Cannes 2025: Splitsville, Love Me Tender, Nino | Festivals & Awards

Écrire sur cet assortiment de films m'a rappelé deux réalités éprouvées du festival du film: Aucune quantité de battage médiatique pré-festival ne peut compenser le film lui-même (exemple: Aussi haut que je suis sur une réponse en mutation) et il y aura toujours des films, je vais ne rien savoir et qui va repousser avec le plus de films. Les deux choses se sont produites avec ce trio, et en ce sens, Cannes m'a gardé sur mes orteils alors que j'ai découvert de nouveaux classiques aussi souvent que je suis désenchanté. «Splitsville», «Love Me Tender» et «Nino» couvrent toute la gamme et réaffirment la montée d'adrénaline qui vient avec la recherche du prochain frisson ou face à la prochaine déception.

Réalisateur Michael Angelo Covino « Splitsville » est le type de comédie indépendante avec un talent de la liste A et une prémisse séduisante (deux couples qui explorent les mariages ouverts) qui semblaient prêts à combler le vide des comédies de studio qui ont entendu l'angoisse de la relation contemporaine avec le badinage introspectif. Malheureusement, cela ne fait que l'élargissement du vide, refusant de laisser des moments de sentiment ou de comédie avant de vous pulvériser avec une autre blague, chacune plus peu que la précédente. Malgré quelques séquences hors concours (il y a un rythme d'action aléatoire qui se produit au début de ce que je préservais pour le meilleur Oscar de cascade nouvellement frappé rapidement si je le pouvais), une tournure comique de Nicholas Braun, et Adam Newport-Berra Film – injectant trop de leurs propres sensibilités pour faire fonctionner ce projet vain à n'importe quel niveau au-delà de leur longueur d'onde.

Comme se faire un chat sur une application de rencontres, «Splitsville» commence par l'intrigue avant de passer à quelque chose de plus enfantin. Le film s'ouvre sur le couple Carey (Marvin) et Ashley (Adria Arjona, aiguisant les côtelettes comiques qu'elle incarnait avec une telle verve sur « Hit Man » en quelque chose de tactile ici) en route vers une maison de lac appartenant à leurs amis Paul (Covino) et Julia (Dakota Johnson). Un accident de voiture interrompt leur voyage, et comme Ashley ne réaniment pas l'une des victimes, elle gagne une certaine clarté sur sa vie que seule la proximité de la mort peut fournir. Elle dit rapidement à Carey qu'elle veut divorcer (ils ne sont mariés que depuis environ treize mois) et Crestfollen, Carey quitte la scène et nage chez Paul et Julia. Sullen, Carey leur explique la situation, dans l'espoir de trouver du réconfort, seulement pour recevoir des conseils provocateurs à la place: Paul et Julie ont un mariage ouvert. Le duo raisonne que la suppression de la stigmatisation, de la culpabilité et de la honte autour des affaires conduit à une union plus forte et plus saine entre eux. Le Carey à la voix douce décide de ramener cette pratique chez lui et Ashley, bien que les choses aggravent quand lui et Julia dorment ensemble, convoquant des sentiments de jalousie dans Paul.

Je suis tout à fait pour les acteurs devenus des directeurs pour utiliser leurs projets comme moyen de sonder leurs propres insécurités et requêtes (voir «La chronologie de l'eau» et «Urchin»), mais le problème avec «Splitsville» est qu'il n'y a pas assez d'artifice entre nous, nous sommes en train de regarder quoi que ce soit, de mariages ouverts. La quantité de dialogue qui tourne autour de la taille du pénis de Michael et / ou de Kyle est un autre incontournable qui crie la vanité. Il est révélateur où se trouvent les priorités quand la bite de Carey – que nous voyons plus d'une fois – est donnée un arc de personnage, ce qui pourrait dire pour Ashley, à Ashley d'Arjona.

« Splitsville » commet également le grave péché de gesturer à quelque chose de drôle et d'amadouer des rires de sa connaissance plutôt que de disséquer pourquoi les machinations elles-mêmes sont humoristiques. Cela apparaît dans une séquence où quelques années dans l'ouverture par Carey et Ashley de leur mariage, leur maison est devenue Airbnb pour les amants d'Ashley, qui l'attendent tous Beck et appelle. Un script plus réfléchi aurait pu utiliser cette configuration pour se moquer de la façon dont la logistique des affaires peut être désordonnée (le calendrier Google doit être un cauchemar) et à quel point la richesse de Carey et Ashely leur permet de vivre un style de vie aussi transgressif, mais le film semble contenu de nommer la configuration comme absurde et évoluant. Le dialogue est un plus grand symptôme de cette folie, car il semble que le script ne puisse pas se faire confiance pour retenir l'attention sur un moment sérieux avant de se soumettre à une blague. Dans un échange houleux entre Paul et Julie où les deux discutent de la façon dont ils s'occupent de leur fils, Russ (Simon Webster), tout en naviguant sur leur mariage ouvert, Paul dit à Julie «J'ai lu sur le divorce centré sur l'enfant», à laquelle elle ironise immédiatement «Vous avez lu?»; La première fois est drôle, mais au moment où dix-sept roule, il devient grinçant.

La cinématographie de Newport-Berra ainsi que l'édition de Sara Shaw sont les grâces de sauvegarde de ce film. Les compétences de Newport-Berra brillent dans les moments plus calmes et conversationnels du film entre les quatre pistes du film, car son cadrage de la coterie ne ressent jamais la même chose. Même lorsque les personnages sont dans le même espace, il dépeint souvent certains d'entre eux comme étant dans et hors du cadre, pour montrer la discordance qui existe parmi les personnes qui peuvent penser qu'ils sont sur la même longueur d'onde. Les talents de montage de Shaw sont pleinement exposés lorsque Paul et Carey viennent souffler après que Paul ait appris que Carey a couché avec sa femme. Les deux déchirent la maison du lac dans leur bagarre, jetant non seulement l'évier de la cuisine, mais la table de la cuisine les uns contre les autres, et Shaw lente leur bataille comme s'il s'agissait d'un film d'action en soi.

Selon sa douce commande, la réalisatrice Anna Cazenave Cambet «Aime-moi tendre» Invite les téléspectateurs à aborder son histoire avec une mesure de grâce et de compassion, ce qui est facilitée grâce au vicky Krieps toujours stellaire dans le rôle principal en tant que femme se battant pour la garde pour son enfant d'un ex vendeur. Cambet a beaucoup d'idées intéressantes et épineuses à explorer autour des attentes oppressives de la société autour de ce que signifie être une «bonne mère» et comment notre système judiciaire est disposé à radier le mauvais comportement chez les hommes comme «complexe» et un mauvais comportement pour les femmes comme dérangées. Les premières fois où elle parle de ces idées est intéressante, mais à plus de deux heures, l'exécution ne justifie pas la façon dont Cambet tourne autour des mêmes thèmes répétés.

Adapté du roman de l'avocat de l'avocat de l'auteur Constance Debré, Krieps joue Clemence, une femme qui a été séparée à l'amiable de son mari de longue date, Laurent (Antoine Reinartz) depuis plusieurs années. À l'heure actuelle, il n'y a pas de tension entre eux, les deux se rencontrant fréquemment pour un café fréquemment alors qu'ils discutent des meilleures façons de s'occuper de leur fils de 8 ans, Paul (Viggo Ferreira-Reddier) malgré les différentes vies qu'ils mènent. Les choses se coient au Bellicose lorsque Clémence partage qu'elle a commencé à sortir avec des femmes. Sa masculinité est meurtrie, Laurent coupe la communication avec elle et se bat pour obtenir la garde complète de Paul. Ce qui suit, ce sont les tentatives de Clémence de conserver le privilège de voir son fils, tout en avançant dans sa propre exploration de sa sexualité.

Clémence lutte pour savoir si la promesse d'une nouvelle vie libérée doit être subordonnée à la destruction de son ancienne, et le film est le plus résonnant lorsque nous la voyons essayer de faire la paix avec les parties de sa société jugable inconciliable. Il est évident qu'elle se soucie de Paul même s'il serait plus facile de traiter leur relation comme une victime de la poursuite de ses nouveaux désirs, et Krieps capture de l'intériorité torturée si délicatement. Il y a un moment exceptionnel où Clémence est enfin en mesure de rencontrer Paul après une longue pause, bien que cela ne puisse être fait qu'en présence de travailleurs sociaux nommés par le tribunal. Alors que les deux s'embrassent, il est difficile de ne pas ressentir l'embarras comme le cadrage initial du directeur de la photographie Kristy Baboul capture la présence du travailleur social dans le coup; C'est un moment intime qui devrait être maintenu privé entre la mère et l'enfant, et pourtant notre vision s'intègre. La caméra de Baboul se rapproche de Clémence et Paul, jusqu'à ce que nous soyons perdus dans leur étreinte, notre regard perdu dans la main de Clémence, qui caresse les touffes des cheveux de Paul. C'est l'un de ces moments douloureusement puissants que le film de Cambet fait la douleur de Clémence et le désir des nôtres.

Pourtant, à travers tout le film, le film de Cambet vacille en évoquant cette même enveloppe intime comme elle est capable de le faire dans ces scènes susmentionnées. Les batailles juridiques comme celle que Clémence perdure sont ardues, suceuses et frustrantes, et bien qu'au niveau, je pouvais voir la révision par Cambet de ces moments comme un moyen de situer les téléspectateurs dans l'espace de tête de Clémence, cela ne le rend pas plus agréable à endurer.

Souvent dévastateur tout en étant festif avec défi, le réalisateur jocques loquès ' « Nino » Cela ressemble à un miracle mineur dans la façon dont il évoque un puits d'émotions tout en ne se sentant jamais une fois maudlin ou pompeux. Cela m'a rappelé le «Calvary» de John Michael McDonagh, dans lequel les deux films racontent les premiers moments de traitement de leur personnage principal après avoir reçu des informations mortelles. Les deux sont des films où leurs protagonistes font leurs derniers rites, mais les films concernent moins le «comment» de l'obtention des affaires en ordre, et plus sur la grâce quotidienne de la mundanité, comment les communautés peuvent nous offrir les mots non seulement pour tenir notre chagrin, mais offrir un langage pour articuler les angoisses que nous ne pouvons pas exprimer. «Nino» ressemble à cette étreinte chaleureuse que vous recevez d'un ami ou du look aimable que vous obtenez d'un étranger qui rend notre Hells de tous les jours supportable pendant un instant.

Théodore Pellerin joue le rôle de Nino, un vingt-quelque chose qui vit à Paris moderne. Il fait un examen sur sa gorge qui lui a causé de la douleur, seulement pour apprendre qu'il a un cancer de la gorge. Il a dit qu'il devra commencer un traitement agressif de chimio et de radiothérapie en trois jours, mais qu'en raison de la nature du traitement s'il veut une chance de engendrer des enfants, il devra geler son sperme au cas où il serait rendu infertile. Cette séquence est l'une des nombreuses façons de capturer la réalité absurde et presque hilarante de la tragédie dans notre monde en ruine. En raison d'une erreur technique, le médecin qui parle à Nino de son diagnostic a déjà supposé qu'il le savait, et saute directement dans les options de traitement lors de son premier contrôle. Bascuant sa confusion, elle lui dit sans cérémonie qu'il a un cancer; Pellerin, si bon dans «Lurker», canalise le même désir et le choc à la voix douce ici car il réalise que son monde entier est instantanément changé. C'est indéniablement cataclysmique, mais aussi si profondément humain.

Le film suit Nino alors qu'il a du mal à réfléchir à la façon dont il peut annoncer la nouvelle de sa famille et de ses amis. Nino doit effectivement servir d'évangéliste pour son diagnostic, et Loquès encadre intelligemment le voyage de Nino comme étant autant sur l'acceptation de soi que la vérité. Il y a un sentiment profond que chaque rencontre Nino a, d'un ancien camarade de classe (Salomé Dewaels) à sa mère (Jeanne Balibar), chaque interaction devient un moyen pour lui de faire face à la piqûre de la mortalité, même s'il préfère l'éviter. Cela lui rappelle non seulement ce qu'il peut perdre, mais qu'il y a des gens qui seront là pour lui au milieu de toute tribulation.

Un moment particulièrement touchant vient lorsque Nino se débat avec l'opportunité de parler de son diagnostic ou non de son diagnostic. Senter quelque chose est de perturber son fils, sa mère suppose avec humour mais à tort que Nino va transformer et commence à secouer qu'elle pensait qu'elle pouvait voir les signes et que quelle que soit sa décision, elle le soutiendra quoi qu'il arrive. Plutôt que de l'interrompre, Nino la laisse partir sur sa diatribe, ses yeux la contenant affectueusement la voir, elle et son engagement vraiment sérieux, à l'aimer. Cela lui offre l'assurance silencieuse de ce qu'il sait déjà: qu'il peut être honnête avec elle et qu'elle sera là pour lui quoi qu'il arrive.

C'est un rappel de la compassion unique qui survient lorsque les autres tiennent nos histoires, comment une simple affirmation de ce que nous savons déjà peut être un moyen de nous aider à traiter le chagrin que nous ne pouvons pas exprimer, et les façons humoristiques des gens qui peuvent nous aider nos voyages même s'ils ne connaissent pas toute l'étendue que nous traversons. Il est facile et juste de pleurer les réalisations stupéfiantes de Nino que son traitement signifie la perte de rêves et de potentiel, mais le toucher empathique de Loquès garantit que nous ressentons aussi les moments de Taciturn Triumph.