Sundance 2021: Luzzu, Hive, Fire in the Mountains, One for the Road

La clôture de notre couverture du programme de la Compétition dramatique mondiale nous amène à quatre films, deux de petits pays européens avec des cinémas nationaux en plein essor et deux d’Asie de l’Est. Trois d’entre eux traitent des traditions, de la lutte pour les maintenir ou les changer, et tous sont affectés par la masculinité – sa fragilité et son évolution.

Bien que vous ayez vu les magnifiques vues côtières de Malte sur grand écran exploitées par Hollywood comme des lieux éblouissants, vous n’avez probablement jamais regardé de film sur les gens qui y vivent. Fabriqué avec une grâce humaniste, «Luzzu» le premier long métrage du scénariste-réalisateur américano-maltais Alex Camilleri, contribue à combler ce vide. La seule autre production de la nation insulaire que ce critique avait vue auparavant est «Simshar» de Rebecca Cremona, lorsqu’elle a été inscrite dans la course aux Oscars en 2014.

Issu d’une lignée de pêcheurs, Jesmark (premier acteur Jesmark Scicluna) sort tous les jours en mer sur son luzzu, les bateaux traditionnels et colorés qui donnent son nom à cette histoire. Son navire fait partie de sa famille depuis des générations, avec d’innombrables réparations au fil des ans, et présente des détails qui le distinguent: une paire d’yeux sculptés désireux et l’empreinte de bébé de Jesmark. Mais les eaux ne sont plus les mêmes, pas plus que les lois, ce qui signifie qu’il y a moins de poissons à pêcher et plus de règlements à suivre. Lié à l’eau comme le sel lui-même, il ne peut pas imaginer l’idée de faire autre chose, mais c’est un père et sa partenaire Denise (Michela Farrugia) exige qu’il envisage de passer à autre chose. Avec la pression croissante, la vente de prises illicites pour un pivot est la seule chose qui le maintient financièrement à flot.

Sous-entendu d’une manière qui rendrait fiers les dieux du néoréalisme, le film est ancré dans la rage séduisante et sous-jacente de la performance vécue de Scicluna. Le visage vieilli de Jesmark, son regard perçant et quelques mots dénotent la fierté qu’il ressent pour son métier mourant enveloppé dans la frustration de ne plus pouvoir gagner sa vie. Face aux voies ravageuses du mot moderne, il doit choisir. Est-il toujours pêcheur sans son luzzu? Est-ce qu’il ternit l’héritage de son père et du père de son père s’il y renonce? L’écriture de Camilleri imprègne chaque scène d’une grande intentionnalité qui semble organique à ce que le protagoniste subit en interne, tandis que le directeur de la photographie Léo Lefèvre complète un travail de caméra modeste et spontané. Cela ne fait pas de mal que l’endroit regorge intrinsèquement de beauté du vieux monde. Ravissant portrait de la tradition en transition, «Luzzu» met Malte au premier plan.

Conduire pour sa vie, la femme au centre de l’histoire propice de Blerta Basholli sur la résilience féminine « Ruche » est également aux prises avec le fonctionnement des douanes enracinées dans le 21^st siècle. Situé au Kosovo au début des années 2000, le film est basé sur une histoire vraie. Au milieu de la lutte pour l’autonomie des personnages, le réalisateur s’attaque également aux blessures ouvertes d’un épisode meurtrier de l’histoire du jeune pays des Balkans.

L’adversité économique a poussé Fahrije (Yllka Gashi) à chercher des moyens de compléter le peu de revenus qu’elle tire de la vente de miel. Elle est mère de deux enfants dont le mari – comme ceux de nombreuses autres femmes de cette petite ville – a disparu il y a plusieurs années aux mains de Serbes. Son beau-père, Haxhi (Cun Lajci), est de facto chef de famille, mais sa mobilité limitée l’empêche d’être un fournisseur. C’est un problème pour la famille, car dans cette société extrêmement patriarcale, la simple suggestion d’une femme travaillant à l’extérieur de la maison ou apprenant à conduire une voiture est tabou et assimilée à l’immoralité. Ainsi, lorsque Fahrije décide de prendre le volant et de démarrer une entreprise vendant de l’ajvar, une pâte à tartiner au piment rouge, dans un supermarché, les hommes de la ville se retournent contre elle et quiconque l’aide.

En dépit de son histoire prévisible, commune dans les récits inspirants de personnes se rassemblant et surmontant des obstacles pour un bénéfice mutuel, «Hive» est une autre œuvre qui prospère grâce à son avance. Les traits forts et le comportement résolu de Gashi convainc à chaque tournant qu’elle ne laissera pas les autres l’intimider. À chaque étape, il y a un but, non seulement pour soutenir ses enfants, mais aussi pour encourager les autres à remettre en question le statu quo. En créant sa propre ruche de femmes pour faire la pâte fumée, Fahrije fait une déclaration. Le premier long métrage de Basholli rappelle le documentaire «Honeyland» ou même le drame irlandais plus récent «Herself», mais son contexte culturel spécifique le rend surtout passionnant. Vous avez vu cela, mais sûrement pas du point de vue du Kosovo.

Garder dans le thème, le drame provocateur indien «Feu dans les montagnes» aussi une femme sûre d’elle-même qui se dresse contre l’inflexibilité de la superstition enracinée. Le réalisateur Ajitpal Singh, qui réalise son premier long métrage au milieu de la quarantaine, place son récit dans un village de montagne isolé près de l’Himalaya, où le tourisme est l’épine dorsale des moyens de subsistance des gens.

À travers la perspective de la débrouillardise Chandra (Vinamrata Rai), nous entrons dans une réalité prise entre l’avenir promis et le passé révéré. Avec son mari Dharam (Chandan Bisht), elle dirige un petit hôtel hors des sentiers battus. Quel que soit l’argent venu, Chandra économise pour construire une route qui faciliterait l’accès à leur entreprise. Son assiduité, cependant, éveille un sentiment d’émasculation chez Dharam. La mort récente du mari de sa sœur, le fait qu’il ne puisse rien cultiver sur leurs terres et que leur fils Prakash (Mayank Singh Jaira) n’a pas pu marcher depuis plusieurs mois, le poussent à croire qu’ils sont maudits. Il pense que le seul moyen de sortir de leur malheur est de payer pour un rituel, une solution qui va à l’encontre des plans de Chandra pour leur argent.

Des panoramas à couper le souffle sur les collines verdoyantes, les cascades et les sommets enneigés – avec l’aimable autorisation de DP Dominique Colin – contrastent avec le conflit aux enjeux élevés que l’ensemble moulé soigneusement tisse. Étant donné que chaque personnage cache un secret, leurs interactions sont liées à une agressivité passive susceptible de se transformer en violence à part entière. Mis à part ce que nous voyons au premier plan, le réalisateur utilise astucieusement les émissions de radio que nous entendons au passage pour dénoncer le décalage entre les affirmations trompeuses que les politiciens prêchent sur l’Indien et la réalité pour des gens comme Chandra et sa famille. Alors que ceux au pouvoir célèbrent des événements historiques pour un pays sur le point de devenir une superpuissance, les citoyens n’ont pas accès aux services de base. Avec un dernier acte torride, Singh questionne l’ignorance qui conduit certains à négliger le bon sens et à céder à la peur irrationnelle qui conduit à des pratiques dangereuses. En fin de compte, il s’abstient de tirer des conclusions, mais ce qu’il présente est un acte d’accusation fort.

Enfin, il y a la comédie dramatique de copains large et principalement formulée, «Un pour la route.» Le dernier effort du réalisateur thaïlandais Baz Poonpiriya, dont le film de 2017 «Bad Genius» a gagné une reconnaissance internationale, livre un récit écoeurant qui pourrait être décrit comme l’enfant moins sophistiqué de «Y Tu Mamá También» et «50/50». L’auteur acclamé Wong Kar-Wai est l’un des producteurs.

Le patron (Thanapob Leeratanakajorn), obsédé par les cocktails, dirige son propre bar à New York, une opération qu’il utilise en grande partie pour rencontrer des femmes. Ce fantasme de célibataire est interrompu lorsque son meilleur ami Aood (Ice Natara) révèle qu’il a la leucémie. Boss retourne dans sa Thaïlande natale pour l’aider avec un dernier souhait: rendre visite à toutes ses copines pour lui dire au revoir sans révéler qu’il est en train de mourir d’un cancer. Le couple se lance dans un voyage sur la route qui est fortement entrecoupé de flashbacks de leurs jours de gloire. En tant que l’une des intrigues secondaires les plus importantes du film, Aood fait également face à la perte de son père, un célèbre DJ radio. Comme prévu, à chaque arrêt, il y a une leçon à tirer ou une torsion qui renforce ou remet en question le lien fraternel entre les codirecteurs. À la fin du voyage, un montage détaillant la relation amoureuse la plus significative de Boss se démarque comme le segment qui reflète le plus le travail de Wong Kar-Wai dans son utilisation d’un éclairage au néon maussade pour des interactions romantiques.

Poonpiriya fait des films qui affichent une grande valeur de production et celui-ci ne fait pas exception. Peut-être y a-t-il aussi un budget musical important si le réalisateur envisage de conserver les nombreuses chansons pop célèbres qui marquent de manière explosive l’action (par exemple «Tiny Dancer» d’Elton John). L’esthétique artificielle, les choix d’édition pour un effet émotionnel saccharin et le ton comique indiquent un titre similaire à ce qu’un grand studio américain publierait pour un large public. En tant que tel, la subtilité n’est pas la priorité ici. Cela ne veut pas dire que certains moments ne sont pas humoristiques ou même émouvants, mais pour un complot sur des hommes qui approfondissent leur amitié face à des difficultés, c’est inoffensif mais inintéressant.