Cannes 2025: The Secret Agent, The Love That Remains, Magellan |
N'ayant aucune relation avec le roman de Joseph Conrad, l'entrée de la compétition « L'agent secret », » Du réalisateur brésilien Kleber Mendonça Filho («Bacurau»), est un élément délicat à discuter. Non seulement il a le genre d'intrigue alambiquée – remplie de doubles identités, d'assassins et d'éventuels harengs rouges – que vous attendez d'un film avec ce titre, mais c'est aussi un film qui revient à révéler de quoi il s'agit vraiment. C'est un film de deuxième vue par excellence dans un festival qui ne permet généralement qu'une première.
Alors, faisons à légèrement marcher. «L'agent secret» se déroule principalement en 1977, «Une période de grande méfait» au Brésil, selon le texte d'ouverture. C'est aussi une période de dictature militaire, et les liens possibles entre le régime et la corruption des entreprises, en particulier dans le domaine de l'énergie, ne sont que l'un des sujets du film. La scène d'ouverture se déroule dans une station-service. Notre protagoniste (Wagner Moura) s'arrête et remarque qu'il y a un cadavre qui se trouve à proximité. Apparemment, l'homme mort s'est fait tirer dessus en essayant de voler de l'huile. Mais la police est occupée par la saison du carnaval et n'a pas encore pu retirer le cadavre; Cela fait déjà quelques jours. Certains officiers de patrouille routière arrivent et tracent le personnage de Moura jusqu'à ce qu'il soudoie l'un d'eux avec un paquet de cigarettes. Ils partent sans éliminer le corps.
Le personnage de Moura, parfois appelé Marcelo, passera le reste du film à Recife, la ville natale de Mendonça Filho. La femme de Marcelo est morte, mais il a un fils là-bas ainsi qu'un beau-père qui travaille comme projectionniste dans un cinéma local. (Le cinéma São Luiz, si je l'ai attrapé correctement – également présenté dans la fonction précédente de Mendonça Filho, le joli documentaire d'essai « Pictures of Ghosts », un mémorial des cinémas de Recife d'antan.)
Des choses étranges se produisent dans la ville. Une jambe humaine coupée se trouve à l'intérieur de la carcasse d'un requin et déroutant. (« Jaws » joue maintenant dans des théâtres brésiliens, mais le fils de Marcelo n'est pas encore assez vieux pour le voir.) Deux frappeurs de l'extérieur reçoivent une mission pour tuer quelqu'un qui correspond à la description de Marcelo. Udo Kier se présente en tant que réfugié de la Seconde Guerre mondiale. Et à un moment crucial, bien que dans le temps de fonctionnement, le réalisateur commence à jouer avec la chronologie – l'apparition des écouteurs est un indice – révocant que «l'agent secret» a fonctionné à un niveau différent de ce à quoi nous avons été amenés.
Le complot intègre également une romance occasionnelle et des éclats de violence soudaine et explosive. (Mendonça Filho rend hommage à Brian de Palma avec une dioptrie divisée, un écran fendu, et peut-être même le personnage nommé Bobbi, à la «habillé à tuer».) Et pour tout cela, le réalisateur emmène finalement «l'agent secret» à un lieu contemplatif. Comme «Pictures of Ghosts», le film est une pièce de mémoire, en utilisant un cadre de genre pour réfléchir à l'histoire brésilienne et à la nature de la famille. Encore une fois, Mendonça Filho rend également hommage à sa ville natale et à son paysage changé. Courir plus de deux heures et demie, cette image audacieuse et structurellement complexe a suffisamment de choses pour remplir chaque cinéma fantôme de Recife.
« The Secret Agent » a été tourné dans « Scope, mais le rapport d'aspect qui définit clairement ce festival est le carré 1.33: 1, qui se présente dans un film après l'autre. Il est utilisé dans «Sound of Falling», «Nouvelle vague», «Die My Love», «Le schéma phénicien» et « L'amour qui reste », Un drame du réalisateur islandais Hlynur Pálmason qui se manifeste dans la section de Cannes. Cela dit, pendant les 45 premières minutes environ, Pálmason maintient les gros plans au minimum, presque comme s'il essayait de se frayer un chemin dans le monde de ces personnages.
Échelle complètement différente de l'épopée de la période de Pálmason «Godland», montrée à Cannes en 2022, «L'amour qui reste» concerne une famille de cinq personnes. Les parents, Anna (Saga Garðarsdóttir) et Magnús (Sverrir Guðnason), étaient des amoureux du lycée et ont eu leur premier enfant quand ils étaient encore assez jeunes. Plus de deux décennies plus tard, ils ont décidé de se séparer, bien qu'ils n'aient pas tout à fait élaboré les paramètres sur la façon de le faire.
Ils vivent maintenant dans différentes maisons, mais ils sont souvent avec les enfants (et leur chien de berger qui vole des scène, Panda). Anna est une artiste visuelle qui a du mal à faire décoller sa carrière. (Un galeriste suédois s'arrête pour une visite prolongée dans laquelle il parle sans fin mais ne peut pas être dérangé de considérer sérieusement le travail d'Anna.) Magnús, ou Maggi, est un pêcheur qui est loin des autres pour des morceaux de temps. (Lorsqu'un collègue demande si lui et Anna sont toujours ensemble, il répond qu'il n'est pas sûr. « Si vous ne savez pas, qui le fait? » Le collègue dit.) Ils sont toujours assez proches que Maggi se sent à l'aise de passer tard dans la nuit. Anna doit déterminer ses propres limites pour le lancer.
Pálmason se contente d'observer simplement ce désordre particulier tel qu'il est vécu par les adultes et leurs trois enfants. Le registre du film n'est pas strictement naturaliste: il s'ouvre avec un plan métaphorique plus basse du toit d'une maison vide se sépare, et le cinéaste, sans trop d'inflexion, tisse subtilement dans des moments qui sont imaginés: un accident d'avion, une attaque d'un coq géant, un incident dans lequel un malin que les enfants utilisent comme une cible arrogante prend vie. (Le matériel de tir à l'arc fournit également le gag le plus drôle du film, qui ne devrait pas être gâté mais implique une flèche qui dépasse inconfortablement près de l'objectif.)
«L'amour qui reste» est un film extrêmement doux, et cela signifie des éloges importants. Il ne fabrique pas un incident – les premiers moments du bateau industriel m'ont fait penser que nous étions dans un brillant sur «Breaking the Waves» – et il n'offre pas de résolutions bien rangées. Cela montre simplement que les membres de la famille qui ont une affection compliquée les uns pour les autres qui travaillent au fur et à mesure.
Lav Diaz's « Magellan », « Également à Cannes Premiere, se trouve un autre film avec 1,33: 1. (Gardons ça, les cinéastes; terminent la tyrannie de l'ère grand-écran!) Sauf que cette fois, les gros plans et même les plans moyens sont rares. Malgré la présence étoilée de Gael García Bernal en tant que circonnavigateur portugais Ferdinand Magellan, c'est le type de film dans lequel la tête dit relativement peu. En effet, dans certaines compositions éloignées ou occupées, il faut un moment pour réaliser que García Bernal est même dans le coup.
Quiconque connaît le cinéaste philippin Diaz («Norte, la fin de l'histoire») sait qu'il opère en mode minimaliste, faisant des films extrêmement longs (à 160 minutes, «Magellan» est sur le côté court) que la demande de s'engager dans l'expérience.
«Magellan» n'a pas de score – seulement les sons des éléments – et il ne fournit pas beaucoup de contexte en dehors des cartes de titre qui clarifient les changements brusques en place et en temps. Le film commence en 1511 à Malacca, en Malaisie actuelle, et se termine après la mort de Magellan en 1521 à Cebu, dans ce qui est maintenant les Philippines. Mais l'Atlantique et le Pacifique sont traversés au cours de la décennie intermédiaire.
Le fait que le film soit difficile de s'asseoir est approprié pour le sujet. «Magellan» est moins soucieux de faire réciter de grands projets pour la colonisation (bien que l'on prononce un discours précoce à cet effet) que de transmettre ce que cela fait d'être sur un navire pendant des mois: sa brutalité (Magellan condamne deux hommes qui sont pris des relations sexuelles à l'exécution, une punition qui diaz évoque viséralement viscéralement), son grimage, son arnitude dans une tempête.
Le film consacre peut-être un temps égal – et, de manière significative, le premier et le dernier mot – aux expériences des résidents autochtones que Magellan rencontre et essaie de se convertir au christianisme. Les interactions multilingues ne sont pas quelque chose que Diaz a un intérêt à accélérer. Ce n'est que dans des visions occasionnelles et gazeuses de ce que Magellan a de sa femme que le film s'écarte de sa texture physiquement ancrée. «Magellan» est, en bref, un film d'une énorme intégrité – et aussi, par conception, une visualisation extrêmement difficile.
