Vendredi soir, le Festival international du film de Toronto explose vraiment alors que de plus en plus de journalistes, de gens de l’industrie et de stars arrivent pour profiter de tout ce que l’événement a à offrir. Dans une partie de la ville, les sorties en salles à venir comme « Bros » et « The Woman King » avaient leurs premières mondiales (cliquez pour les critiques des deux), mais je me suis concentré cette année sur ce qui pourrait être considéré comme des films plus petits de cette section du fest, y compris un petit drame canadien qui, je l’espère, deviendra très, très grand.

Clément Virgo « Frère » est cette chose merveilleuse que chaque festivalier veut vivre : la vedette inattendue. C’est facilement la meilleure première des premiers jours du festival pour moi. Virgo admire sans vergogne le travail de Barry Jenkins, en particulier « Si Beale Street pouvait parler », et j’ai l’impression qu’il y a aussi un soupçon de films « Small Axe » de Steve McQueen, mais il a aussi sa propre voix confiante et lyrique. Son film complexe déballe le chagrin des Noirs d’une manière que nous n’avons pas vraiment vue si souvent. Nous avons vu de nombreuses histoires de lutte et de violence, mais rarement le bilan émotionnel et même physique que cela entraîne pour les êtres chers et toute une communauté.

« Brother » est un drame émouvant sur un jeune homme forcé en quelque sorte d’être un patriarche – il protège son jeune frère chaque fois que possible – mais est aussi un être humain vulnérable à part entière, quelqu’un qui connaît le danger potentiel à chaque coin de rue. . Pourtant, il refuse de baisser les yeux de honte ou de se retirer dans la peur. Et puis le scénario de Virgo, basé sur le livre de David Chariandy, reflète cela avec un autre jeune homme, un frère, forcé d’être aussi un protecteur.

Le phénoménal Aaron Pierre (« The Underground Railroad ») joue Francis et Lamar Johnson (« The Hate U Give ») joue son jeune frère Michael. Ce sont des garçons jamaïcains canadiens vivant dans un quartier de Toronto connu sous le nom de Scarborough dans les années 1990, alors que la violence commence à augmenter dans leur communauté. Leur mère Ruth (Marsha Stephanie Blake) doit travailler tard pour mettre de la nourriture sur la table, et ainsi Francis devient une sorte de gardien, protégeant le jeune Michael quand il a peur et lui apprenant à être un homme. Dans le même temps, le film suit Michael dix ans plus tard, révélant tôt que Francis est mort dans cette moitié du film, et Ruth est presque catatonique de chagrin depuis. Quand Aisha (Kiana Madeira), une ancienne petite amie de Michael, revient les voir, Ruth bouge à peine. Michael dit qu’elle ne parle pas beaucoup, et Johnson porte de manière frappante le poids d’une personne forcée à la stase non seulement par le chagrin, mais aussi pour protéger sa mère. La différence de langage corporel entre le jeune Michael naïf et celui qui est toujours hanté par la mort de son frère est subtile mais captivante.

Il y a tellement de détails comme ça dans « Brother », de sa conception sonore fascinante à une belle partition de Todor Kobakov (qui est clairement destinée à rappeler Nicholas Britell, mais il réussit) à la façon dont Virgo capture la géographie et le sentiment de son réglage. Il est si doué pour transmettre l’emplacement des personnes dans un espace, que ce soit l’appartement que nous connaissons si bien, les rues dangereuses qui l’entourent ou une fête à laquelle ces personnages de plus en plus troublés se contentent de sourire et de bouger. Il y a une telle grâce dans le cinéma ici, faisant des allers-retours dans le temps, se construisant comme un thriller à cause de notre conscience que Francis mourra mais ne perdant jamais de vue ses personnages en cours de route.

Cela aide beaucoup d’avoir des talents comme Pierre, Johnson, Blake et Madère dans ce qui est en grande partie une pièce à quatre personnages pendant la majeure partie de l’exécution – il convient de noter que Lovell Adams-Gray est également très bon dans un rôle crucial dans l’acte final aussi. Pierre est un interprète tellement captivant, quelqu’un avec une présence physique incroyable mais aussi un courant émotionnel profond dans son langage corporel et ses yeux. Il comprend que Francis est à cet âge où il veut quelque chose de plus qu’un avenir prévisible de travail subalterne et il est de plus en plus frustré par les déceptions de sa vie. Johnson lui correspond battement pour battement, voyant comment Francis prend de plus en plus de risques et réalisant que la confiance de son frère pourrait bientôt être dangereuse. Et puis il y a Blake, qui transmet un chagrin et un traumatisme profonds d’une manière qui ne se sent jamais manipulatrice.

« Brother » est le genre de film qui, j’espère, obtiendra un grand distributeur, mais l’inquiétude restera coincée dans le circuit des festivals et ne s’élargira jamais. C’est trop bien de laisser faire ça. Ce film mérite votre attention.

Bien sûr, cela aide d’avoir une star si vous essayez de surmonter cette bosse pour une large diffusion, et Gabe Polsky « La traversée du boucher »en a un énorme dans Nicolas Cage, surfant sur une vague de succès pour des films comme « Pig » et « Le poids insupportable d’un talent massif ». La Cage ici n’est pas aussi discrète que celle de ces dernières années, mais il n’y aura pas non plus de clips YouTube de sa performance. C’est quelque part entre les deux et, malheureusement, un peu incohérent. Il n’a jamais vraiment compris le degré de menace de ce méchant occidental, mais c’est surtout le produit d’un film trop inerte et trop superficiel pour creuser dans les fondements philosophiques profonds de sa source.

Les co-auteurs Polsky et Liam Satre-Meloy adaptent le roman bien-aimé de 1960 de John Williams, l’un des premiers livres de ce type à vraiment déconstruire le Far West sous forme littéraire – je n’ai pas lu le livre mais j’ai fait quelques recherches pour voir en quoi il diffère et j’ai vu quelques comparaisons avec Cormac McCarthy si vous cherchez un ton. L’histoire se déroule dans les années 1870 alors que les voyages vers l’Ouest commencent à produire de moins en moins de résultats positifs. Et pourtant, cette région avait toujours ce tirage au sort, même pour un gamin de Harvard nommé Will Andrews (Fred Hechinger), qui laisse tout derrière lui pour trouver un but dans les Rocheuses. (Dans le livre, il est apparemment inspiré par Ralph Waldo Emerson.) Bien sûr, quiconque a vu un western sait que le gamin de la ville va apprendre une chose ou deux sur la brutalité de la vie à la campagne.

Will se lie avec un chasseur de bisons nommé Miller (Cage), une figure imposante qui parle d’une vallée qu’il a autrefois trouvée remplie de milliers de bêtes, assez pour se retirer des bénéfices réalisés en vendant leurs peaux. Will accepte de financer un voyage de chasse et le couple part avec deux autres voyageurs, un thumper biblique (Xander Berkeley) et un joker (Jeremy Bobb). Le nominé aux Oscars Paul Raci et la grande Rachel Keller jouent des rôles relativement ingrats en ville, mais la majorité du film se compose de quatre hommes sur la piste, et au moins l’un d’entre eux n’est peut-être pas complètement sain d’esprit. Je vais vous donner une idée qui.

« Butcher’s Crossing » n’est pas un slog déprimant, mais il a un défaut fatal géant en ce que son protagoniste est une sorte de trou noir. Nous n’en savons tout simplement pas assez sur Will pour nous soucier de ce qui lui arrive et sa progression d’enfant de Harvard à chasseur de bisons ressemble simplement à une fonction de l’intrigue. Ce n’est pas la faute de Hechinger, et je parie que le personnage est plus riche sur la page, mais cela ressemble à une adaptation qui touche les points de l’intrigue de sa source tout en manquant la majeure partie du sens entre les lignes.

Une qualité tout aussi terne imprègne la décevante de Stephen Frears « Le roi perdu » une réunion du réalisateur nominé aux Oscars avec les scénaristes de son « Philomena », nominé aux Oscars, Steve Coogan et Jeff Pope. Ils adaptent l’histoire vraie de Philippa Langley (Sally Hawkins), une mère divorcée de deux enfants qui est devenue obsédée par la correction du dossier et la recherche des restes du roi Richard III. Il y a ici des éléments fascinants sur l’histoire révisionniste – l’idée étant que les gens en sont venus à accepter la version de Shakespeare du roi usurpateur déformé – et sur la façon dont il faut parfois une personne unique pour réparer les erreurs du passé. Tout va bien en termes de véritable narration – le genre d’anecdote « avez-vous lu sur la femme au foyer qui a corrigé Shakespeare » que l’on pourrait raconter autour d’un verre – mais peut-être que parfois la légende est plus excitante que la vérité.

Nous rencontrons Philippa à un travail qu’elle déteste avec un ex-mari (Coogan) qui dépose leurs fils sur le chemin de ses rendez-vous avec des matchs en ligne. Elle souffre également d’une maladie physique qui la rapproche de l’histoire de Richard III après avoir vu une production de la pièce avec son fils aîné. Était-il vraiment difforme ? Était-il vraiment un chef illégitime ? Soudain, elle voit Richard partout, littéralement. Il la hante alors qu’elle s’implique dans la Société Richard III, un groupe d’amateurs qui s’assoient et parlent de ce que l’histoire s’est mal passé à propos du roi mais ne semblent pas faire grand-chose à part lever une pinte avec colère. Langley est prête à l’action alors même que les historiens et les bureaucrates tentent de l’en dissuader.

À la base, « The Lost King » est une histoire d’outsider, l’histoire d’une femme qui avait fini d’être bousculée par les hommes qui semblaient prendre plaisir à lui dire qu’elle avait tort. On s’attend à ce que Hawkins soit solide, trouvant l’équilibre de Philippa entre la frustration et la confiance croissante. Les gens qui aiment le film le feront en grande partie pour ce qu’elle y apporte. Son travail était presque suffisant pour moi, mais c’est un cas classique de l’histoire vraie, et probablement le livre qui a d’abord raconté l’histoire vraie, étant plus intéressant que le film à ce sujet.