Cannes 2025: Put Your Soul on Your Hand and Walk, Militantropos, Imago

Au cours des dernières années, Cannes s'est souvent fier de ne pas faire de déclarations politiques manifestes. Mais les guerres qui mettent à Gaza et Ukraine se sont ressenties puissamment tout au long de cette édition – en particulier étant donné le contexte tragique de «Mettez votre âme sur votre main et marchez,» Fabriqué par le réalisateur iranien Sepideh Farsi et a été présenté dans la barre latérale acide indépendante, qui fait rarement la une des journaux mais a été projeté ce qui était sans aucun doute le film le plus important du festival de cette année.

Fatima Hassouna, un photojournaliste et poète de 25 ans vivant à Gaza, a consacré sa vie à documenter la vie civile sous bombardement par l'armée israélienne, exposant souvent l'impact du déplacement forcé sur les enfants palestiniens. Ses images de vie et de mort à Gaza étaient connues à l'échelle internationale, représentant non seulement une dévastation mais aussi une dignité, des lueurs de joie aux côtés de l'horreur. Dans l'une de ses photographies, un homme a installé un stand de jouets pour enfants colorés qui se démarquent d'autant plus contre des tas de béton gris et de barres d'armature tordues; Dans un autre, une femme est assise dans les ruines de ce qui était autrefois sa maison familiale, souriant radieusement.

Le film de Farsi, qui prend forme à travers une série de conversations vidéo étendues d'avril 2024 à avril 2025, permet au public de voir à travers les yeux de Hassouna, observant non seulement l'épave de Gaza mais aussi la résilience des Palestiniens qu'elle capturait si bien. Sa première de Cannes aurait dû être un moment de triomphe. Au lieu de cela, c'était un mémorial. Le 16 avril, l'armée israélienne a assassiné Hassouna et dix membres de sa famille – y compris sa sœur enceinte – dans leurs lits, ciblant spécifiquement l'appartement résidentiel de sa famille au deuxième étage avec des missiles guidés de précision. Hassouna a été assassinée quelques heures seulement après avoir annoncé publiquement que son film se produirait à Cannes, ajoutant son nom aux plus de 200 journalistes qu'Israël a délibérément tués depuis le début de son génocide à Gaza.

Confronté à de telles circonstances désespérées, il est particulièrement déchirant de regarder «Mettez votre âme sur votre main et marchez» et de voir l'esprit vibrant de Hassouna, son sourire éclair et son optimisme inébranlable à l'écran. Même à travers un marécage de sons et de pixels déformés, étant donné la connexion Internet peu fiable de Hassouna, ses conversations avec Farsi montrent clairement la convoitise de la vie qui a informé la passion du photojournaliste pour documenter la vie lorsqu'elle l'a observée chaque jour. Et ils forment un portrait de résistance extrêmement émouvant sous siège.

Avec les hélicoptères et les drones Apache au-dessus, laissant tomber des bombes assez près pour qu'elle puisse fouetter sa caméra et attraper un mur de fumée qui s'échappe de l'endroit où un bâtiment s'était tenu quelques instants plus tôt, Hassouna continue de sourire. En plus de partager la photographie, elle montre Farsi ses poèmes arabes et ses chansons, racontant de petites anecdotes de sa vie – certaines encourageantes, d'autres déchirantes – qui rendent progressivement visible le défi qui tapisse sa positivité radicale. Le titre du film fait référence à la façon dont elle décrit trouver le courage de quitter sa maison et de sortir, malgré ses connaissances que la mort pourrait venir à tout moment. «Quoi qu'ils nous fassent, essayant de nous détruire, ou même s'ils nous tuent – nous rions et vivrons notre vie, qu'ils le souhaitent ou non», dit-elle à Farsi à un moment donné; Cet espoir dur est ce qui la motive car elle assure au cinéaste: «Ils ne peuvent pas nous vaincre».

Farsi a commencé à photographier des manifestations politiques en Iran avant d'être forcée à l'exil; Elle semble saisir intuitivement la nature insondable des circonstances quotidiennes de ses sujets, posant des questions qui guident leurs conversations aussi souvent vers la beauté que l'effusion de sang. Lorsque Hassouna parle de sa grand-mère décédée, Farsi demande si elle a jamais chanté ses berceuses.

L'approche visuelle non conventionnelle du film, qui trouve le réalisateur qui tient un smartphone pour en enregistrer un autre, rend impossible d'oublier les barrières séparant ce cinéaste de son sujet. Mais même si les signaux abandonnés et les cadrages à la flou peuvent être une source de frustration, cette approche sert à un objectif: elle approfondit notre appréciation pour le lien que Farsi et Hassouna ont forgé sur de grandes distances et reflètent l'empathie qui peut toujours être exploitée entre nos écrans toujours présents.

Pas moins que Juliette Binoche, supervisant le jury de concurrence principale, a utilisé la cérémonie d'ouverture du festival pour honorer Hassouna et cadre le documentaire de Farsi en tant que Cannes ' raison d'êtrele film qui distille le plus le but du festival dans les temps modernes. « Dans toutes les régions du monde, les artistes se battent tous les jours et font un art de cette résistance », a proclamé Binoche, en lisant des extraits d'un poème de Hassouna: «  » Ma mort est passée par une ville / la balle de l'agresseur est plus grande que mes rêves / ma ville. Cypress comme offrande.

La veille, une lettre ouverte, «à Cannes, l'horreur de Gaza ne doit pas être réduite au silence», avait été publiée par plus de 350 figurines de cinéma reconnus dans le monde. Il a été abordé «pour Fatima». Il émerge à travers le film de Farsi que Hassouna savait que la mort était une possibilité; Elle a déclaré une fois sur les réseaux sociaux que, si elle mourrait, elle voulait «une mort forte», a entendu dans le monde entier. À Cannes, au moins, son nom – et ce film – se présente un cri de ralliement, non seulement pour l'empathie mais aussi pour l'action collective. « Fatima aurait dû être parmi nous ce soir », a déclaré Binoche sur scène. «L'art demeure. C'est le puissant témoignage de nos vies.»

Bien que le seul documentaire soit projeté dans la section quinzaine des réalisateurs, «Militantropos» était loin d'être le seul titre ukrainien à Cannes. Two weeks ago, on the day of the festival's opening ceremony, organizers screened three films for Ukraine— biographical portrait “Zelensky,” a film from the fronts of Pokrovsk and Sumy titled “Notre Guerre,” and “2000 Meters to Andriivka,” an account of Russia's war in eastern Ukraine from the director of Oscar-winning “20 Days in Mariupol”—in La reconnaissance des artistes, des auteurs et des journalistes documentant toujours le conflit à sa marque de trois ans.

«Militantropos», cependant, se distingue de ces dépêches en temps de guerre, étudiant le visage humain du conflit par son examen obsédante et poétique de l'Ukraine – il até des gens, son paysage déchiré par la guerre et l'esprit national qui se supporte entre eux – après l'invasion russe.

Le titre du film, dérivé du latin pour «soldat» et le grec pour «humain», fait référence à «une personnalité adoptée par les humains en entrant dans un état de guerre». C'est un néologisme inventé par les cinéastes – Yelizaveta Smith, Alina Gorlova et Simon Mozgovyi, connues sous le nom de Collective Tabor – dans un objectif spécifique: faire avancer l'immersion psychologique de leur film dans les fractures intérieures de soi et de la société que les enjeux existentiels et de la punition de cette guerre ont rendu inévitables.

Ne comportant pas grand-chose par la voix off ou les superpositions de texte, le film éditorialise à travers des choix de tir évocateurs et des rythmes d'édition, ainsi que des cartes de titre qui ajoutent une messe philosophique («Militantropos fait face à la mort comme une réalité de leur propre non-existence», indique un). Le film du Tabor Collective se compose de tableaux visuellement frappants qui capturent collectivement la présence enracinée et sans détresse du conflit dans la vie quotidienne.

Un agriculteur tirait ses champs, évitant une coquille d'artillerie partiellement submergée dans la saleté. Dans les rues de la ville, les véhicules militaires bombardés sont démantelés et graffités, alors que le passant laisse sa marque sur les armes qui ont autrefois nivelé leurs maisons et leurs infrastructures. Bien que souvent fortement retardés, les trains se déplacent le long de leurs voies, comme le sang pompant dans les veines de la ville, alors que les soldats se dirigent vers les lignes de front ou voient leurs proches en sécurité.

L'innocence de la génération perdue de l'Ukraine, née dans la brutalité de la guerre, est l'un des sujets fréquents du film. Les arbres de fleur de cerisier roses fleurissent au-dessus des tranchées creusées que les enfants ont transformées en aire de jeux; Coupant dans et autour des fortifications, ils chantent: «Il n'y a personne égal aux cosaques qui marchent pour la liberté!» Deux anciens chantent séparément une chanson folklorique ukrainienne traditionnelle, avant que l'un d'eux ne se souvienne de ses petits-enfants et se déchire momentanément. «Lorsque nous nous voyons après la guerre, nous chanterons ensemble», résout-elle. Ailleurs, trois garçons montent la garde sur le bord de la route alors que les camions passent; Alors que l'on fait signe un drapeau qui semble deux fois sa taille, un autre coule en brandissant un fusil d'assaut, paraître incertain.

Suivant non seulement les soldats qui s'entraînent pour la bataille, mais aussi les évacués, les enfants et d'autres poursuivant leurs tâches quotidiennes malgré le son quasi constant des bombes qui explosent et tirent de l'artillerie en arrière-plan, «militantropos» se rapproche de divers couples dans un avenir incertain. Continuellement, ce film fascinant évoque l'étrange existence liminale d'une société en guerre, se demandant ce que cela signifierait de vivre vraiment, plutôt que de simplement survivre, au milieu de ses ravages.

Deni oumar pitsaev « Imago, » qui a remporté à la fois la touche française du prix du jury de la barre latérale de la Semaine des critiques de Cannes et du prix de l'Oeil d'Oe du Festival du meilleur documentaire, est également prêt entre le personnel personnel et le politique, examinant la psychologie de l'exil à travers son délicat et tranquillement l'autoportrait de la famille d'un retour à la frontière géorgienne de sa famille.

Pitsaev a été contraint de fuir sa patrie déchirée par la guerre quand elle était enfant, se terminant par un citoyen français naturalisé. En apprenant que sa mère lui a offert une parcelle de terrain à Pankisi, une enclave tchétchène reculée dans les contreforts du Caucase, il y retourne pour se reconnecter avec ses racines, malgré la pression des attentes – celle de sa mère et de la famille qu'il rencontre, y compris son père long-perdu – que Pitsaev se trouvera à la fois, construire une maison, trouver une femme, et fonder une famille, devenant enfin dans leurs yeux « A-Tice House, une femme.

Et pourtant Pitsaev n'est pas la personne que ses parents s'attendent à ce qu'il soit, du moins pas exclusivement; Déplacé de la patrie, son sentiment de soi a été fléchi avec une perte et compliqué au moment où il a passé à vivre. Même s'il tente de s'adapter à la vie dans Pankisi, rencontrant des hommes et des femmes locaux qui réfléchissent à leur relation avec les idées d'ambition individuelle et d'appartenance communautaire, Pitsaev devient de plus en plus conscient de la profondeur de son identité qui a divergé de son ascendance, à quel point son seuil de liberté est différent. La question de savoir où il pourrait trouver le bonheur dans sa vie d'adulte est clairement importante pour Pitsaev, mais les conversations avec les habitants ne l'amènent que vers une compréhension plus nuancée des façons dont les structures traditionnelles et religieuses du village imposent une structure similaire à ses habitants.

Même une fois qu'il décide de se construire une maison dans la vallée et montre avec enthousiasme les membres de sa famille un plan pour sa conception moderne en A, leurs réactions mortifiées montrent clairement que tout type de rupture avec la tradition l'aliénerait essentiellement de tous ceux qui vivent dans la région. En particulier dans les conversations avec le père de Pitsaev, qui s'est remariée et a eu deux fils après que le cinéaste et sa mère se sont éloignés, il devient évident qu'il y a une distance entre eux qui ne peut jamais être défait. En marchant dans la forêt à un moment donné, les deux se rapprochent un peu plus d'une reconnaissance partagée de la fracture de leur famille, mais rien ne peut être dit suffisamment important pour permettre une réconciliation plus permanente.

Il y a une honnêteté simple et poignante à «Imago». À travers deux heures apaisantes, si elles sont peut-être excessives, des heures qui éclaircissent Pitsaev aux problèmes familiaux en se prélassant dans l'idylle naturelle de la vallée, ses pics boisés et ses pâturages alpins, le documentaire rumine sur cette question centrale de retour. En fin de compte, conclut-il, le désir de ce réalisateur d'appartenir n'est enraciné nulle part plus profondément que dans sa lutte vers l'acceptation de soi.