Sundance 2023: Shayda, A Thousand and One, When It Melts

Le traumatisme est depuis longtemps un thème du cinéma indépendant – cela ne coûte pas cher de raconter des histoires de résilience humaine. Et il est donc logique qu’un festival comme Sundance ait une large sélection de ce qu’on pourrait appeler du cinéma déprimant. Cependant, « déprimant » est souvent un descripteur plus complexe qu’il n’y paraît. Deux des films de cette dépêche sont indéniablement sombres, mais ils surmontent cette humeur grâce à des détails de personnages denses et à un cinéma d’as. Le troisième se vautre dans sa morosité avec trop peu d’art pour contrebalancer le sentiment que le public est simplement puni pour avoir acheté un billet.

Le meilleur des trois est les débuts personnels confiants de Noora Niasari « Shayda », qui a remporté un prix du public ce week-end pour le programme World Dramatic Competition. Apparemment basé sur la propre expérience du cinéaste, ce drame déborde de vérité, en grande partie grâce à une performance époustouflante de Zar Amir Ebrahimi, lauréat de la meilleure actrice à Cannes pour « Holy Spider ». Ebrahimi joue une mère qui se cache dans un refuge pour femmes en Australie, traitant alternativement le traumatisme de son passé et essayant de façonner un nouvel avenir pour sa fille. Avec son mari violent dans le mélange narratif, « Shayda » bourdonne avec une terreur inévitable. C’est un bras de fer entre l’espoir et la peur qui donne à Ebrahimi la plate-forme pour se tailler un personnage complètement en trois dimensions. Nous venons prendre soin de Shayda et de sa fille. Et, par extension, les milliers de femmes dans la situation tragiquement la même dans le monde

« Shayda » se déroule en 1995 et présente son personnage principal, interprété par Ebrahimi, et sa fille Mona (Selina Zahednia) dans presque toutes les scènes. Shayda a déménagé en Australie avec Mona et son mari Hossein (Osamah Sami), mais ses abus quotidiens, y compris le viol, sont devenus insupportables, la forçant à entrer dans un refuge dont le lieu n’est pas divulgué – la peur que quelqu’un découvre où vivent Shayda et Mona donne à Niasari filmer l’élan d’un thriller, sublimé par un rapport hauteur/largeur contraint qui nous fait nous sentir aussi pris au piège qu’eux. Dans un sens, alors même que ces personnages recherchent la liberté, ils se piègent dans une vie qui fait de toute sorte d’erreur une erreur potentiellement mortelle. Cela n’aide pas que Shayda soit forcée de laisser Hossein voir sa fille par les tribunaux. Et si Mona laisse tomber un détail sur leur emplacement ? Cela pourrait non seulement les mettre en danger, mais aussi les autres femmes qui y séjournent.

Ebrahimi donne une performance époustouflante, qui équilibre à la fois une peur palpable et un courage époustouflant. Nisari met beaucoup sur ses épaules, racontant traditionnellement l’histoire et réalisant que son personnage principal sera ce qui comptera pour les téléspectateurs. Voir Shayda essayer de rester une partie de la communauté iranienne en Australie – tout en rejetant les croyances démodées qui insistent pour qu’elle revienne à son mari – donne au personnage l’impression d’être à la fois complet, crédible et progressiste. Nous croyons à la fois à sa peur et à son espoir dans une égale mesure. Ils peuvent parfois exister dans le même espace.

Il y a un équilibre similaire d’espoir et de peur dans l’excellente performance de Teyana Taylor dans AV Rockwell « Mille et un », un gagnant quelque peu surprenant du Grand Prix du Jury dans le programme US Dramatic Competition du festival de cette année. (Les précédents gagnants récents incluent « CODA » et « Whiplash ».) Une fois de plus, c’est l’histoire d’une mère protégeant un enfant alors que Taylor joue une femme de New York nommée Inez qui kidnappe son fils d’un programme d’accueil, changeant son nom et s’assurant il reste silencieux sur ses antécédents.Le secret partagé entre Inez et Terry définit leur relation, un secret qui augmente la tension alors qu’un garçon devient un homme et découvre finalement que maman cachait plus qu’il n’aurait jamais pu l’imaginer.

Il y a deux raisons pour lesquelles « Mille et un » a pu se connecter avec les téléspectateurs et s’élever au-dessus d’un récit relativement artificiel (bien que les artifices des scènes finales soient suffisants pour que ce ne soit pas mon choix sur quelque chose comme « All Dirt Road Taste de sel »).

Premièrement, il y a la performance complètement engagée de Taylor. Elle a une présence à l’écran remarquablement naturelle, disparaissant instantanément dans son personnage d’une manière qui fait disparaître l’actrice. Nous pensons que nous regardons une femme nommée Inez au milieu des années 90 à New York dans chaque scène. C’est l’un de ces virages d’acteur qui vous donne envie de voir ce qu’un artiste fait ensuite en ce moment. Taylor pourrait être majeur.

La deuxième force de « A Thousand and One » est l’utilisation transportive du décor par Rockwell. Le film vibre de l’énergie du New York des années 90, utilisant des extraits sonores et des faits divers pour rappeler constamment la dynamique de sa pièce d’époque, mais aussi pour donner au film le sentiment de la vie autour d’Inez et Terry. Au fur et à mesure qu’ils changent, le quartier s’embourgeoise autour d’eux et les détails du décor fondent leur histoire sans doute mélodramatique. Si c’était comme si Inez et Terry n’existaient que sur des plateaux modernes, « Mille et un » n’aurait pas le même jus. En accordant tant d’attention au monde qui les entoure, nous en venons à nous soucier d’Inez et de Terry.

Malheureusement, Veerle Baetens ne peut pas se rendre au même endroit avec son brutale manipulation « Quand ça fond », un film qui nécessitait une vérification de l’âge avant la projection parce que c’est une expérience si sombre et horrible. Lorsque vous allez faire souffrir un public à travers les endroits sombres de cette histoire, le voyage doit en valoir la peine, et « When It Melts » n’y arrive pas tout à fait. Il y a une performance vraiment solide de sa jeune star qui l’empêche d’échouer totalement, mais c’est un film qui indique très clairement dès le début que vous allez regarder quelque chose d’horrible dans l’acte final, et pourtant cela ne le dit pas clairement pourquoi vous devriez rester pour le faire. Et puis ça se termine sur une note si sombre, rendant les deux heures qui ont précédé encore plus punitives. Je respecte les films voulant montrer l’extrême horreur de la violence et des traumatismes d’une manière qui ne cligne pas des yeux, mais il faut qu’il y ait plus que cela pour s’y accrocher. Sinon, ce n’est que de la torture.

« When It Melts » se déroule dans une structure présent/flashback, principalement cette dernière. De nos jours, nous rencontrons Eva (Charlotte De Bruyne), qui tombe sur une publication sur les réseaux sociaux à propos d’un mémorial pour un vieil ami du village dans lequel elle a grandi. Sa réaction à ce message montre clairement qu’elle a un traumatisme lié à cette personne et à sa jeunesse, et les flashbacks se déroulent comme un accident de voiture au ralenti, nous présentant une jeune Eva (l’excellente Rosa Marchant) et ses deux amis masculins . Le trio joue à un jeu d’énigmes, dans lequel ils trouvent des filles de la ville à qui ils racontent ensuite une énigme. Pour chaque affirmation ou question qui donne une mauvaise réponse à l’énigme, l’adolescente doit enlever un vêtement. Une tragédie violente semble malheureusement inévitable, surtout compte tenu du nombre d’adultes de cette communauté qui semblent détourner le regard.

Marchant est si crédible ici que son travail élève presque « Quand ça fond » au-dessus de son scénario faible. Mais j’ai toujours eu l’impression de regarder un film, un problème quand il s’agit d’histoires sombres sur la condition humaine comme celle-ci. Cela amène à se demander pourquoi le cinéaste prend certaines décisions au lieu de s’investir dans les personnages et leur traumatisme violent. Il y a trop de choses ici qui semblent fabriquées d’une manière qui punit au lieu d’éclairer.