Tokyo Film Festival 2025: “Mother Bhumi,” “Morte Cucina,” “We Are the
Dans ma première dépêche de l'édition 2025 du Festival international du film de Tokyo, le réalisateur de « Journey into Sato Tadao », Terasaki Mizuho, décrit les films comme des « salutations », de petits gestes amicaux qui présentent au monde quelque chose d'essentiel sur un lieu et ses habitants. Des salutations sont échangées chaque fois que des voyageurs de différents pays se réunissent, et l'esprit de présentation était très présent au TIFF de Tokyo (contrairement à la version de Toronto) cette année.
Les nouveaux films japonais constituent le cœur de la programmation du festival : les films ont été vendus avant que je puisse obtenir un billet, mais cette année, le TIFF a accueilli la première de « Tokyo Taxi », le nouveau film du prolifique maître cinéaste de 94 ans Yoji Yamada ; la sélection de la soirée d'ouverture, le drame de bien-être «Climbing for Life», était également un film national. Mes deux films préférés de Tokyo cette année étaient aussi tous deux des productions japonaises, dont nous parlerons dans mon prochain dépêche. Mais l'approche du festival en matière de sélection du cinéma asiatique mérite à elle seule le détour.
La section « Asia Now » du TIFF, qui met en lumière les réalisateurs ayant trois longs métrages ou moins à l'affiche, couvre une zone géographique qui s'étend de la Turquie au Japon, soit plus de 8 000 kilomètres (5 000+ miles) au total. Les sections plus larges du festival sont également orientées vers le cinéma pan-asiatique, avec une pincée de titres nord-américains et européens mélangés. C'est l'inverse de ce que je vis généralement dans les festivals de films nord-américains, et c'est rafraîchissant de faire l'expérience de la curation de cinéma dans une perspective qui ne se concentre pas sur l'Amérique, en particulier à une époque où, personnellement, je ne suis pas fier d'être américain.
Cette année, le cinéma d'Asie du Sud-Est a été particulièrement présent à Tokyo, avec trois films de la région figurant au programme de la compétition principale. Le premier d'entre eux, « Mère Bhumi » projeté lors de la soirée d'ouverture, dans une grande salle de concert (située, comme tant d'endroits au Japon, au dernier étage d'un centre commercial) où des centaines de fans sont venus voir la star chinoise Fan Bingbing dans ce qui a été présenté comme un rôle transformateur. Et en effet, si vous ne saviez pas qu'elle était la star du film, il faudra peut-être un certain temps avant de reconnaître l'actrice de « X-Men : Days of Future Past » livrant une performance totalement déglammée et extrêmement engagée dans ce film.
Fan incarne Hong Im, un guérisseur respecté et chef non officiel d'une communauté chinoise malaisienne dans la verdoyante vallée de Bujang. La région est un creuset de différentes religions, langues et ethnies, et la paix entre elles est mise à l’épreuve au début de l’histoire. « Mother Bhumi » se déroule dans les années 1990, à une époque où les terres réappropriées par les Britanniques étaient restituées à leurs propriétaires d'origine par le gouvernement malais ; Grâce à ses relations avec un responsable local, Hong s'est désignée comme une défenseure des propriétaires fonciers d'origine chinoise qui risquent de perdre leurs propriétés en vertu de la nouvelle loi. Sa mission a un air de futilité tragique. Mais que protège exactement Hong ? Et pourquoi ?
Ce rythme de personnage reste inexploré et s'est estompé au moment où l'histoire prend une tournure dramatique vers les pratiques de magie noire d'Asie du Sud-Est dans son troisième acte. Le public local tirera peut-être davantage parti des nuances politiques, mais l'approche discrète et hautement symbolique du réalisateur Chong Keat Aun en matière de narration – à la fois vague et directe – signifie que, pour les téléspectateurs internationaux, le principal attrait ici est le métier.
La mise en scène et la cinématographie de « Mother Bhumi » sont époustouflantes, privilégiant de longs plans larges et persistants composés avec un souci du mouvement des objets dans le cadre. À mi-chemin, Chong et le directeur de la photographie Leung Ming Kai font glisser la caméra sur le corps d'une femme en plein exorcisme, et le contraste entre l'élégance du plan et la violence de sa crise est à couper le souffle. Les compositeurs Yii Kah Hoe et Chong Keat Aun réalisent également un travail saisissant et résonnant, mais à moins que vous ne soyez le genre de cinéphile capable de justifier un film de deux heures comme une sorte d'exposition d'art au ralenti, le film de Chong défiera probablement à la fois la patience et le bon sens.
« de Pen-ek Ratanaruang »Morte Cucina” bouge également à son propre rythme onirique, un peu plus ironique que celui du film de Chong. «Morte Cucina» est la quintessence d'une coproduction internationale, s'ouvrant sur ce qui semble être des dizaines de logos d'entreprises et mêlant influences et talents de toute la région. Le film réunit Ratanaruang avec l'acteur japonais Tadanobu Asano, qui a joué dans deux des films précédents du réalisateur thaïlandais ; ici, il apparaît comme un artiste prétentieux qui accroche des cadres vides et le qualifie de profond. Il est l'un des éléments les plus drôles du film, qui ne devient jamais trop lourd malgré quelques points traumatisants de l'intrigue ; au lieu de cela, le ton est celui d’un réalisme magique impassible, incorporé ici de manière plus intrigante que dans « Mother Bhumi ».
« Morte Cucina » réunit également le réalisateur avec le directeur de la photographie Christopher Doyle, basé à Hong Kong, dont le travail avec Wong Kar-wai est l'un des plus sensuels de tout le cinéma. Ici, Doyle applique cette sensibilité à de vigoureux shots d'ail et de piments sautés dans des woks irisés et à des herbes fraîches hachées par des couperets métalliques tranchants alors que la protagoniste du film, Sao (Bella Boonsang), poursuit son rêve de devenir chef professionnel. Elle y parvient, presque par hasard, après qu'une rencontre fortuite avec un homme de son passé entraîne Sao dans un étrange complot de vengeance surnaturelle.
Je ne vais pas le gâcher ici, mais le film de Ratanaruang parle de la nature codépendante de l'amour et de la haine, tout en constituant un argument extrêmement efficace pour obtenir de la nourriture thaïlandaise après le film. Doyle l'a dit sur scène après la première de « Morte Cucina » à Tokyo, plaisantant sur le « food porn » et s'excusant auprès du traducteur sur scène de lui avoir fait répéter ses blagues sur les pets « en japonais poli ». Ratanaruang et Boonsang étaient imperturbables – apparemment, Doyle est tout le temps comme ça.
Le cinéaste cambodgien Rithy Panh est également un ambassadeur de la scène cinématographique de son pays : Panh est le premier documentariste sur la destruction provoquée par les Khmers rouges, et des allusions à cette période sombre apparaissent même dans son nouveau film, pour la plupart sans rapport, « Nous sommes les fruits de la forêt. Nous entendons des références au peuple indigène Bunong persécuté pendant les années Pol Pot, mais le principal méchant de ce film est le capitalisme : au-dessus d'images d'agriculteurs se livrant à des pratiques de subsistance qui existent depuis des milliers d'années, un représentant d'un village explique le calendrier annuel des récoltes du peuple Bunong et les nombreuses façons dont il a été érodé – lentement, d'abord, puis tout à coup – par l'empiétement de propriétaires fonciers avides. Il y a des moments de paix, de connexion spirituelle profonde, mais ceux-ci sont éclipsés par le sentiment inéluctable que ces gens sont la dernière ligne de défense de la Terre et que nous échouons tous.
Le film de Pahn expose la manière dont le changement climatique, la cupidité des entreprises et la conquête coloniale se sont réunis pour menacer le mode de vie des Bunong ; Aucune de ces relations de cause à effet ne sera nouvelle pour les téléspectateurs avertis, mais il y a toujours quelque chose d'incroyablement rageant dans le fait que même les agriculteurs de subsistance des zones rurales du Cambodge doivent s'inquiéter de l'endettement. La crudité du message environnemental du film se reflète dans son travail de caméra à la main, sans fioritures, filmé de près et parmi les gens pendant quatre années immersives. Juste un avertissement pour les végétariens présents dans le public : l'un des moyens par lesquels les Bunong survivent est la chasse, et la caméra de Pahn les capture en train d'abattre des animaux pour se nourrir aussi sans ciller que d'autres aspects de leur vie.
Et même s'il n'était pas au programme de la compétition principale avec les trois films cités ci-dessus, le film vietnamien «Tunnels : Soleil dans le noir » est celui que j’ai recherché spécifiquement pour sa perspective non occidentale. À l'instar de « Palestine 36 », dont la première a eu lieu à Toronto et qui a remporté un prix majeur ici à Tokyo, le film du réalisateur Bùi Thạc Chuyên examine un conflit historique d'un point de vue généralement inaccessible aux téléspectateurs occidentaux. Dans ce cas, le film suit un groupe de guérilleros Viet Cong se cachant dans un réseau souterrain connu sous le nom de tunnels Chu Chi pendant la guerre du Vietnam.
Le film adopte une vision romantique de la guerre et du sacrifice, avec un casting de personnages dont la camaraderie dans les premières scènes prépare clairement le terrain pour un héroïsme déchirant plus tard. Et Chuyên tient parole, dans une série de séquences d'action intenses qui utilisent le décor claustrophobe du film à leur avantage alors que l'unité fait un dernier combat contre les soldats américains qui découvrent et infiltrent leur bastion. Il y a ici un carburant de cauchemar incroyablement créatif – pensez à des perches de bambou remplies de serpents venimeux piégés pour tomber sur la tête des intrus – combinées à des classiques du tic-tac comme des personnages coincés dans une chambre souterraine qui se remplit lentement d'eau.
C'est un divertissement passionnant, et il a été incroyablement populaire au Vietnam, battant des records au box-office et renforçant un sentiment de fierté nationale lorsque « Tunnels : Sun in the Dark » est sorti dans les cinémas locaux en avril. (« Les tunnels sont la guerre populaire », déclare un officier capturé à une unité de l'armée américaine, prononçant un discours sur la résilience de l'esprit vietnamien avant de se faire exploser avec une grenade à main.) Comme on pouvait s'y attendre, elle est toujours à la recherche d'un distributeur américain.
