The Velvet Underground Avis critique du film (2021)

Il se passe autre chose ici, impliquant des dialogues et des signaux musicaux qui se chevauchent et des images sur écran partagé, et c’est tout aussi fascinant : Haynes semble essayer de trouver une ère de streaming équivalente aux spectacles multimédias son et lumière que Warhol et ses amis et les « découvertes » utilisées pour mettre en scène New York dans les années 60 – les « happenings » musicaux/danse/poésie/cinéma expérimental qui comprendraient les Velvets interprétant une chanson, des bobines alternatives de films projetées sur les murs, des membres sélectionnés du public actionnant des projecteurs , et ainsi de suite, tout en même temps. Haynes et le directeur de la photographie Ed Lachman éclairent les interviews d’aujourd’hui à la manière des films « gros plan » de Warhol, avec un éclairage uniforme et un arrière-plan de couleur unie, dans une image « académie » à l’ancienne qui est plus proche d’un carré que un rectangle. L’effet évoque des images réelles prises par Warhol et d’autres cinéastes adjacents à l’usine à l’époque, du matériel qui est également inclus ici.

Tous les matériaux sont traités comme des éléments à disposer dans des compositions à écran partagé qui évoquent les « Chelsea Girls » de Warhol, une « expérience » quasi-documentaire qui est idéalement présentée dans une salle de cinéma où deux projecteurs de films 16 mm peuvent tourner simultanément, projetant deux images sans rapport côte à côte et laissant les bandes sonores se chevaucher et devenir dissonantes, une soupe de dialogue et de son. (« Je n’ai pas à écouter cette merde », a déclaré un ingénieur de studio de Los Angeles au groupe lors de l’enregistrement des années 1968. Lumière blanche/chaleur blanche. « Je vais l’enregistrer, et je m’en vais. Quand vous aurez terminé, venez me chercher. ») Au cours de la première partie du film, la moitié de l’image sur écran partagé est un gros plan Warhol troublant du le jeune Lou Reed vous regarde fixement pendant des minutes. Parfois, l’autre image sur écran partagé sera remplie d’images de tout ce qu’un témoin expert vous dit en voix off. D’autres fois, vous pouvez voir des images floues de Manhattan prises à partir d’un véhicule en mouvement, ou les rayons de soleil psychédéliques qui se produisent lorsqu’une bobine de film s’épuise en passant la porte d’une caméra. C’est godardien, comme dans Jean-Luc, mais c’est aussi warholien et haynésien, et si vous êtes dans le bon état d’esprit, c’est hypnotisant, stimulant le cerveau et tout simplement amusant.

En plus du nouveau et de l’ancien matériel directement pertinent pour le groupe (y compris les premières séquences de « vidéos musicales » et des images d’eux galopant à New York, Los Angeles et dans d’autres lieux), vous voyez également des images de cinéastes qui ont travaillé simultanément avec le Usine ou les a inspirés, du fameux « Empire » à plan fixe de Warhol aux fragments (si mon œil ne me trompe pas!) « Scorpio Rising » de Kenneth Anger et « Meshes of the Afternoon » de Maya Deren. Le son et l’image ne fonctionnent pas simplement ensemble, mais à contre-courant, créant une ambiance plus qu’un récit simple. Même lorsque Haynes (qui a traité certains des mêmes thèmes de manière fictive dans son drame musical « Velvet Goldmine ») est sournoisement conventionnel, frisant le style de la télévision publique, « apprécions tous cette chose incroyable qui s’est produite », vous vous sentez toujours comme si vous êtes plongé dans un kaléidoscope d’impressions, d’associations et d’anecdotes. Ils tourbillonnent à travers l’écran comme les lumières multicolores qui submergeaient le groupe lors des performances live à la Factory, souvent au grand dam de Reed et Cale, qui voulaient que leur musique soit au centre de l’expérience, même s’ils savaient intellectuellement qu’elle n’était qu’une partie d’un tableau plus vaste.