TIFF 2025: Blue Heron, Amoeba, Meadowlarks | Festivals & Awards

Sophy Romvari's « Heron bleu » a été l'un des châtiments critiques du circuit des fêtes, en première à Locarno aux raves avant de se rendre à TIFF pour plus de la même chose. Au début, sa première fonctionnalité semble un peu familière, une pièce de mémoire sur un frère troublé dont celui qui se souvenait ne pouvait pas sauver, mais Romvari pivote à mi-chemin dans quelque chose de plus ambitieux et émotionnellement dévastateur. Son film devient un document de frustration autant que le traumatisme, le reflet des limites de la mémoire, du cinéma et de l'art pour faire face à la nature désordonnée des êtres humains. C'est un film majeur, l'un des meilleurs de 2025, et une annonce du talent profond de son écrivain / réalisateur.

Romvari ouvre son film avec une famille de six déménagements dans une nouvelle maison à Vancouver. Au début, il est un peu difficile de choisir par rapport à l'endroit où le drame émergera alors que nous maintenons le POV de l'une des filles, Sasha, entendant des conversations difficiles entre maman et papa, beaucoup d'entre eux sur son frère aîné Jeremy. Il est allongé sur le porche en train de ne rien faire; Il s'éloigne d'une journée de famille la plage, terrifiant tout le monde par sa disparition; Il monte sur le toit de la nouvelle maison. Son comportement erratique devient de plus en plus difficile à prévoir, à comprendre ou à contrôler.

La version de «Blue Heron» qui n'est qu'un article de mémoire sur une femme se souvenant de son frère troublé – et combien cette relation a forgé et défini sa famille – serait assez puissante. Dans cette première moitié, Romvari se révèle un artiste visuel saisissant, travaillant avec le cinéaste spectaculaire Maya Bankovic pour filmer des scènes de domesticité en difficulté à distance d'un enfant ou même d'un observateur à l'extérieur de la famille. La caméra regarde à travers les arbres ou les fenêtres, jamais tout à fait encadrant l'image comme le ferait un mélodrame, mais façonnant la douleur de cette famille à travers l'objectif de la mémoire.

« Blue Heron » saute ensuite vers une Sasha adulte, une cinéaste qui veut faire un film sur son frère. Mélangeant le cinéma documentaire dans le drame, la vision de Romvari gagne un moment émotionnel remarquable. Il s'agit de la fonction de l'art et de la façon dont les artistes brûlent les images qui les ont hantées sur le celluloïd. Les lignes se brouillent entre la non-fiction et la fiction, trouvant plus de vérité dans ce dernier à travers le processus. Romvari les entrave à nouveau dans les scènes finales qui résonnent avec tant de vérité que je les ai ressenties dans mon cœur. Je n'ai pas encore vu le «Hamnet» dévastateur, mais c'est le film le plus émouvant des dizaines que j'ai vu au TIFF. Peut-être même toute l'année.

Une histoire très différente du passage à l'âge adulte se déroule dans l'efficacité de Siyou Tan « Amibe, » Une histoire de rébellion juvénile que le réalisateur aurait pensé qu'elle ne pourra probablement jamais jouer à Singapour. Le tirage de ce film «Girl Gang» est les filles elles-mêmes, un quatuor merveilleusement charmant, bien réalisé par Tan pour se sentir à la fois spécifique et lié à la fois. En particulier, Ranice Tay se sent comme une star potentielle, quelqu'un qui est si charmant instantanément qu'il est facile de s'enraciner pour elle de trouver un moyen de s'exprimer dans une partie du monde où cela n'est pas vraiment autorisé.

Elle incarne Choo Xin Yu, une jeune de 16 ans qui s'inscrit dans une école pour filles à Singapour, un endroit avec des restrictions ridicules sur ce que les élèves et disent ou font. Même la mâtesse de la gomme est contre les règles. Elle trouve trois amis rapides qui partagent son sentiment croissant de rébellion, se tournant en train de jouer sur le campus et à la maison. Elle pense également qu'elle est hantée, permettant plus de hijinks vidéo, et le sentiment que ces jeunes femmes sont affectées par les forces qu'ils ne peuvent pas voir ou contrôler.

Des films «Girl Gang» se déroulent dans des parties du monde où les filles ne sont pas autorisées à être des filles peuvent souvent se sentir comme du mélodrame ou même une exploitation, mais «Amoeba» évite ces pièges en restant fidèle à ses protagonistes. C'est un film subtilement ludique, un film qui concerne l'individu et la communauté, et comment il peut être difficile pour quiconque, en particulier un adolescent, de trouver un moyen d'équilibrer les deux.

Enfin, il y a Tasha Hubbard bien intentionné mais plat « Meadowlarks »,  » Un film avec un sujet important sur lequel plus de gens devraient savoir, mais vous feriez mieux de regarder un documentaire que ce mélodrame de marque de film.

En fait, Hubbard adapte son documentaire «Birth of a Family» pour raconter l'histoire de quatre frères et sœurs qui ont été séparés lors de «The Sixties Scoop» il y a un demi-siècle, réunis pendant une semaine à Banff. Dans les années 60, le gouvernement canadien a enlevé des enfants autochtones de leurs maisons, créant des fractures à travers toute la communauté. Imaginez comment le traumatisme de cela se refléterait dans la dynamique entre quatre personnes qui le comprennent plus qu'un étranger ne le pourrait.

Le grand Michael Greyeyes fait de son mieux pour approfondir le dialogue peu profond, mais Hubbard donne trop souvent à ses personnages des choses pour dire que cela ressemble à une scénario au lieu de personnes réelles. C'est l'un de ces drames dans lesquels tout le monde dit ce qu'il pense, ce qu'il veut et ce qu'ils ont vécu avec l'éloquence d'un rédacteur de téléfilm au lieu du bégaiement tâtonnant d'une vraie personne. Il est révélateur que les quatre protagonistes sonnent si similaires, des embouchures d'un écrivain qui travaillaient à partir du thème plutôt que du caractère. Elle a réalisé un film qui enseigne un chapitre important de l'histoire canadienne sans nous montrer véritablement son impact.