CIFF 2025: « Wind, Talk to Me, » « Brand New Landscape, » « The Girl in the

« Atmosphérique » et « mesuré » sont les deux mots qui décrivent les trois films composant cette dernière dépêche du Festival international du film de Chicago. Les trois œuvres, issues de la Compétition des Nouveaux Réalisateurs du festival, sont des films qui abordent sans hâte la perte et l'isolement. Ces œuvres sensorielles sont également ambitieuses et assurées, faisant confiance au public pour accompagner leurs histoires sur des chemins narratifs dont les fins émotionnelles ne sont pas facilement données ; ils sont gagnés.

Un film doucement émouvant sur le deuil, du scénariste/réalisateur Stefan Djordjevic «Vent, parle-moi » est une œuvre hybride sans prétention qui mélange sans effort le documentaire et la fiction. Elle suit un Djordjevic triste, qui, alors qu'il conduisait pour rendre visite à sa grand-mère pour son 80e anniversaire, heurte accidentellement un chien avec sa voiture. Finalement, Djordjevic adoptera ce chien et l'appellera Lija. Cet élément fictif de ce docudrame, cependant, n'est qu'un fragment de l'ensemble du film. Djordjevic arrive à son chez ses grands-parents, le cœur lourd : sa mère Negrica est décédée récemment et il espère terminer le véritable film qu'il était en train de faire sur elle.

Sans prévenir, le film de Djordjevic navigue dans le passé, devenant plusieurs films dans un film. Le premier concerne les images documentaires que Djordjevic est en train de tourner, montrant sa famille grimpant aux arbres, se prélassant dans leurs espaces ruraux et achevant une maison au bord d'un lac. Le deuxième film est composé d'images déjà tournées de la mère de Djordjevic, telles que le traitement holistique qu'elle a suivi et ses nombreuses réflexions sur la façon dont les humains peuvent contrôler le vent. La majorité de « Wind, Talk To Me » est donc Djordjevic utilisant ces deux éléments, y compris sa relation thérapeutique avec Lija, pour gérer sa perte.

Dans ses méditations, la nature devient son propre personnage. Un gros plan montre la main de Djordjevic frottant l'écorce d'un arbre, créant un son semblable à celui d'un papier de soie carbonisé qui s'effrite. À d’autres moments, le vent et les feuilles murmurent avec une intensité émouvante. Le chef opérateur du film, Marko Brdar, est particulièrement sensible à l'environnement sensoriel, nous enveloppant dans sa majesté et sa solennité avec une douce précision. Et même si « Wind, Talk To Me » peut être sciemment distant, juxtaposant le cœur solitaire de Djordjevic à l'intimité de la vie de famille, le docudrame n'est jamais trop mignon ni trop vague. À la fin, nous percevons pleinement la nécessité de vivre et de chérir chaque instant avec un être cher, en saisissant les opportunités de simplement communier avec lui.

Même si je n’appellerais pas forcément «Tout nouveau paysage« , le premier long métrage mélancolique du scénariste/réalisateur Yuiga Danzuka, le cinéma lent. C'est certainement une rumination sans hâte. Cela commence avec une famille de quatre personnes qui sont arrivées dans une maison de vacances pour le week-end lorsque leur père architecte égoïste Hajime (Kenichi Endo) demande à sa femme s'il peut partir immédiatement pour travailler. L'audace dont Tanakao fait preuve alors qu'il rejette lentement les nombreux contre-arguments de sa femme, au point de l'épuiser dans un position fœtale, change définitivement son fils observateur. Dix ans plus tard, son fils Ren (Kodai Kurosaki) livre des fleurs et sa fille Emi (Mai Kiryû) se prépare à se marier.

Le film de Danzuka ne tourne pas facilement au mélodrame. Ren est un spectateur si silencieux que lorsqu'Emi lui parle de son mariage imminent, il peut à peine marmonner « félicitations ». Ce n'est que lorsqu'il découvre une composition florale adressée à son père, qui vient de rentrer au pays après avoir travaillé à l'étranger pendant trois ans, qu'il est secoué émotionnellement. Emi, de son côté, déclare qu'elle ne se soucie plus vraiment de leur père. Mais à mesure qu'elle se rapproche de plus en plus de son rendez-vous avec son fiancé, nous voyons à quel point l'abandon de son père l'a également affectée. Cette dynamique délicate entre ces trois personnages maintient une grande partie de « Brand New Landscape », d’autant plus que le film s’oriente vers un territoire fantasmagorique.

Cependant, « Brand New Landscape » devient plus fragile lorsque Danzuka s'éloigne du drame familial du récit pour critiquer les nouvelles structures sans âme qui parsèment Tokyo. Alors qu’il tente de mettre en parallèle son dégoût esthétique avec la condamnation de Hajime dans le film – le projet le plus célèbre du personnage est un mégacentre commercial insipide qui obligeait le gouvernement à évacuer les sans-abri des terres à construire – son interrogation reste trop en marge du film pour réussir pleinement. Heureusement, cet échec peut facilement être attribué aux problèmes des cinéastes débutants. Les composantes basées sur les personnages de « Brand New Landscape » sont si fortes qu'il est facile d'ignorer les défauts de ses fondations.

L'hypnotique et somptueux de Louise Hémon «La fille dans la neige » utilise l'arrivée de l'enseignante de français Aimée Lazare (Galatéa Bellugi) en 1899 pour critiquer les coutumes, l'homophobie et la répression sexuelle féminine dans un petit village enneigé des Hautes-Alpes. Originaire des plaines, Aimée est arrivée dans ce décor montagneux sans aucune connaissance des croyances locales. Lorsqu'elle tente d'enseigner aux enfants à quoi ressemble une vache, ils la corrigent en lui disant qu'une vache fait un cri « broo broo » plutôt qu'un son « meuglement ». Lorsqu'elle tente de donner un bain à deux de ses élèves, les femmes âgées la grondent : dans leur esprit, les enfants ont besoin d'une croûte sur la tête pour protéger leur cerveau. Pire encore pour cette protagoniste très excitée, elle devient attirée par les hommes locaux – Pépin (Samuel Kircher) et Enoch (Matthieu Lucci) – tout en ignorant l'engouement affiché par le tranquille garçon d'écurie Daniel (Oscar Pons).

Avec une partition folklorique piquante, « La Fille dans la neige » devient un conte surnaturel qui propose la sensualité d'une femme comme une sorte d'esprit malveillant. L’homosexualité est également présentée comme un désir qui doit être caché, souvent dans des grottes, sous peine de bouleverser l’équilibre « naturel » du village. Bien sûr, plus ces appétits sont cachés, plus ils inspirent d'angoisse et de troubles au sein de ce petit hameau qui croit que la montagne donne des cadeaux et enlève les gens. Malgré cette tension, ce serait une erreur de penser que le film d'Hémon considère ces gens modestes comme mesquins. Lorsqu'Aimée écrit une de leurs histoires orales, en français surtout – les habitants parlent occitan –, les aînés sont furieux. Non seulement Aimée ne voit pas comment elle efface leur langue, enfermant ainsi cette tradition amorphe dans une sorte d'état colonisé. Elle déplore également que tout ce qu'elle veut, c'est leur apporter l'illumination.

C’est dans cette optique que Hémon affiche un œil visuel envoûtant. Le paysage enneigé et vallonné permet à la réalisatrice et à sa directrice de la photographie Marine Atlan de s'appuyer sur un espace négatif pour visualiser à quel point Aimée est séparée de l'esprit de la terre sur laquelle elle réside et des idées des gens qui l'habitent. Si les ombres en clair-obscur du réalisateur et du directeur de la photographie rappellent souvent les maîtres hollandais, leur mise en scène hallucinatoire, qui associe un éclairage aérien à une sorte de claustrophobie rurale, approfondit le résidu obsédant que laisse le film. L’effet est un premier film surprenant dont le sens du lieu et l’ambiance deviennent aussi intemporels qu’un conte populaire.