-drogue du trio. Cet outsiderisme politique, culturel et linguistique rappelle souvent « The Harder They Come » de Perry Henzell, qui regardait la Jamaïque postcoloniale alors qu’elle s’efforçait de façon rebelle de trouver son identité musicale sur la scène mondiale. Le film de Peppiatt regorge d’une détermination similaire, optant délibérément pour un montage bruyant et une palette audacieuse qui attire l’attention sur la verve turbulente des performances live qui sont si tangibles que vous obtenez un contact juste en regardant.

« Kneecap » est avant tout un film sur les problèmes de communication : Naoise et sa mère ont été abandonnés par son père paramilitaire (Michael Fassbender), qui a simulé sa mort et fuit les autorités. Depuis son départ, la maman de Naoise (Simon Kirby) est une coquille d’elle-même, fermée à son fils et au monde extérieur. Bien que le rôle de Fassbender soit légèrement souscrit (son personnage zen a l’impression d’avoir quitté le tournage de « The Killer »), il parvient toujours à travailler sans effort dans le gouffre qui sépare un père taciturne de son fils vulnérable.

Ces acteurs débutants ne nécessitent pas de courbe de notation ; ce sont des interprètes légitimement internes et profondément ressentis. À tel point que j’ai passé la première moitié à me faire croire que Dochartaigh était un acteur grisonnant sous le radar, et que Liam Óg et Naoise avaient été arrachés à des découvertes obscures. Par sa conclusion ravissante, « Kneecap » rappelle comment la musique peut faire en sorte que les individus soient perçus par les autorités dogmatiques, les communautés communes et, surtout, les uns les autres.

« À la recherche de Mavis Beacon», le premier long métrage de Jazmin Jones, est un documentaire fantaisiste guidé par des détectives natifs du numérique qui donne de l’espace à un large éventail d’intérêts et d’identités. Son titre fait référence au logiciel Mavis Beacon Teaches Typing dont Jones et bien d’autres se souviennent avec tendresse pour les avoir aidés à perfectionner leurs compétences informatiques. Mais pour une raison quelconque, Mavis, le mannequin et avatar de la femme noire, a soudainement disparu. Jones et Olivia Ross, un produit de Black Girls Code, font équipe pour rechercher la femme familière à beaucoup mais connue de peu avec vigueur.

Jones réussit bien à s’inspirer de « The Watermelon Woman » de Cheryl Dunye, un travail similaire sur la poursuite d’une histoire effacée mélangée à la mythologie. La propre exploration de Jones s’étend lorsqu’elle atteint ces rythmes alors qu’elle et Ross, deux détectives noirs e-girls, utilisent des bibliothèques, des cartes Google, des interviews et même des cercles d’invocation pour non seulement trouver Renée L’Espérance, l’actrice d’origine haïtienne qui a joué Mavis, mais aussi pour savoir si elle veut même être découverte. En attendant, Jones met en lumière les communautés queer et non binaires, envisage l’IA et considère la sécurité que les Noirs ont ressentie en apprenant auprès d’un avatar de femme noire et les stéréotypes qu’une telle transaction confirme lorsqu’on enseigne aux Blancs. Mais surtout, c’est tout simplement merveilleux de voir Jones et Ross, deux femmes noires éminemment intelligentes, se déchaîner dans un bureau maximaliste dont les affiches rendent hommage à d’autres femmes noires comme Bell Hooks et Zora Neale Hurston.

Malheureusement, au cours des trente dernières minutes, Jones perd légèrement le fil. Bien qu’elle et Ross essaient d’être conscients des droits de leur sujet, à la fin, Jones est tellement désespérée de rencontrer L’Espérance qu’elle ne se contente pas de pousser le fils de l’actrice, elle se pousse aussi jusqu’aux larmes. Bien qu’il y ait une conversation intrigante à avoir sur la façon dont nous nous investissons dans les symboles, les idoles et la mythologie, au point d’oublier de voir ces héros comme des personnes, Jones a du mal à façonner cette angoisse personnelle en un arc cohérent. Au lieu de cela, le film se glisse dans le territoire du nombrilisme.

Pourtant, la première heure environ du récit de Jones est si libératrice, stimulante, audacieuse et vulnérable, qu’on ne peut s’empêcher de chérir son ambition initiale en tant qu’acte nécessaire de préservation historique.