10 films intemporels en noir et blanc qui tiennent encore aujourd’hui

Résumé

• Les films en noir et blanc conservent leur fraîcheur et leur impact, ce qui les rend adaptés à toute époque.

• Ces films privilégient l’art visuel de grande qualité plutôt que les spectacles criards, en s’appuyant sur des éléments tels que le cadrage et l’éclairage pour avoir un impact.

• Une narration captivante et l’excellence technique comptent plus qu’une pigmentation brillante, comme le prouvent des classiques atmosphériques comme Psycho et La Liste de Schindler.

Les films en noir et blanc évoquent une ambiance nostalgique, rappelant une époque révolue. Ils sont généralement associés à des choses du passé. Ils reflètent également un choix stylistique souvent observé dans les films modernes malgré la disponibilité du technicolor. Des classiques intemporels existent à travers différentes périodes du cinéma en noir et blanc, conservant leur fraîcheur et leur impact profond, ce qui les rend adaptés à n’importe quelle époque. Bien que le film couleur soit depuis longtemps la norme, le cinéma en noir et blanc conserve toujours un attrait fascinant. Du film muet au film noir, des œuvres emblématiques ont immergé le spectateur en n’utilisant que des nuances de gris et des ombres.

Malgré le manque de visuels flashy, ces films restent percutants et pertinents. Leurs photographies et compositions saisissantes montrent une créativité dépourvue de couleur. De plus, leur dépendance à des éléments tels que le cadrage, l’éclairage et la conception de la production démontre l’accent mis sur l’art visuel de haut niveau plutôt que sur le spectacle criard. Bien qu’il existe de nombreux films étonnants en noir et blanc qui méritent un remake moderne, ce sont ces facettes qui confèrent aux films en noir et blanc leur intemporalité. Quelle que soit l’époque, des classiques atmosphériques comme Psycho, Clerks et La Liste de Schindler conservent leur pouvoir, prouvant qu’une narration convaincante et l’excellence technique comptent plus qu’une pigmentation brillante. Leur vision et leur maîtrise demeurent intactes.

dixManhattan (1979)

Avec Woody Allen et Diane Keaton

Filmé dans des visuels très contrastés sur fond de New York, Manhattan suit un écrivain névrosé explorant ses doutes sur sa vie et ses romances. Bien qu’il s’agisse en quelque sorte d’une lettre d’amour stylistique à la ville, le film trouve un écho universel dans ses observations perspicaces sur les luttes pour concilier carrière, maturité, éthique et liens émotionnels. D’une esthétique simple mais classique, les photographies nettes de Manhattan et les discussions intelligentes sur les dilemmes moraux garantissent sa pertinence continue quelle que soit l’époque de visionnage. Le film provoque une réflexion personnelle, résistant à l’épreuve du temps grâce à un style et une substance significatifs plutôt qu’à une distraction colorée.

9 L’artiste (2011)

Avec Jean Dujardin et Bérénice Bejo

L’artiste

Date de sortie 22 décembre 2011

Réalisateur Michel Hazanavicius

Avec Jean Dujardin, John Goodman, James Cromwell

Note page 13

The Artist se distingue comme une production moderne en noir et blanc qui s’est déjà révélée être un nouveau classique. Se déroulant dans le Hollywood des années 1920, le film raconte l’histoire d’une star du cinéma muet dont la carrière entre en crise avec l’avènement des « films parlants » alors que les films commencent à incorporer du son. Réalisé en hommage au cinéma classique, The Artist captive à travers une narration visuelle et des arcs émotionnels dramatiques communiqués entièrement sans dialogue. Son style singulier et ses performances attachantes lui confèrent une intrigue et un charme durables. En célébrant l’histoire du cinéma tout en faisant preuve de créativité dans la contrainte, cette renaissance de techniques longtemps endormies donne naissance à un joyau moderne unique.

8Casablanca (1942)

Avec Humphrey Bogart et Ingrid Bergman

Casablanca

Date de sortie 26 novembre 1942

Réalisateur Michael Curtiz

Avec Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet

Note PG

Casablanca est un film classique qui a marqué sa décennie au moment de sa sortie et continue de perdurer grâce à son scénario bien écrit et ses caractérisations complexes. Au-delà de son récit profondément romantique, le film explore les thèmes importants de l’idéalisme compromis par la réalité, du sacrifice moral face au danger et du dépassement de l’égoïsme pour le bien commun. Casablanca s’appuie sur des dialogues sophistiqués et des performances émouvantes pour créer une expérience visuelle émotionnellement résonnante à n’importe quelle époque. À la base, le film déclare que les gens peuvent découvrir le meilleur d’eux-mêmes en temps de crise, un message rempli d’espoir et toujours profondément émouvant.

712 hommes en colère (1957)

Avec Henry Fonda

12 hommes en colère

Date de sortie 10 avril 1957

Réalisateur Sidney Lumet

Avec John Fiedler, Henry Fonda, Martin Balsam, Jack Klugman, Lee J. Cobb, EG Marshall

Note r

En plaçant son drame entièrement dans une salle de jury, 12 Angry Men crée une tension humaine captivante sans flash ni spectacle. Alors que douze hommes très différents débattent de l’innocence d’un suspect de meurtre, personnalités et préjugés se heurtent. Évitant le théâtre d’audience ou la violence pour régner sur le public, le film construit plutôt un suspense mordant uniquement à partir de dilemmes moraux surgissant entre les personnages. Des questions importantes surgissent quant à la capacité du système judiciaire à commettre des injustices, au courage moral d’aller à l’encontre de la majorité et de surmonter les préjugés. Bien qu’elle ait été réalisée il y a des décennies, cette étude de personnage provocante est intemporelle car ses thèmes résonnent universellement, quelle que soit l’époque.

6Psycho (1960)

Avec Anthony Perkins et Janet Leigh

Psycho

Date de sortie 8 septembre 1960

Avec Janet Leigh, Martin Balsam, Anthony Perkins, John Gavin, Vera Miles

Notation R

Considéré comme l’un des meilleurs films d’Alfred Hitchcock, Psycho a choqué le public et établi de nouvelles normes en matière de cinéma de suspense en créant une tension insupportable non pas par le gore mais par un travail de caméra, un éclairage et une musique experts. Psycho est un film qui horrifie grâce à la maîtrise de la pure narration visuelle. Apercevant l’obscurité intérieure qui se cache sous les façades ordinaires, il conserve une résonance culturelle durable. De plus, la scène de douche désormais emblématique de Janet Leigh démontre la capacité d’Hitchcock à effrayer sans explicite, soulignant le pouvoir de ce qui est sous-entendu mais non montré. Le recours de Psycho à la suggestion plutôt qu’au spectacle facile explique son impact continu sur les thrillers et l’horreur.

5Frances Ha (2012)

Avec Greta Gerwig et Adam Driver

Frances Ha est l’exemple parfait d’une production récente qui utilise la cinématographie en noir et blanc avec un effet réfléchi. Détaillant les mésaventures d’un danseur capricieux de 27 ans à New York, le film utilise des monochromes nets pour mettre en valeur les qualités oniriques de décors urbains familiers. La photographie attire l’attention sur le passage incertain du protagoniste à la responsabilité adulte. Le réalisateur Noah Baumbach utilise des contrastes accrus entre la lumière et l’obscurité pour souligner les thèmes de la lutte contre le doute de soi dans un contexte de relations changeantes et d’attentes générationnelles en matière de but. En se concentrant sur les dilemmes intemporels du quart de vie, Frances Ha atteint une relation durable qui transcende ses contemporains.

Connexes Chaque film de Greta Gerwig, classé du pire au meilleur (y compris Barbie) Les films que Greta Gerwig a écrit et réalisé tout au long de sa carrière ont développé ses talents et ouvert la voie à son succès avec Barbie.

4Pour tuer un oiseau moqueur (1962)

Avec Gregory Peck et Mary Badham

Vu à travers les yeux d’un enfant, To Kill A Mockingbird raconte l’avocat Atticus Finch défendant un homme noir accusé à tort de viol, révélant les préjugés raciaux qui se cachent sous une petite ville. Le film véhicule de dures vérités sur les échecs d’un système injuste, une vérité qui, malheureusement, prévaut encore aujourd’hui. Cependant, le courage tranquille de Finch offre de l’espoir, une notion intemporelle qui sera toujours la bienvenue au cinéma. To Kill a Mockingbird s’appuie sur la complexité éthique pour avoir un impact. Avec son souci d’empathie et d’égalité devant la loi, le film conserve un pouvoir affectant à toutes les époques en invoquant la conscience plutôt qu’une manipulation à bas prix.

3Persépolis (2007)

Avec Chiara Mastroianni

Contrairement aux films couleur qui dépendent d’effets qui peuvent vieillir, Persepolis utilise une palette sourde pour présenter des problèmes toujours aussi urgents aujourd’hui, comme lors de sa première. L’animation en noir et blanc, influencée par l’esthétique du roman graphique, constitue la base visuelle de ce mémoire, qui se déroule dans le contexte de la répression politique en Iran dans les années 1980. La simplicité visuelle met l’accent sur le passage à l’âge adulte d’une fille dans ce contexte turbulent. Malgré les moments de perte et de bouleversements, l’intimité persiste via de petites joies et de communion. Persépolis utilise un manque délibéré de couleur pour exprimer les dangers persistants du totalitarisme idéologique, dangers qui persistent encore aujourd’hui.

2 commis (1994)

Avec Brian O’Halloran

Commis

Date de sortie 13 septembre 1994 Acteurs Brian O’Halloran , Jeff Anderson , Marilyn Ghigliotti , Lisa Spoonauer , Jason Mewes , Kevin Smith

Notation R

Ce film doté d’un budget inférieur à 500 000 $, la comédie Clerks de Kevin Smith de 1994, atteint une relativité intemporelle à travers des personnages nuancés et des situations banales transformées en une hilarité inattendue. Tourné en noir et blanc, le film suit une journée dans la vie d’employés de dépanneur, révélant de l’humour et des aperçus drôles d’interactions triviales. Dépourvu d’effets modernes et de couleurs vives, Clerks s’appuie entièrement sur des dialogues pointus pour décrire l’agitation générationnelle, des thèmes qui ont persisté pour ceux du passé ainsi que du présent. Le film continue de séduire de nouveaux spectateurs qui découvrent son affection humoristique et ses débats existentiels tranquilles autour de l’âge adulte.

1 La Liste de Schindler (1993)

Avec Liam Neeson et Ralph Fiennes

La Liste de Schindler, capturée en noir et blanc, plonge le spectateur dans la réalité brute de l’Holocauste, sans artifice. Les moments les plus sombres de l’humanité se déroulent sans filtre, où le génocide réduit les vies à des statistiques. Cependant, au milieu de ces sombres réalités, un homme défie l’extinction, dressant non pas des listes de mort mais de miséricorde. Dans la machinerie efficace de la mort et les neiges froides enlaçant les corps sans vie, des échos de gentillesse résonnent, un thème qui restera toujours intemporel. L’objectif sans fard de Spielberg expose la brutalité, la rédemption faisant son chemin tout au long de l’histoire. En supprimant le brillant, le film affronte la collision intemporelle de l’espoir honnête et du désespoir.