TIFF 2024: The Life of Chuck, Nightbitch, K-Pops | Festivals & Awards

Les premières se sont poursuivies vendredi et samedi au Festival international du film de Toronto de cette année, marquées par des projets profondément personnels, dont une autre adaptation de Stephen King par l'homme qui est peut-être le maître de ces choses, une preuve supplémentaire que Marielle Heller est une cinéaste à surveiller, et un projet né de la relation d'un père célèbre avec son fils.

Le meilleur du groupe est l'excellent Mike Flanagan « La vie de Chuck » Encore une adaptation de l'homme qui a fait « Gerald's Game », « Doctor Sleep » et « Midnight Mass », qui n'est pas techniquement une adaptation de Stephen King mais qui est peut-être le projet le plus king-esque de tous les temps qui ne l'est pas. On a beaucoup parlé avant « Chuck » du fait que ce serait un peu différent pour le réalisateur d'horreur, et il est vrai qu'il n'y a pas de gore et seulement un peu de surnaturel ici, mais le travail de Flanagan, en particulier les séries Netflix « Haunting », se distingue également par de profonds courants émotionnels sous-jacents, et c'est l'outil de son kit sur lequel il s'appuie le plus avec cette étude émouvante de la valeur de chaque instant que nous passons sur cette boule de poussière flottante. Nous avons l'habitude de nous laisser emporter par les détails et les soucis du monde, et « The Life of Chuck » soutient que rien n'a plus d'importance que le moment présent. Et un bon numéro de danse.

Comme la nouvelle dont il est tiré, « La vie de Chuck » joue sur des jeux structurels, en commençant par « l’acte 3 », sous-titré « Merci, Chuck ! ». Chiwetel Ejiofor livre une performance subtile et raffinée – sa meilleure performance depuis des années – dans le rôle d’un enseignant d’une petite ville au bout du monde. Alors qu’il essaie d’organiser des réunions parents-professeurs pour ses élèves, tout le monde est distrait par l’état de délabrement de la planète, notamment par le fait que la Californie est en train de sombrer dans l’océan. Lorsque l’Internet tombe en panne et que les routes commencent littéralement à se désintégrer, il renoue avec son ex, jouée par Karen Gillan, dans le but d’avoir un partenaire en cas de panne d’électricité. Il continue également à voir des pancartes remerciant un homme dont il n’a jamais entendu parler, nommé Chuck.

Si vous ne connaissez pas la source, vous vous demanderez ce qui se passe exactement ici, mais il y a même un courant émotionnel sous-jacent à cette confusion qui est palpable. Il y a de nombreuses conversations sur le temps, y compris une discussion sur le calendrier cosmique de Carl Sagan, qui nous rappelle que l'existence humaine sur cette planète n'est qu'une fraction de la durée de vie de l'univers. Et pourtant, tout compte davantage à mesure que nous approchons de la fin. Nous ne sommes rien et tout en même temps. Nous abritons des multitudes.

Les deux autres actes de « The Life of Chuck » remontent le temps d’une manière que je ne gâcherai pas, si ce n’est pour dire que Tom Hiddleston ancre le chapitre central avec une performance charmante et pleine d’entrain, y compris le meilleur numéro de danse depuis des années, et que le dernier chapitre raconte les débuts de Chuck, interprétés avec brio par plusieurs jeunes acteurs. Le travail de genre de Flanagan est souvent salué pour sa tension et sa conception, mais j’ai toujours pensé que son plus grand don est celui de l’interprétation. C’est l’un des meilleurs ensembles de l’année, complété par les apparitions de nombreux anciens collaborateurs de Flanagan – il n’y a pas une seule pièce qui semble déplacée, y compris le travail formidable de Mark Hamill et d’Annalise Basso.

« The Life of Chuck » est une étreinte ouverte et sincère. Il est conçu sans complexe pour « vous faire réfléchir à ce qui compte dans la vie », et ce manque total de cynisme ne fonctionnera pas pour tout le monde. Cela m’a un peu laissé perplexe. Comme beaucoup de gens, j’ai l’impression que nous faisons parfois du surplace en tant que culture, en faisant trop peu d’efforts pour résoudre les problèmes clés qui façonnent notre monde. Et cela a conduit à un sentiment de désespoir dans les années 2020 que vous pouvez presque ressentir dans vos os. Un film ne peut pas effacer tout cela, bien sûr, mais celui-ci nous encourage activement à simplement ÊTRE dans chaque jour. Respirer l’air qui vous entoure, être présent avec vous-même, chérir vos proches – toutes ces choses qui semblent tellement plus difficiles avec le désordre de la vie quotidienne. L’acte central de « The Life of Chuck » parle d’un homme qui répond à l’appel dans sa tête pour danser dans la rue un jour au hasard. Ce serait bien si nous étions plus nombreux à pouvoir nous souvenir de danser.

La première du samedi soir au théâtre du Pays de Galles a été consacrée à l'un des drames les plus attendus de l'année, celui de Marielle Heller. « Garce de la nuit » Une adaptation du roman de Rachel Yoder sur les difficultés peu connues et souvent mal comprises de la maternité. Hollywood nous a appris que les mères doivent être des créatures parfaites, toujours souriantes et ne se plaignant jamais. Bien sûr, je ne suis pas une mère, mais je suis père de trois enfants, et non seulement je comprends personnellement que la parentalité est plus complexe que l'art voudrait nous le faire croire, mais j'ai vu les conséquences physiques et émotionnelles que cela peut entraîner. C'est dur. Et le film de Heller ressemble à une tentative de compréhension à travers le concept fantastique d'une mère qui pourrait devenir un vrai chien.

Amy Adams fait de son mieux depuis des années dans le rôle de la mère anonyme, qui fait tout pour garder son fils (Arleigh Patrick Snowden et Emmett James Snowden) en bonne santé et heureux, même lorsque son mari gentil mais naïf (Scoot McNairy, fantastique comme toujours) ne sait pas vraiment comment l'aider. Elle va jouer dans des groupes à la bibliothèque avec d'autres mères (dont Zoe Chao et Mary Holland) qu'elle ne connaît pas ou n'aime pas particulièrement mais avec lesquelles elle est obligée de socialiser en raison de la structure de notre société. Elle ne se sent pas tellement contrariée d'avoir dû abandonner sa carrière d'artiste, mais se demande pourquoi ou ce qui aurait pu se passer. Le scénario de « Nightbitch » de Heller est soigneusement construit en fonction de la façon dont elle dépeint son protagoniste : elle ne déteste ni son mari ni son fils, pas du tout. C'est juste que cette chose appelée maternité est DIFFICILE.

Quand Adams commence littéralement à se faire pousser une queue et à courir avec des chiens dans le quartier la nuit, « Nightbitch » devient surréaliste, mais j’espérais qu’il ferait monter un peu plus le ton dans l’acte final. C’est un film remarquablement court et il y a moins de matière sur les os dans les scènes finales que ce à quoi je m’attendais. (Je suppose que la source a un monologue intérieur que le film ne peut pas fournir.) Cela dit, il vaut la peine d’être vu pour les dialogues nuancés d’Adams, McNairy et Heller, et il y a quelque chose à dire sur un film qui ne s’épuise pas à une époque (et à un festival) où l’on a l’impression que tant de films ne savent pas quand se terminer. J’ai le sentiment qu’il y aura des opinions partagées et fascinantes sur « Nightbitch », ce qui devrait en faire l’un des drames les plus intéressants de la saison d’automne. Ce n’est que le début.

Enfin, il y a les débuts de réalisateur d'Anderson Paak, lauréat de huit Grammy Awards, un musicien incroyablement talentueux dont la musique évoque la soul et le R&B des années 70 et 80 sans pour autant ressembler à une nostalgie bon marché. Les partisans de « Write What You Know » auront beaucoup à aimer ici, tandis que ceux qui abusent du mot « Nepo » auront une nouvelle cible. Paak a réalisé une comédie façonnée à la fois par son passé et par sa relation avec son fils. Le film est maladroit à certains endroits, comme c'est souvent le cas dans les débuts de réalisateur, notamment avec des problèmes de rythme et de ton étranges, mais c'est aussi un film sympathique, porté par la personnalité jubilatoire de Paak à l'écran et son timing comique enjoué. Je ne suis toujours pas sûr de ses talents de réalisateur, mais je suis convaincu de ses talents d'acteur, et c'est déjà quelque chose.

.Paak joue le rôle de BJ, un musicien de Los Angeles qui a eu une relation avec une femme coréenne nommée Yeji (une excellente Jee Young Han) il y a 12 ans. Elle est partie, mais il n'a pas vraiment fait grand-chose depuis ce jour-là, travaillant toujours dans un bar de quartier qui est de plus en plus agacé par ses solos de batterie. Lorsqu'on lui propose de jouer de la batterie dans une émission de télévision pop coréenne (pensez à « American Idol » mais BTS), il l'accepte et tombe par hasard sur la vie d'un des jeunes candidats, joué par le vrai fils de .Paak, Soul Rasheed. Bien sûr, l'enfant est le vrai fils de BJ, ce qui le réunit avec sa mère alors qu'il essaie d'enseigner à son garçon sa culture unique.

« K-Pops » est à son meilleur lorsqu’il s’appuie sur ses idées culturelles. Il y a une scène fantastique dans laquelle BJ rencontre d’autres Noirs en Corée et surprend son fils avec ce qui ressemble à une amitié instantanée en raison de leur culture commune. Paak lui-même est également noir et coréen, ce qui a contribué à faire de lui un artiste qui sait fusionner différents horizons pour créer quelque chose de nouveau et de beau, sans perdre aucun des deux. « K-Pops » ne méprise pas la musique pop au lieu d’en révéler une autre couche, pleine d’exubérance et d’expression.

Malgré ses défauts, « K-Pops » a indéniablement été réalisé avec amour : amour de la musique, amour de la culture pop (il y a quelques noms fantastiques et des apparitions), amour de la famille et vraiment amour de la diversité que l'on peut trouver dans ce monde magique. Il n'est pas seulement inspiré par le passé de son fils, mais donne parfois l'impression d'avoir la vision du monde d'un adolescent bien équilibré : brillant, dynamique et avec une bande-son de folie.