TIFF 2025: The Christophers, &Sons, Dead Man’s Wire, Tuner | Festivals

Les festivals de cinéma élèvent et célèbrent souvent les jeunes talents, en particulier ceux qui sont prêts à marcher sur le tapis rouge et à saluer les caméras. C'est peut-être un produit de mon âge qui passe au-delà de la barre du demi-siècle, mais mon horaire cette année a tendance à des vétérans plus que d'habitude, y compris des rappels que des gens comme Sir Ian McKellen, Bill Nighy et Dustin Hoffman sont des légendes pour une raison. Heureusement, ces quatre projets «vétérinaires» valaient mon temps diminuant.

Si l'on compte la «présence», qui a été présentée en première à Sundance en 2024 mais n'a été libérée qu'au début de 2025, « Les Christophers » Marque le troisième projet de Steven Soderbergh de l'année. Et ce n'est pas seulement la quantité de travail qui a été remarquable dans cette phase de la carrière du maître, mais la gamme toujours impressionnante. La «présence» est une histoire fantôme; «Black Bag» était un thriller; « The Christophers » est principalement un élément de deux greffes, une pièce de chambre qui présente deux artistes remarquablement différents déballant des thèmes concernant l'art, ce qu'il dit de son créateur et, finalement, qui le possède. Le script d'Ed Solomon semble parfois incertain quant à ce qu'il essaie de dire, mais le film de Soderbergh est si merveilleusement éclairé sur ses pieds (car une grande partie de son travail est depuis des décennies maintenant) qu'il devient une joie de simplement passer du temps avec ces personnages intelligents et tridimensionnels, incarnés par deux interprètes phénoménaux.

Lori (Michaela Coel, faisant de son meilleur travail puisque «Je peux te détruire») est elle-même une artiste frustrée, faisant des travaux de restauration sur ce qui ressemble à une longue pause avec la créativité réelle. Elle est approchée par les enfants adultes (une Jessica Gunning et James Corden parfaitement pleurnichards) d'un artiste célèbre nommé Julian Sklar (McKellen), qui est essentiellement devenu un ermite grincheux depuis son annulation il y a des années. Sa maison est pratiquement un musée d'art, une collection d'œuvres finies et à moitié finis, y compris un ensemble quelque part au dernier étage connu sous le nom de «  les Christophers '', des portraits de quelqu'un qui était clairement important pour Julian dans un chapitre antérieur de sa vie. Les enfants de Julian ont une proposition: Lori mettra la main sur ces peintures et les «finira» dans le style de Julian, forgeant ce qui valait alors des millions de personnes sur sa mort imminente. Elle a prouvé qu'elle est en mesure d'imiter déjà le style de Julian – faites simplement ces travaux sur la ligne d'arrivée et elle peut conserver certains des bénéfices lorsque ses héritiers les hériteront.

Lori obtient un emploi assistant avec l'irascible Julian, et le film devient une série de conversations sur les aspects personnels et publics conflictuels de l'art. Des peintres comme Julian Sklar versent une partie d'eux-mêmes sur la toile, puis s'asseyent pendant que le monde l'interprète ou le méprenez mal. À la fin de sa carrière, Sklar était un juge de Simon Cowell dans une émission qui a essentiellement détruit les jeunes artistes, jouant dans les stéréotypes de l'ancienne star auto-absorbée qui utilise son pouvoir pour diminuer quiconque pourrait suivre ses traces.

Ce qui fonctionne le mieux à propos de «The Christophers» est ancré dans les performances et les personnages joués par McKellen et Coel, venant les uns des autres avec des températures entièrement différentes. Le julian de McKellen est sans vergogne amer, l'un de ces gars qui a démoli le mur qui existe pour la plupart des gens entre la pensée et le discours. Il exprime chaque pensée cruelle comme quelqu'un dont l'opinion est passée de l'une des plus appréciées à celle que la société a mis dans le grenier, inachevé. Lori de Coel est le contraire, un observateur rusé prudent qui a été façonné elle-même par l'insécurité. Regarder ces deux acteurs rebondir l'un de l'autre alors que Lori et Julian découvrent lentement ce qu'ils ont en commun aussi donne aux «Christophers» une vie intellectuelle et une curiosité que les films recherchent également rarement ces jours-ci. Que Steven maintienne ce rythme effréné tant qu'il peut continuer à livrer aussi régulièrement qu'il l'a fait récemment.

Au début, Pablo Trapero's « & Sons » Se sent comme un compagnon du film de Soderbergh. Il s'agit également d'un créateur célèbre dans les derniers jours de sa vie, et il met également en vedette une légende en tant que personne considérant les dégâts qu'ils ont causés concernant la famille et la renommée. Dans ce cas, la légende est ouverte, qui joue Andrew Dyer, l'un des auteurs de science-fiction les plus populaires au monde, qui n'a pas quitté son domaine depuis deux décennies, vivant une vie misérable et ivre introvertie avec son troisième fils Andy (Noah Jupe). Alors que le film s'ouvre, l'un des derniers amis d'Andrew est passé et ils ont demandé un éloge au célèbre écrivain, mais Andrew a essentiellement une attaque de panique aux funérailles. Réalisant qu'il est presque à court de temps pour se nettoyer au sujet de sa vie, il invite ses autres fils Richard (Johnny Flynn) et Jamie (George Mackay) à rentrer à la maison pour un calcul. Il révèle quelque chose qui semble impossible à ses trois garçons, qui pivote «& sons» dans le territoire de la science-fiction, bien que le script de Trapero (co-écrit par Sarah Polley) permettait une ambiguïté suffisante pour se demander si cette révélation n'est que la vanité finale d'un écrivain célèbre.

La «Twist» de «& Sons» aspire une grande partie de l'oxygène dans le film de Trapero, et il y a quelque chose qui a insuffisant dans la façon dont les fils de Dyer sont des créatifs frustrés – Richard travaille sur un scénario avec un producteur désagréable joué par Dominic West tandis que Jamie tourne tout dans son lien de vue parce qu'il est un cinéaste documentaire. La vue d'ensemble de «& Sons» se sent également un peu maladroite, mais c'est dans les micro-beats que le film fonctionne.

Jupe donne sa meilleure performance à ce jour en tant que personne qui refuse activement de marcher sur les traces de son père de connard, et usure utilise un langage physique nerveux pour transmettre un cœur qui se détériore autant que son ancien corps. Mais le film appartient à Imelda Staunton, qui fait son mieux pour sortir avec l'ex-femme d'Andrew, quelqu'un qui estime avec l'idée que tout ce qu'elle pensait du dernier chapitre de sa vie était un mensonge. Elle a une scène lorsqu'elle rencontre Andy pour la première fois – c'était le produit de l'affaire qui a brisé son mariage – et elle fait tellement avec ses yeux que cela devient une classe de maître. Elle regarde une jeune version de l'homme qu'elle est tombée amoureuse des décennies plus tôt. C'est à couper le souffle, et une raison suffisante pour pardonner les endroits que «& fils» trébuchent.

Il n'y a pas beaucoup de légende à l'écran «Le fil de l'homme mort», » plutôt le retour de celui derrière la caméra. Une grande partie du buzz à Venise et à Toronto sur ce film était autour du fait qu'il est agréable d'avoir le grand Gus Van Sant sur la scène du cinéma. Après la désastreuse «mer d'arbres» et médiocre «ne vous inquiétez pas, il ne va pas loin à pied», Van Sant a disparu pendant sept ans, faisant principalement de la télévision. Ce riff sur «Dog Day Afternoon» est un rappel de la façon dont Van Sant peut former solidement un film comme celui-ci, en le faisant bouger même s'il passe par des battements relativement prévisibles. On pourrait oublier à quelle fréquence Van Sant a raconté des histoires vraies dans des projets comme «pour mourir pour», «lait», «éléphant» et «Last Days», ajoutant ses propres empreintes digitales à des contes familiers. Ce n'est pas aussi audacieux que certains de ces films, mais c'est toujours bien fait d'une manière qui rappelle à quel point le cinéma peut être la moitié de la bataille.

«Dead Man's Wire» est la véritable histoire de Tony Kiritis (Bill Skarsgard), un homme de l'Indiana qui en avait tellement marre de son hypothèque de banque qu'il a kidnappé son fils / employé Richard Hall (Dacre Montgomery) et à attacher un fusil de chasse autour de son cou, connecté à un fil qui le déclenchait si Richard courait ou même la contenait. Il a sorti Richard de son bureau, dans la rue, et jusqu'à son appartement, où il le tenait en otage alors qu'il demandait de l'argent et des excuses. Le scénario d'Austin Kolodney place d'autres joueurs éminents autour de ce qui aurait probablement dû être plus un deux-greffe, y compris Myha'la en tant que journaliste essayant d'obtenir la grande histoire, Colman Domingo en tant que DJ radio qui aide à transmettre le message de Tony aux masses, et même « Dog Day » se légendre Al Pacino en tant que père de Richard. Pacino ne reçoit que quelques scènes comme le vieil homme irascible qui semble content de laisser son fils mourir au lieu d'admettre être un requin de prêt prédateur, et il les téléphonait littéralement.

Skarsgard et Montgomery sont beaucoup plus efficaces qui, tout comme la paire dans «The Christophers», travaillent en harmonie en étant des types de personnalité complètement différents. Skarsgard est un fil en direct, nerveux et troublant, tandis que Montgomery est merveilleusement subtile, évitant la panique que d'autres acteurs auraient utilisé pour une démission tranquille, presque comme s'il sait qu'il mérite une partie de cet abus. Ils sont tous les deux très bons, un rappel que Van Sant est également un sacrément bon réalisateur de la performance. Bienvenue, Gus. Ne prenez pas autant de temps pour en faire un autre.

Enfin, il y a l'efficacité « Tuner, » Les débuts narratifs du cinéaste documentaire Daniel Roher, qui ont remporté un Oscar pour «Navalny». La légende de celui-ci est Dustin Hoffman en tant que Harry Horowitz, bien qu'il se retire relativement tôt pour donner le film à son bras droit dans un travail de réglage du piano, le Wily Niki White (Leo Woodall). Harry est vraiment là pour lancer Niki sur un cheminement de carrière inattendu lorsque le vieil homme oublie son combo sûr.

Niki, qui a une condition unique qui le rend si sensible au son qu'il doit porter des bouchons d'oreille en tout temps mais peut également choisir n'importe quelle note jouée sur un piano, prend le coffre-fort pour l'ouvrir pour son ami, découvrant que son audition à l'écoute fait de lui un cracker en toute sécurité. La découverte le conduit dans le monde criminel, servant d'expert en toute sécurité pour une entreprise de sécurité qui échappe essentiellement au sommet de leurs clients ultra-riches. Son nouveau patron soutient que ces gens sont trop riches pour le remarquer lorsqu'une montre ou un collier est absent dans un coffre-fort. Ne prenez pas tout et personne ne se rendra compte que vous avez pris quoi que ce soit avant qu'il ne soit trop tard.

En même temps que Niki glisse dans un monde criminel que quiconque a vu un film sait se terminer mal, il rencontre un pianiste nommé Ruthie (la très merveilleuse Havana Rose Liu), qui ne connaît pas son nouveau passe-temps, mais commence à se demander comment il peut se permettre des cadeaux de plus en plus chers. « Tauner » se sent parfois trop prévisible dans son arc « Rookie Criminal Who Fall In Love », mais Roher réussit à passer du cinéaste documentaire au réalisateur de thriller. Si quoi que ce soit, il se penche presque étonnamment dans les clichés du genre, tandis que la plupart des cinéastes non-fiction se sentent un peu retenus et secs lorsqu'ils essaient de faire ce saut. Il est utile d'avoir l'édition ACE de Greg O'Bryant, un travail qui donne à «tuner» son rythme métronomique, nous gardant connectés au rythme de la pièce suffisamment pour ignorer sa familiarité au nom de divertissement bien fait.