TIFF 2024: Bonjour Tristesse, The Fire Inside, The Last Showgirl |

Un thème commun à de nombreux films du festival de cette année est celui des voyages intérieurs qui forcent les voyages extérieurs. Dans ce premier film de l'écrivaine Durga Chew-Bose, elle adapte le roman d'apprentissage de Françoise Sagan Bonjour Tristesse Afin d'explorer comment la maturation émotionnelle passe parfois par des actes de cruauté. Le premier film de la directrice de la photographie Rachel Morrison, nommée aux Oscars, « The Fire Inside », explore le chemin semé d'embûches vers l'estime de soi malgré les inégalités du monde à travers l'histoire de Claressa Shields, deux fois championne olympique. Dans le dernier film de Gia Coppola « The Last Showgirl », Pamela Anderson joue une danseuse qui ne veut plus se battre avec les autres pour leur acceptation, car elle l'a déjà trouvée pour elle-même.

Une adaptation du roman acclamé de Françoise Sagan de 1954 sur le passage à l'âge adulte, «Bonjour Tristesse » est un triangle amoureux tordu entre un père, une fille et une femme de leur passé, qui a été porté pour la première fois sur grand écran en 1958. Cette version, réalisée par Otto Preminger, a été entravée par les règles de production, mais a eu du feu grâce à la force de son casting, qui comprenait Jean Seberg, David Niven et Deborah Kerr. Les deux œuvres laissent une sacrée lignée à suivre. C'est un projet audacieux pour un premier long métrage, et je félicite la scénariste-réalisatrice Durga Chew-Bose pour sa tentative, même si je trouve que l'exécution manque un peu.

Tourné dans le port de pêche méditerranéen de Cassis, le film est aussi magnifique qu'une carte postale ou qu'un livre de photos de voyage. Chew-Bose évoque le décor du milieu du siècle du matériau source à travers une direction artistique et une conception des costumes intemporels, bien qu'elle révèle lentement le décor moderne de son film à travers l'apparition occasionnelle d'un téléphone portable. Cette intemporalité est renforcée par le rythme langoureux du film, lui-même apparemment inspiré par les œuvres de l'auteur français Éric Rohmer, maître du malaise estival.

C'est là que réside le problème. Alors que la Cécile du livre et du film précédent est toujours un peu espiègle, Lily McInerny, qui était si bonne il y a quelques années dans le drame Palm Trees and Power Lines, joue le personnage de manière beaucoup plus réservée, presque impénétrable au début du film. Cela signifie que son grand passage de l'espièglerie à la cruauté survient presque trop brusquement dans les séquences finales précipitées du film. De même, Claes Bang joue le père de Cécile, Raymond, presque comme s'il était sous Xanax pendant tout le film. Son charme mégawatt est atténué d'un pouce.

Naïlia Harzoune est une merveille dans le rôle d'Elsa, l'amante actuelle de Raymond, dont la passion insuffle au film presque son unique énergie ou sa seule énergie. Bien que le personnage soit plus réservé par nature, Chloë Sevigny dans le rôle d'Ann, la meilleure amie de la défunte mère de Cécile et la future amante de Raymond, livre la meilleure performance du film. Derrière sa réserve se cache un esprit mordant et caustique, qui vous fait réfléchir et Le film fait rire. Il est donc dommage que le rythme lent freine l'escalade des émotions ressenties par les trois femmes, ce qui termine le film sur un gémissement plutôt que sur un coup d'éclat. Je suis sûr que le ton discret conviendra à certains spectateurs, mais pour moi, malgré la chaleur estivale magnifiquement rendue, le film m'a finalement laissé de marbre.

C'est toujours intéressant de voir un réalisateur talentueux d'un domaine cinématographique passer à un autre, j'étais donc très enthousiaste à l'idée des débuts de réalisatrice de la directrice de la photographie nominée aux Oscars Rachel Morrison. Cela aide pour ses débuts « Le feu à l'intérieur » Elle travaille avec le producteur et scénariste oscarisé Barry Jenkins. Ici, les deux ont uni leurs talents pour porter sur grand écran l'histoire de Claressa Shields (Ryan Destiny), une adolescente au passé traumatisant de Flint, dans le Michigan, qui est devenue deux fois championne olympique de boxe, puis s'est battue pour l'égalité des sexes en termes de rémunération des athlètes féminines dans ce sport.

Bien que le film soit assez proche de ce que l'on attendrait d'un film de ce genre, puisqu'il décrit le parcours de Claressa vers l'or olympique, il le fait avec le genre de détails simples et vécus et d'empathie que Jenkins a apporté à son film « Moonlight », lauréat du prix du meilleur film. La vie de Claressa est dure, mais elle ne sera pas prise en pitié, et le film ne regarde jamais avec distance. La directrice de la photographie Rina Yang rend les maisons délabrées de Flint et le monde tape-à-l'œil des combats de boxe avec le même soin affectueux, permettant de se concentrer uniquement sur la puissance et la passion de Claressa.

Les meilleures scènes du cinéma sont celles entre Claressa et son coach bénévole Jason Crutchfield, joué par le grand Brian Tyree Henry. Avec des acteurs aussi forts que Henry, il est sage de les laisser faire le gros du travail, et heureusement Morrison le sait. Elle comprend le pouvoir d'un regard pour faire rire ou déclencher une émotion, s'arrêtant souvent sur son visage au lieu de passer aux prises de vue de réaction. Si le timing comique de Henry avec la prononciation des répliques est toujours un régal, ses yeux expressifs sont peut-être son outil le plus puissant. Destiny est tout aussi doué pour transmettre des paragraphes entiers d'émotion d'un seul regard. Ensemble, ils créent le genre d'alchimie qui se produit entre deux personnes qui se connaissent comme un livre, qui peuvent partager une dure vérité aussi facilement qu'un rire.

Un film moins réussi aurait pu s’arrêter lorsque Claressa a remporté sa médaille d’or olympique, mais ce n’est que la moitié de l’histoire. Claressa, comme de nombreuses athlètes féminines, doit faire face à des niveaux de misogynie concernant la façon dont les femmes doivent se présenter en dehors du ring ainsi que sur le ring. Ou, comme le dit la responsable des relations publiques d’USA Boxing, « ce n’est pas juste, mais pour les femmes, ce n’est pas seulement une question de talent. » Claressa a participé aux Jeux olympiques de 2012 et 2016, remportant l’or les deux années. Pourtant, cet été, la future médaillée d’or Imane Khelif a été soumise à des formes de misogynie similaires, et dans certains cas pires, concernant son apparence sur et hors du ring. Comme le dit le dicton, plus les choses changent, plus elles restent les mêmes.

Depuis une dizaine d'années, je correspond par courrier avec ma grand-tante Zay, âgée de plus de 90 ans. Elle m'a raconté des anecdotes de sa vie qu'elle n'a pas racontées au reste de la famille, car je suis aussi « dans le milieu artistique », donc, selon ses propres termes, « je comprendrais ». Elle était showgirl dans les années 1950 (avant que les spectacles ne soient torse nu) et a dansé dans des revues à San Francisco, Chicago, Las Vegas et Reno. Sa famille n'a jamais compris son art. Je pensais souvent à elle en regardant Pamela Anderson dans « La Belle et le Bandit » de Gia Coppola.La dernière danseuse.”

Anderson joue Shelley, la danseuse la plus âgée d'une revue de Las Vegas appelée Le Razzle Dazzle, la dernière du genre sur le Strip. Shelley est une artiste. Elle est consciente de la lignée du spectacle, de son lien direct avec la culture du Lido parisien. Mais les temps ont changé. Les plus jeunes danseuses du spectacle (Brenda Song, Kiernan Shipka) le voient comme un simple spectacle comme un autre. Même sa propre fille (Billie Lourd), avec qui elle est séparée, le voit comme un simple « spectacle de nudité » avec des danses qui ne sont pas si difficiles. Mais pour Shelley, c'est le rêve écrit en grand. C'est « des seins, des strass et de la joie ! », s'exclame-t-elle.

Shelley a donné vie à son art, se sent vivante sous les projecteurs, se délectant du pouvoir d'être vue. Elle a 57 ans, mais elle sait qu'elle est toujours belle, même si le monde lui dit qu'elle ne l'est pas. Elle a fait de son mieux pour vivre de son art, élevant un enfant dans un monde qui valorise le travail du régisseur Eddie (Dave Bautista), qui a une retraite et une assurance maladie, ce qu'elle, malgré ses décennies dans la série, n'a pas, plus que son art. C'est une légende. Elle est le visage sur les affiches. Elle vit de chèque de paie en chèque de paie. Coppola voit la dignité de vivre pour son art. Elle n'a jamais pitié des femmes comme Shelley, ou de sa meilleure amie Annette (Jamie Lee Curtis), une ancienne danseuse accro au jeu devenue serveuse de cocktails. Coppola voit la beauté, au sens classique du terme, de leur art, tel qu'il se préserve malgré le déclin qui les entoure.

En tant que Shelley, Anderson est une révélation, apportant le même équilibre de gaieté et de pathos que Judy Holliday apportait à chacun de ses rôles. Aussi à l'aise dans les paillettes et les paillettes et la gaze du travail qu'elle l'est sans maquillage pendant ses jours de congé. Comme Anderson, Shelley n'a pas été prise au sérieux en tant qu'artiste, et parfois même en tant que personne. Lorsqu'elle dit : « Je suis fatiguée de me défendre » et qu'elle ne regrette pas ses choix de vie, il est difficile de ne pas voir la propre vérité émotionnelle d'Anderson transparaître dans les mots de Shelley. « The Last Showgirl » est un film sur la beauté, la vérité et l'amour. Il m'a brisé le cœur autant qu'il l'a élevé. Des femmes comme Shelley, Pam et ma grand-tante Zay n'auraient jamais dû avoir à défendre leur existence devant qui que ce soit.