SXSW Film Festival 2025: One More Shot, Mermaid, Sweetness | Festivals

Beaucoup de films ont essayé de faire leur propre version de l'intrigue de «Groundhog Day» de 1993, la première fonctionnalité hollywoodienne qui combinait des règles de jeu vidéo (le héros est coincé dans une boucle temporelle, et si l'horloge s'épuise ou qu'il meurt, il commence) avec les prochains fantasmes de l'auto-amélioration (il apprend de ses erreurs et de ses connaissances dans le prochain rogon). Il y a également eu une mini-tendance connexe de films de science-fiction à petite échelle qui traitent des ruptures dans le temps et / ou l'espace et les appliquent à la vie des gens de tous les jours. L'an dernier, il y avait plusieurs films de ce type à South by Southwest, notamment «The Greatest Hits», «Things seront différents» et «Omni Loop», que j'ai tous passés en revue. Cette année apporte « Un autre coup, » qui se déroule le Nouvel An, 1999, pendant la panique Y2K.

Réalisé par Nicholas Clifford et écrit par Alice Foulcher et Gregory Ernstein, il s'agit d'une jeune femme nommée Minnie (Emily Browning) qui va à une fête qui a également assisté par son ex-petit ami bien-aimé Joe (Sean Keenan) et sa nouvelle petite amie Jenny (Aisha Dee). Jenny est l'une des seules personnes de la fête qui ne faisait pas partie de la même clique universitaire. Un autre est un hôpital ordonné qui se fait appeler C-mot (Hamish Michael) et qui, pour le plus grand plaisir des autres invités, a apporté de la cocaïne. C-mot continue de frapper Minnie tout au long de la fête, et vous commencez à vous demander si finalement Minnie va commencer à l'aimer de cette façon, juste parce que Joe est un tel gâchis à bien des égards (et elle aussi). Elle lui donne une chance, mais pas de cette façon.

It's hard to describe the events in this movie without killing whatever surprises it might hold, because the entire story is fragmented by the introduction of a time travel element: Minnie brought a special bottle of tequila with her, and once she discovers that drinking it presses a cosmic reset button and starts the night over, she begins treating the event the way Bill Murray's character treated the eponymous holiday in his movie: as a real-life videogame to be played over and Dans l'espoir de réclamer le prix ultime, une réunion avec Joe.

Ce serait bien de signaler qu'il y a plus. Mais il y a à peine, à part quelques morceaux brutaux de violence de slapstick qui mènent temporairement le visage et le corps de l'héroïne avec des ecchymoses et du sang. Les personnages, Minnie en particulier, apprennent les choses sur eux-mêmes et les uns sur les autres alors que Minnie revit le réveillon du Nouvel An. Vous pourriez peut-être dire qu'ils sont tous les plus sages à la fin, à travers une équation einsteinienne-humaine. Mais chaque calendrier est sa propre chose et se termine brusquement, et il n'y a aucune indication de savoir si les événements dans une chronologie donnée continuent au-delà de Minnie en prenant une autre gorgée de tequila, donc vous ne pouvez probablement pas rapprocher de ce qu'elle veut, puis de comprendre pourquoi elle ne devrait pas le vouloir.

J'ai vu de nombreux débuts de SXSW qui semblent avoir mieux joué en tant que courts métrages (certains ont commencé de cette façon). Pour toutes ses vertus, y compris les performances de jeu et une bande originale d'époque, c'est une autre. À mi-chemin, vous commencez à avoir l'impression que toutes les cartes du jeu du film ont été jouées. « One More Shot » (un titre avec un double sens évident) aux prises avec sa propre version d'un problème qui a affligé l'un des films de voyage dans le temps à SXSW 2024, « The Greatest Hits », une comédie romantique-drama sur le chagrin dans lequel entendre une chanson particulière déclenche la plongeon de l'héroïne dans le passé et soulève son petit ami mort et leur relation. Je peux appliquer un peu de cette critique à ce film: «[it] devient rapidement répétitif, et il n'y a pas assez de spécificité désordonnée du monde réel pour faire de la répétité le point et la récompense de regarder. « 

Écrivain-réalisateur Tyler Cornack's « Sirène » est un hybride d'un film d'horreur, une romance tordu et condamnée, une satire sur le vide spirituel américain, et une histoire d'un schmuck qui a échoué dans la vie mais croit que prendre soin de quelqu'un (ou quelque chose) pourrait le racheter. Le Schmuck en question, Doug Nelson (Johnny Pemberton), vit seul dans la maison de son défunt père, dépend de l'alcool et des pilules, et a un travail misérable pour nettoyer le aquarium tropical de la benne à ordures dans un club de strip-tease. Lorsque le patron lui dit qu'ils se débarrassent de la banque de poisson et le tirent, Doug semble avoir perdu même le sens du but le plus superficiel. Il devait déjà abandonner la garde de sa fille – le sous-produit de la seule fois où il a jamais eu des relations sexuelles – et doit de l'argent à l'ami menaçant de son père Ron (Robert Patrick). Quel est l'intérêt de se passer? Pourquoi ne pas sauter dans l'océan?

Il trouve une sirène. Ce n'est pas la sirène typique d'un livre pour enfants ou le défilé des sirènes du 4 juillet à Coney Island. Elle ressemble au cousin aquatique au nagement de la queue d'une batte de vampire géant, avec des dents tarplées de rasoir, des yeux laiteux et une peau gris bleuâtre d'un cadavre. Mais Doug la ramène toujours à la maison, la soigne à la santé dans sa baignoire, la drogue pour l'empêcher de lui déchirer le visage ou de reculer dans l'océan, de nomme son destin et commence à la considérer comme sa petite amie. Destiny projectile vomit Black Goo après avoir mangé. Bien sûr, Doug l'habille dans les vieux vêtements de sa mère, la soutient en fauteuil roulant et l'amène à la fête d'anniversaire de sa fille. Imaginez «Splash» combinée à «Weekend at Bernie's», puis ajoutez des vomissements de projectiles et des mangeurs de poissons sanglants.

«Mermaid» est à son meilleur lorsque Doug et Destiny sont seuls dans cette maison opprimée et nous pouvons observer le désir désespéré de Doug pour un fac-similé de connexion tordue. Le destin ne peut pas parler parce qu'elle est une dame de poisson, et même si elle le pouvait, elle est droguée et échouée sur terre, il est donc difficile de dire s'il y a un vrai lien à avoir, et ce n'est pas le but du film. Mais il est difficile de dire quel est le point; «Mermaid» commence une comédie perdante répugnante énervée, troublante et limite qui fera tout pour obtenir une réaction de notre part. Il a une forte section médiane qui en dit long sur la solitude moderne et l'illusion masculine. Ensuite, il pivote le fantasme d'un Crom de sauver son véritable amour des méchants (un peu comme les autres films populaires sur des créatures aquatiques extraordinaires tenues en otage par des personnes qui ne les considèrent que comme des actifs, y compris «la forme de l'eau», «Splash» et «Free Willy»). Il se sent un peu rembourré, et sa fausseté signifie que la performance de l'homme-enfant fascinant de Pemberton et des mâchoires lâches perd un impact au fil de l'histoire.

Mais Cormack a un rapport avec les acteurs et un talent pour trouver la beauté dans les textures en décomposition de la Floride, et il a aidé par les images lumineuses de Joel Lavold ainsi que le travail sur le point par d'autres chefs de département clés (y compris la concepteur de production Allie Leone, le décorateur de sets Alyssa Franks, et la concepteur de costumes Sara Lukaszewski). En fin de compte, les «sirènes» sont plus un premier effort prometteur qu'une expérience pleinement satisfaisante. Mais le fait que vous ayez besoin de plusieurs étiquettes de genre pour même commencer à le décrire confirme qu'elle est faite par des artistes qui ne se soucient pas de choses comme ça, et nous en avons besoin autant que possible.

« Douceur » est une réponse génétique à la «misère». Mais au lieu d'une femme d'âge moyen prude mais finalement terrifiante kidnappant son écrivain préféré et l'emprisonnant dans une cabine dans les montagnes enneigées, les personnages principaux sont une lycéenne de banlieue nommée Rylee (Kate Hallet) et sa pop star préférée Payton (Herman Tømmeraas), dont la musique Rylee Crédits ayant sauvé émotionnellement l'a été décédée après sa mère.

La première partie du film détaille le monde de Rylee et son état émotionnel fragile. Son père Ron (Justin Chatwin), un flic, est endormi dans la vie et semble plus investi dans sa relation avec sa nouvelle petite amie qu'avec ses fonctions de père. Rylee est victime d'intimidation et ignorée à l'école et a l'impression que personne ne l'aime ou la comprend, à l'exception de son meilleur ami Sidney (Ara Furukawa). Une série de coïncidences (si peu probable que même les deux filles doivent s'émerveiller) amène Payton sur leur orbite. Après qu'un Payton drogué, Payton écrase presque sa voiture en ramenant Rylee à la maison d'un concert, Rylee l'emmène dans sa maison (sa pop est temporairement éloignée) et essaie de prendre soin de lui et (elle espère) le détoxifier.

L'intrigue est étrangement similaire à celle de la «sirène», qui n'a autrement rien de commun avec la «douceur», et il y a des affinités avec le «gémissement de serpent noir» de Craig Brewer, un autre thriller «Je vous tiens en otage pour votre bien». Il y a un long tronçon où vous commencez à vous demander si la «douceur» va réellement insister avec un visage droit que Rylee est vraiment un ange de rédemption improbable de Payton, même si elle doit le chaîner dans un sous-sol pour atteindre ses objectifs.

La façon polie de décrire le scénario est de dire qu'elle n'a pas de sens. Beaucoup d'action sauvage, bruyante, parfois extrêmement violente, se produit en plein jour et au milieu de la nuit dans une communauté de banlieue, et pourtant personne d'autre que les personnages principaux remarquent. Le film ne semble pas se décider si Kylee est dérangée par le chagrin et d'autres problèmes ou si elle est vraiment l'instrument émoussé de Dieu. Le dernier tronçon contient de la violence du film d'horreur à sang froid, et étant donné comment Kylee a été présenté à ce point, vous pourriez avoir du mal à le croire. Le film devient plus idiot et plus paniqué au fur et à mesure, et il y a des séquences où il semble que ce soit des excuses pour continuer.

Mais cela vaut la peine de surveiller la direction assurée (beaucoup de longues prises de style Robert Altman avec les zooms de style des années 1970) et la performance centrale de Hallet. Son travail ici ne tient pas simplement un film inégal ensemble, il est si étrangement assuré que, parfois, il semble vraiment que le personnage canalise une puissance supérieure. Souvenez-vous de son nom. Vous le verrez beaucoup.