TIFF 2024: Millers in Marriage, Sketch, The Deb | Festivals & Awards

Dans mon dernier article sur le Festival international du film de Toronto de cette année, j'ai regardé trois films sur des familles en crise. Dans le drame d'Edward Burns « Millers in Marriage », trois frères et sœurs d'une cinquantaine d'années se demandent comment les relations se transforment et changent avec l'âge. Dans le film imaginatif de Seth Worley « Sketch », le chagrin partagé d'un père et de ses enfants se manifeste par les monstrueux croquis d'un enfant qui prennent vie comme par magie. Enfin, dans la comédie musicale « The Deb » de Rebel Wilson, deux cousins ​​apprennent à voir la valeur de l'autre et le pouvoir de la communauté partagée.

À un moment donné dans «Les meuniers en mariageDans le 14e film du scénariste-réalisateur-producteur-star Edward Burns, Johnny (Benjamin Bratt), journaliste musical sur le déclin, récite les paroles de la chanson « Suite : Judy Blue Eyes » en disant : « Ne laissez pas le passé nous rappeler ce que nous ne sommes pas maintenant. » Il partage une bouteille de vin avec Eve (Gretchen Mol, dans la meilleure performance de sa carrière), une ancienne rock star des années 90, qui a abandonné le show-business pour fonder une famille avec son manager, Scott (Patrick Wilson), aujourd'hui alcoolique. Eve est l'une des trois Miller du titre du film. C'est une femme pleine de regrets mais qui n'a pas encore renoncé à tous ses rêves.

Raconté de manière transversale et non linéaire, reproduisant la façon dont certaines personnes de notre vie peuvent nous faire revenir des souvenirs du néant, le film se termine par le voyage d'Eve alors qu'elle évalue l'état de son mariage. Nous suivons également son frère Andy (Burns), un artiste séparé de sa femme dominatrice Tina (Morena Baccarin), et qui entame un nouveau chapitre avec une divorcée pragmatique nommée Renee (Minnie Driver, la meilleure actrice du film). La troisième Miller est Maggie (Julianna Margulies), une écrivaine dont les romans relatant les problèmes du champagne dans l'Upper East Side connaissent un succès fou. Pendant ce temps, son mari Nick (Campbell Scott, ressemblant presque à une copie conforme de son père) est un romancier aux sujets plus « sérieux » qui souffre actuellement du syndrome de la page blanche.

Stephen Stills a écrit « Suite : Judy Blue Eyes » alors que sa relation avec sa collègue musicienne Judy Collins commençait à se détériorer. Le film examine les effets du vieillissement et de la croissance sur les gens et ce qui se passe lorsque les rêves changent, mais que l’amour continue de couler éternellement. Burns explore ces mêmes thèmes avec ses personnages, qui entrent tous dans une troisième phase de leur vie. Ils ont établi des carrières (dans le cas d’Eve, elles les ont différées), ont eu des enfants et ont fondé des familles. Qu’arrive-t-il à une famille lorsque les enfants partent pour fonder la leur ? Que se passe-t-il lorsque votre carrière prospère mais que votre relation reste stagnante ? Et si pendant que vous grandissez en tant que personnes, vous vous éloignez également ? Je dois moi-même vieillir car même si je suis d’une génération plus jeune que les personnages de ce film, je pouvais moi-même m’identifier à bon nombre de ces questions et j’ai quitté le film en réfléchissant profondément à ma propre vie.

« Le film de Seth Worley, scénariste-réalisateur-monteurEsquisser » est un miracle. C'est le genre de film familial, chaleureux et légèrement horrifique, avec lequel j'ai grandi dans les années 80 et 90. Pensez à des films comme « Chérie, j'ai rétréci les gosses » ou « Jumanji ». Il semble totalement original et un peu effrayant, comme peuvent l'être les dessins et l'imagination des enfants.

Le film se concentre sur la famille Watt. Le veuf Taylor (Tony Hale, jamais mieux) fait de son mieux avec ses deux enfants après la mort de sa femme. Cependant, personne ne va bien. Taylor a retiré toutes les photos de leur défunt mari de leur maison et envisage même de vendre la maison. Sa fille Amber (Bianca Belle) surmonte son chagrin en dessinant des monstres de plus en plus violents avec des histoires compliquées. Son fils Jack, inquiet pour sa petite sœur, compense en essayant de régler chaque petite situation.

Lorsque Jack découvre un étang qui répare les objets cassés, il envisage de placer les cendres de sa mère dans ses eaux saphir magiques. Lorsqu'Amber intervient, son carnet tombe à la place, donnant vie à tous ses croquis de la manière la plus merveilleusement horrible possible. Un monstre bleu géant avec des pattes de serpent et des yeux Google nommé Dave attaque leur bus scolaire. Des centaines d'araignées aux yeux rouges – des araignées qui ne sont qu'un œil avec des pattes – volent toutes leurs affaires.

Chaque créature est plus élaborée et spécifiquement étrange que la suivante alors que Taylor, Amber, Jack et leurs amis d'école tentent de comprendre comment vaincre ces monstres plus grands que nature faits de crayons, de marqueurs, de paillettes et de colle. En plus de ses scènes palpitantes et de son humour subtil, le scénario percutant de Worley examine toutes les façons dont le deuil peut se manifester intensément : l'obscurité et la lumière, la douleur, la joie, la colère, la tristesse et l'amour. En fin de compte, nous sommes faits de tous ces sentiments contradictoires, et quelle meilleure façon de les exorciser que par la magie transformatrice de l'art ?

J'ai été un peu rebuté par la description de « The Deb » sur le site Web du TIFF, donc mes attentes étaient assez faibles. (Je n'aime pas non plus les comédies musicales en général.) C'est là qu'un festival de cinéma peut vous surprendre complètement. Dès la première chanson, une critique des problèmes de champagne des gosses riches intitulée « FML », j'ai été accroché par le premier film de Rebel Wilson en tant que réalisatrice courageuse et charmante. La chanson, écrite par Meg Washington et la scénariste Hannah Reilly, donne non seulement le ton de la satire acerbe du film, mais montre également les prouesses de réalisatrice de Wilson. La musique interpole intelligemment la chanson emblématique « It's the Hard Knock Life » de « Annie », avec Wilson dirigeant les adolescentes privilégiées portant des jupes à carreaux stéréotypées d'écolières privées d'une manière qui combine à la fois la chorégraphie de cette comédie musicale antérieure, mais aussi l'iconographie de la favorite du millénaire Britney Spears.

Un montage rapide plus tard, le rôle principal du film, Maeve (Charlotte MacInnes), a été annulé après que son féminisme de patronne de fille éveillée soit allé trop loin, mettant fin à son règne de reine de son école. Mise dans un bus par sa mère à destination de Dunburn, une petite ville de l'Outback, Maeve doit passer l'été avec sa cousine solitaire Taylah (Natalie Abbott). Un film typique de poisson hors de l'eau s'ensuit, dans lequel nous voyons que la vie simple et les rêves de Taylah sont bien plus complexes que ce que Maeve leur a donné le crédit. L'ensemble du film sert à dissiper les mythes sur la culture rurale. En tant que personne ayant grandi dans une communauté rurale isolée, j'apprécie toujours quand un film choisit de ne pas critiquer mais plutôt d'élargir la vision que les citadins ont de la vie à la campagne.

Wilson elle-même joue le rôle de la « mère de la scène rurale » autoproclamée d'Annabelle (Stevie Jean), une chanteuse talentueuse qui a ses propres secrets. C'est le genre de femme qui, selon ses propres termes, met la « chatte dans la campagne ». Wilson est créditée d'autres écritures, et il n'est pas difficile de dire où son humour a aiguisé le scénario déjà dynamique de Reilly. Wilson ne vole jamais la vedette aux trois adolescents principaux, mais les renforce avec sa solide performance de soutien. Le scénario de Reilly s'attaque de manière ludique à toutes les formes de cancel culture, d'alliance performative et à une certaine forme de féminisme moderne qui semble souvent plus enracinée dans un besoin d'attention que dans une quelconque action concrète dans le monde.

Au final, c'est un film sur la recherche de sa propre force, sur le fait d'aider les autres plutôt que de les juger. C'est un film joyeux, mais qui n'a pas peur d'utiliser un langage un peu coloré. Pour moi, c'est l'une des révélations les plus surprenantes du festival et, pour une fois, un film digne de ce nom, qui plaira vraiment au public, pour clôturer ce merveilleux festival.