TIFF 2022: Devotion, Chevalier, Carmen

Qu’est-ce que cela signifie quand nous disons « les films sont de retour » ? J’ai vu l’expression souvent utilisée, parfois en plaisantant, lancée sur Twitter. Je l’ai aussi entendu prononcé dans les files d’attente sinueuses et dans les afters animées du Festival international du film de Toronto. Après avoir visité l’itération allégée du festival l’année dernière, où les rues étaient si vides qu’elles étaient presque sans nom; le talent est à peine apparu ; les premières projections, avec des capacités limitées, étaient remplies au tiers, et les sièges vides vous rappelaient les amis absents – cette année est en effet différente. Les gens sont revenus ; le tapis rouge frit au soleil ; et les films sont plus grands que jamais.

Et pourtant, pour vraiment dire que les films sont de retour, un élément tangible s’élevant au-dessus d’une ambiance doit être présent. Les films doivent vraiment être bons.

Dans le programme écrasant du festival, j’ai trouvé trois films aventureux et risqués qui vous rappellent les nouvelles histoires de personnages anciens qui peuvent encore être racontées. Ils n’hésitent pas à atteindre des sommets grandioses et ne perdent pas leur touche commune. Ils vous donnent l’espoir que si les films ne sont pas de retour, ils sont sûrement en voie de guérison.

Un de ces films souligne que tous les héros des droits civiques n’ont pas défilé dans les rues. Certains ont volé dans les airs. Jesse Brown, désormais peu connu du grand public, était un tel héros. Au plus fort de la ségrégation, il est devenu le premier aviateur noir à gagner ses ailes grâce au programme de formation de base au pilotage de l’US Navy, inspirant la diversité par sa présence même et ses compétences incommensurables. de JD Dillard »Dévouement”, un morceau d’histoire qui tourne en rond et un drame de guerre exaltant, raconte respectueusement l’histoire impérative de Brown pour une nouvelle génération.

Nous rencontrons d’abord Brown (un viscéral Jonathan Majors, donnant une performance exigeante physiquement et émotionnellement) par le biais de sa voix. Tom Hudner (Glen Powell, qui a également été producteur exécutif) entre dans le vestiaire en tant que nouveau transfert vers l’escadron VF-32. Il arrive en entendant le son de Brown criant des insultes vicieuses et racistes à lui-même dans le miroir. Brown, un survivant de préjugés violents au sein de la marine, écrit toutes les insultes jamais dirigées contre lui dans un cahier, afin qu’il puisse les réciter plus tard pour le courage. Ce détail est l’une des nombreuses façons dont Dillard évite les tentations d’autres films sur les droits civiques, qui tentent de signifier l’importance de leur sujet en adoptant la violence corporelle. Dillard tisse à la place les difficultés auxquelles Brown a été confronté dans le dialogue plutôt que de se tourner vers des moyens horribles.

Alors que beaucoup de gens compareront immédiatement ce film sur la guerre de Corée à « Top Gun: Maverick » (ce qui, au mieux, serait un parallèle superficiel à faire), « Devotion » se suffit à lui-même. Le film détaille principalement l’amitié étroite qui s’est formée entre Brown et son ailier blanc, Hudner, alors qu’ils se préparaient à la guerre. Christina Jackson en tant qu’épouse de Brown, Nix, est un point culminant particulier de la première moitié du film, qui décrit la profonde vulnérabilité de Brown et l’amour qu’il ressentait pour sa famille.

Lorsque nous arrivons à la section de combat de « Devotion », nous avons droit à une expérience immersive où le rugissement dans le cockpit vibre ; la cinématographie d’Erik Messerschmidt (« Mank ») nous ancre solidement dans les dimensions des escarmouches ; le montage de Billy Fox («Dolemite est mon nom») est étroitement enroulé jusqu’aux extrémités saisissantes. Un film de deux heures et demie qui passe littéralement à toute allure, « Devotion » est une sorte de graduation de Dillard, de sa plus petite toile de film de genre à un assaut spectaculaire à grande échelle. Son dernier est aussi divertissant que puissant.

En parlant de personnages noirs historiques peu connus, le scénariste/réalisateur Stephen Williams «Chevalier», un biopic stylistiquement élégant sur le cruel compositeur du XVIIIe siècle Joseph Bologne, tente également de raconter l’histoire du défi d’un homme contre la société raciste qu’il habitait.

Joseph, le fils d’une mère africaine asservie et de son propriétaire blanc, est d’abord vu comme un enfant s’inscrivant dans un internat. Son père blanc l’implore d’être excellent s’il veut être aimé, ce qui entame un terrible cycle toxique. Joseph prend ce conseil à cœur. Il devient maître en escrime, en composition et en violon. La scène d’ouverture audacieuse du film, en fait, voit Joseph défier Mozart dans une bataille de violon déchiquetée qui rappelle l’histoire souvent racontée de Jimi Hendrix demandant à jouer avec Cream, seulement pour qu’Eric Clapton plaisante qu’il avait envie de rentrer à la maison pour s’entraîner après voir Hendrix déchiqueter. C’est un pari ludique qui fait allusion à la volonté de Williams de mélanger les tropes biographiques en incorporant des anachronismes dans l’esthétique du film.

Alors que Joseph est le meilleur ami de la reine Marie Antionette (Lucy Boynton) et détient le prestigieux titre de chevalier, il veut un poste à la mesure de son talent : il demande à être nommé à la tête de l’Opéra de Paris. Joseph, cependant, a deux obstacles majeurs sur son chemin. D’une part, le comité veut un étranger, Christopher Gluck (Henry Lloyd-Hughes) pour diriger l’institution distinguée. Plus important encore, Joseph est noir. Pour obtenir le rôle, Joseph défie Gluck à un concours : Celui qui peut composer le meilleur opéra remporte la position convoitée.

A partir de là, curieusement, « Chevalier » ne s’envole pas avec une histoire sur Joseph (on apprend à peine des informations biographiques sur lui). Au lieu de cela, il s’agit principalement d’un récit d’amour interdit entre Joseph et Marie-Joséphine (Samara Weaving), une chanteuse d’opéra blanche douée avec un mari très jaloux et sauvagement raciste. Joseph découvre bientôt que même si l’excellence compte, il s’agira toujours de la couleur de sa peau. C’est une situation qui réveille un enfant noir avec de graves problèmes d’identité qui doivent être résolus.

Au cours de sa relation récurrente avec Marie, Joseph retrouve sa mère (Ronke Adekolujeo), découvre ses racines et découvre que les Blancs, aussi amicaux soient-ils, ne doivent pas faire confiance. À certains moments, l’utilisation d’anachronismes submerge le drame au point d’ouvrir des bosses inconsciemment comiques. Et la façon lâche dont Williams se plie dans la Révolution française ne rend pas service au complot. Mais le toujours fringant Harrison donne une performance totalement libératrice, élevant les parties inférieures de ce biopic pour une interprétation visuellement resplendissante et captivante d’un génie musical.

Je crois que je n’ai jamais vu un film comme celui de Benjamin Millepied « Carmen.” Une interprétation moderne de l’opéra classique du XIXe siècle, c’est un grand swing créatif somptueux et vertigineux qui se connecte à tous les niveaux de narration.

La réinvention audacieuse de Millepied refaçonne « Carmen » comme un récit frontalier, dans lequel, à la suite du meurtre de sa mère par des cartels, Carmen (Melissa Barrera) traverse du Mexique à l’Amérique dans l’espoir de danser dans une boîte de nuit appartenant à un ami de la famille (un Rossy vital de Palma). Son voyage tourne à gauche, cependant, lorsqu’un agent brutal de la patrouille frontalière la trouve. Heureusement pour Carmen, elle s’échappe de justesse quand Aidan (Paul Mescal), un soldat fraîchement débarqué d’Afghanistan, non seulement la libère, mais part en fuite avec elle. Entre esquiver les flics, les deux hors-la-loi finissent par tomber amoureux d’une romance torride faite de sueur et de danse.

À certains moments, le mélange de dialogue et de mouvement de Millepied donne à son film une impression d’informe. Heureusement, le montage inventif de Dany Cooper (« La légende de Molly Johnson ») et la magnifique cinématographie cinétique de Joerg Widmer (« Une vie cachée »), qui présente souvent des similitudes avec « Ema » de Pablo Larraín, nourrissent les yeux des téléspectateurs. avec des plans larges illimités du désert aride et des plans de suivi panoramiques à main levée de décors urbains évocateurs. Et tandis que Mescal et Barrera donnent des performances envoûtantes, en particulier la forme de ballet expressive de Barrera, ce sont les cordes grincheuses du compositeur Nicholas Britell et ses interprétations musicales élégantes du corps qui sont la vedette ici. Les 30 dernières minutes du film – une conclusion rapide, évanouie, mais tragiquement romantique – sont une expérience cinématographique transcendante dont l’impact se fait sentir dans le théâtre sombre, dans des espaces extérieurs lumineux et dans les jours qui suivent le son de sa dernière note.