SXSW Film Festival 2025: Forge, Slanted, The True Beauty of Being

J'ai constaté qu'au SXSW de cette année, il est plus facile de repérer les lignes thématiques qui existent dans les projets. C'est un témoignage des programmeurs pour créer une gamme de là où les films se sentent en conversation les uns avec les autres. Où obtenez-vous des films comme «ensemble» et «l'amitié» – qui explorent tous deux le bilan physique et mental de la codépendance – leurs premières ont-elles été acclamées bruyantes au Paramount? Prenez également «Hallow Road» et «It Ends», qui offrent une vision existentielle sombre du genre du film de road trip. Trois films dans les sections de Spotlight narratives couvrent une foule de genres, du thriller criminel à l'horreur folklorique à la maturité (ces derniers avec une torsion de science-fiction), et explorez comment les tropes et les rythmes de genre traditionnels sont compliqués, enrichis et changés lorsqu'ils sont habités par des protagonistes américano-asiatiques.

Le meilleur mot que je puisse utiliser pour décrire Jing Ai ng « Forge » est «sexy» qui peut sembler une donnée qu'il se déroule à Miami. Pourtant, bien qu'il y ait des agrafes de Miami à l'écran, d'une séquence de club vertigineuse aux couchers de soleil au néon, l'objectif de NG est trop ambitieux pour jouer les succès. Comme ses protagonistes centraux, «Forge» consiste à subvertiser les apparences et les façons dont les non peuvent utiliser les préjugés des gens envers eux pour escroquer et aller de l'avant. C'est un thriller criminel haut de gamme qui n'a pas peur de déposer des ruminations réfléchies sur le lien entre la connaissance et l'amour entre ses scènes de riches qui obtiennent leur comeuppance. Son allure vient de la façon dont il se déplace de manière transparente entre ses différents fils d'intrigue et espaces avec une libération à flux libre, incarnant la façon dont ses personnages centraux doivent osciller entre les identités pour survivre. Le désir, pour l'amour, la richesse, la reconnaissance, et tout le reste, est une force palpable qui suinte de l'écran, mais elle doit également rester cachée dans ce monde où les gens disent une chose mais en signifient une autre.

Il est particulièrement gratifiant d'avoir vu l'équipage talentueux de collaborateurs que Jing a rassemblés ici utilise la multiplicité de leurs talents. Andie Ju et Brandon Soo Hoo jouent des frères et sœurs, Coco et Raymond, respectivement, qui créent des répliques de beaux-arts et les vendent comme s'ils étaient des œuvres non découvertes d'artistes de maîtres. Les deux sont du contenu qui arrache des acheteurs sans méfiance, comme dans la séquence d'ouverture du film où Coco vend à un concessionnaire artistique impatiente (TR Knight). C'est l'un des nombreux moments où Jing subvertit avec espièglerie les stéréotypes et les attentes des Américains d'origine asiatique. Avec le marchand d'art, Coco parle en anglais légèrement brisé et feigne la docilité, gagnant sa confiance et abaissant ses défenses afin qu'il soit prêt à dépenser plus d'argent pour acheter l'œuvre d'art. Au moment où il part, souriant même s'il a une fausse peinture en remorque, Coco laisse tomber l'accent; C'est l'un des nombreux moments où elle devient un caméléon et chaque tromperie réussie est un plaisir à assister. Le nœud du drame démarre lorsque Holden (Edmund Donovan) embauche les frères et sœurs pour recréer la collection d'art de son grand-père qui a été endommagé en raison d'un ouragan afin qu'ils puissent alors les vendre à des artistes locaux. Pendant ce temps, un agent du FBI, Emily (Kelly Marie Tran) commence à parler à une série de clients mécontents qui sont frustrés d'avoir acheté des peintures forgées, ce qui la conduit de plus en plus des opérations de Zhan'g.

Une autre façon dont le script de Jing ajoute des stéréotypes Nuance est dans la relation entre les frères et sœurs Zhang et leurs parents. Bien que leurs parents gèrent un restaurant à succès, ils sont frustrés par le manque d'appareil d'ambition de leurs enfants. Ce qui est humoristique dans leur désapprobation, c'est que Coco et Raymond affichent l'ingéniosité, l'intelligence de la rue et la tact de toute personne apparemment «réussie», elle est simplement déployée dans une industrie moins que savoureuse. L'édition énergique au nom de la partition électrisante de Leo Purman Ian Chang et Marco Carrión est également en dissonance délicieuse à la vocation choisie de Zhang et à leur désir de garder leurs plans dans l'obscurité et en particulier à briller dans les scènes était que Coco recréent les peintures (si les gens étaient inquiets que «comment faire exploser un pipeline» pour instruire les gens qui voulaient créer leurs explosifs, «pour le début» de la fin de la poube Sortie d'art).

Un moment hors concours entre Coco et Holden agit non seulement comme une résumé des thèmes du film dans son ensemble, mais aussi comme un commentaire intéressant sur le rôle des contrefaçons et des contrefaçons. Pour Holden, elle décrit que pour créer correctement une œuvre forgée, elle doit avoir une compréhension intime et profonde de l'œuvre d'un artiste. Pour créer quelque chose de «nouveau», elle doit connaître tous les coups de pinceau qu'ils ont pris, les matériaux avec lesquels ils ont travaillé et quels sont les secrets d'un artiste. Pour Coco, faire attention et créer à partir de cette attention, est un acte d'amour. C'est un témoignage que le film de Jing, si riche en détail concernant les histoires culturellement spécifiques et les particularités de la ville de Miami, cours avec cette même affection infectieuse et fascinante.

La subtilité est dans un approvisionnement quelque peu clairsemé dans le directeur Amy Wang « Incliné, » Mais son point de vue bruyant sur les angoisses et les traumatismes de l'expérience de couleur tout en vivant dans la culture majoritaire montre une attention remarquable alors qu'elle aurait pu facilement être une tirade à une note. Il est cathartique de voir la rage si singulière et justifiée à l'écran et bien que les gens s'amuseront à penser aux films qu'il riffait (Cue the « Mean Girls » rencontre « la substance » des comparaisons), il partage le plus de parenté avec un projet comme « Grefted » de cette année qui a également utilisé l'horreur corporelle comme moyen de commentaire.

Shirley Chen incarne Joan Huang, un lycéen chinois qui rêve de devenir reine du bal. Dire qu'elle est mal à l'aise dans sa peau est un euphémisme; Après un bref flash-back mettant en vedette un jeune Joan (Kristen Cui) transpercé d'une publicité avec une publicité mettant en vedette des femmes blanches, nous voyons d'abord Joan essayer de modifier son visage et ses yeux pour ressembler à une camarade de classe blanche, Oliva (Amelie Zilber). C'est clair pour elle, la beauté et l'acceptation sont intimement liées à la blancheur. Il y a d'autres moments intelligents Wang Interlopes pour indiquer la honte de Joan à propos de sa culture, comme son insistance sur l'utilisation d'une fourche ou d'une cuillère pour manger pendant que ses parents utilisent des baguettes ou des réponses vivement en anglais pendant que ses parents essaient de parler chinois. C'est dans ces scènes que le film de Wang prospère. «Slanted» réalise un équilibre intelligent entre être réservé subversivement et fort quand il faut l'être. Après avoir été témoin de la scène après la scène de Joan évité, négligé ou méprisée pendant que ses pairs blancs à l'école sont acceptés, elle passe sous une chirurgie expérimentale de modification ethnique qui change ses yeux, son visage et sa couleur de cheveux pour être blanche. La façon dont ces scènes sont tournées est correctement étrange, avec le changement de rapport d'aspect et tout est donné un brillant brumeux et granuleux, si effervescent qu'il est artificiel.

Après la transformation, Joan est jouée par McKenna Grace, et Wang contraste son augmentation de popularité à l'école avec les retombées domestiques de sa décision. « [Your grandma] A vécu sur votre visage », explique en larmes le père de Joan (Fang Du), faisant référence au fait que Joan avait les yeux de sa grand-mère. C'est une ligne qui aurait pu facilement être un jeu de mots ou une langue en joue, mais la livraison de Du et la conscience de la tragédie d'une telle décision donnent à la scène son poids et sa diligence.

Comme pour tout traitement de la peau expérimentale, il est toujours important de lire les petits caractères, et Joan commence à ressentir des effets secondaires de sa procédure, le film prend un virage pour l'horrible mais il ne semble jamais grotesque distrayant. C'est un développement extrême, mais c'est dans ces extrémités que Wang niche ses critiques. Il y a un chagrin et un chagrin unique qui accompagnent la réalisation que nous pouvons faire certains de nos choix les plus qui changent la vie lorsque nous sommes jeunes, mais que nous devons potentiellement vivre avec ces conséquences pour le reste de nos vies. Le sentiment de haine de soi que Joan se débatte ne vient pas d'un vide et au fil du temps, ils se cassent dans un sentiment de dégoût palpable. Bien que «incliné» ne laisse certainement pas Joan décrocher ses actions, il remet en question le système qui l'entoure qui a inculqué ce sentiment d'insatisfaction à l'égard d'elle-même. Il remet en question les images que nous consommons lorsque nous sommes jeunes et comment ces images peuvent façonner notre sentiment d'identité et de personnalité. C'est ce chagrin ancrant qui fonde même si la chair commence à tomber, à peler et à se décomposer.

Ensuite, il y a « La vraie beauté d'être mordu par une tique »,  » qui peut ne pas expliquer explicitement à la race de la même manière que «forger» et «incliné», mais puise dans un sentiment de sentiment universel de frustration lorsque des émotions enterrées comme le chagrin et la frustration ne sont pas données pour s'échapper. Tourné un peu plus de deux semaines et avec un script où ses acteurs réécriraient parfois le dialogue du lendemain la nuit précédente, «la vraie beauté d'être mordu par une tique» grooves avec un tempo improvisé et charmant indéfini que vous ne pouvez pas vous empêcher d'être amoureux de son horrible sort claustrophobe.

Après avoir subi une tragédie bouleversante, Yvonne (Zoë Chao), va rendre visite à son amie Camille (Callie Hernandez), laissant sa place dans la grande ville à la résidence de Camille à la campagne. Dès le début, on nous donne une percée à la frustration lentement de Yvonne; Après son arrivée chez Camille, elle est saluée non seulement par son amie mais aussi par Isaac (Jeremy O. Harris) et son petit ami AJ (James Cusati-Moyer). La dernière chose que Yvonne veut faire après un long trajet en voiture est de rencontrer de nouvelles personnes, et encore moins de partager un repas, mais elle est rapidement entraînée dans les rythmes du trio. AJ fabrique de délicieux repas faits maison avec des produits locaux et Isaac présente des jeux de fête et des sujets de conversation qui sont destinés à retirer Yvonne de son chagrin et de sa tentation de se retirer derrière un écran de téléphone. La «vraie beauté» de ces séquences est que OSS encadre ces moments intimes qui sont en théorie, censés être accueillants et invitants, avec une lentille si déconcertante que nous ressentons à quel point Yvonne doit être piégé. Des gros plans qui se concentrent sur chaque pore du visage d'O. Harris à la conception sonore délicate de la nourriture qui est consommée qui contraste fortement avec la façon dont il est «délicieux», il y a une dissonance distincte entre le confort que nous avons promis verbalement et les horreurs avec lesquelles nous sommes accueillis visuellement et sonores. Yvonne ne fait plus que SPURALS lorsqu'elle reçoit la morsure de la tique titulaire. Plutôt que sa guérison des blessures, la morsure ne fait que devenir plus grande et à chaque égratignure et pick, la frontière entre sa réalité et sa douleur commence à se fermer sur elle-même.

En dire plus sur l'intrigue du film risque de gâter certains des développements inquiétants, mais les fans du travail de l'OHS feront sans aucun doute le remplissage de la façon dont il mélange le grotesque, attachant et profond tout en un. Ses projets excellent dans l'exploitation des particularités d'une émotion particulière ou d'un sentiment maladroit et de «la vraie beauté d'être mordu par une tique», se concentre sur la révélation déconcertante du moment où nous réalisons que les amis sur lesquels nous comptons ne peuvent plus être notre source de confort ou d'évasion. Nous pouvons penser que nous pouvons fuir la douleur et avoir évolué, mais les traumatismes que nous vivons façonnent fondamentalement notre sentiment de compréhension, même si nous aimerions penser qu'ils n'ont aucun pouvoir. Comme une morsure de tique, les réverbérations vont bien au-delà de la première incision.