Des visages célèbres apparaissent dans trois films très différents du Festival du film de Sundance de cette année, tous faisant de leur mieux pour ancrer des histoires de personnages complexes aux prises avec des chapitres difficiles de leur vie. Ces trois projets ne pourraient pas être plus distincts en termes de succès ultime, l’un étant en haut de ma liste des meilleurs du Festival du film de Sundance 2023 et l’autre à l’autre extrémité du spectre, ce qui illustre vraiment à quel point les attentes, même lors d’un événement qui est devenu un nom de marque, il vaut mieux les laisser à la porte.

La vérité est que, surtout quand vous entendez que c’est de l’auteur de « Junebug », Angus MacLachlan « Une petite prière » a un chemin relativement prévisible à suivre. Cependant, cela ne l’empêche pas d’avoir un impact. Il y a une raison pour laquelle nous regardons encore et encore des drames familiaux bien faits comme celui-ci. Nous nous voyons ou des personnes que nous connaissons en eux. Et si l’on en croit l’émotion de ces personnages, peu importe la familiarité de tout cela. « A Little Prayer » est un drame familial à l’ancienne, un film qui se soucie de ses habitants plus que tout type de concept élevé, et qui veut que vous appreniez à les connaître d’une manière qui vous fasse prendre soin d’eux. L’un des films les plus émouvants que vous verrez cette année, c’est aussi une plate-forme fantastique pour la phénoménale Jane Levy et le légendaire David Strathairn, un interprète qui semble incapable de livrer une fausse performance.

La star de « Nomadland » incarne Bill, un homme honnête dans un quartier ordinaire de Winston-Salem. Il travaille toujours dans l’entreprise qu’il a fondée et vit avec sa femme Venida (la merveilleuse Celia Weston). Son fils David (Will Pullen) travaille non seulement pour lui, mais vit avec sa femme Tammy (Jane Levy), qui est devenue une partie bien-aimée de la vie de Bill et Venida. Elle vient tous les matins et discute avec Bill, et Levy et Strathairn trouvent une alchimie parfaite. dès leur première rencontre. On croit instantanément que Bill voit Tammy dans une sorte de rôle de fille, quelqu’un dont il tient beaucoup. Le problème est que David n’a peut-être pas la même pudeur que son père.

Très tôt, Bill découvre que David n’est pas seulement aux prises avec la bouteille mais la fidélité, couchant avec une femme au travail (la toujours bienvenue Dascha Polanco) quand il ne rentre pas ivre à la maison. Alors que Bill réfléchit à la manière dont il peut éventuellement persuader son fils d’être un être humain plus honnête, sa fille Patti (Anna Camp) rentre à la maison avec sa fille, toutes deux fuyant une mauvaise situation avec le mari de Patti. Patti n’est pas une mère ou un enfant très solidaire et semble indifférente à ceux qui l’entourent, bien que le film lui pardonne plus compte tenu de sa situation conjugale. Cependant, il est révélateur que son enfant soit plus attiré par Tammy que sa propre mère.

Strathairn comprend Bill, un homme qui se retrouve à remettre en question la mauvaise influence qu’il aurait pu avoir pour créer des enfants égoïstes. La vérité est qu’il devient de plus en plus difficile de persuader nos enfants de se comporter d’une certaine manière à mesure qu’ils grandissent, même si leurs problèmes continuent d’avoir un impact sur nos vies. Le scénario de MacLachlan exprime intelligemment l’influence que le comportement de David et Patti a encore sur leurs parents, même si leurs parents ne peuvent plus les discipliner.

Bien que j’admire la structure à l’ancienne du scénario de MacLachlan et la douce discipline de sa mise en scène – c’est un film coupé très tranquillement avec le réalisateur permettant à de nombreuses scènes de se dérouler presque comme une pièce de théâtre – la vérité est qu’il s’agit d’une pièce de performance de bout en bout . Tout le monde est bon à génial, mais cela appartient à Strathairn et Levy, dont le lien devient le centre du film. Il atteint un crescendo émotionnel dans deux scènes que Levy cloue absolument, ne cédant jamais au mélodrame de chacune, trouvant leur vérité à la place. Vous en venez à vous soucier de Tammy et Bill, et vous espérez qu’ils trouveront leur chemin à travers ce gâchis noueux de drame familial. Les meilleurs films de ce genre sont transmis par des recommandations non pas à cause de ce qui se passe mais à cause de qui ça arrive. Je penserai à Bill et Tammy toute l’année.

Je penserai aussi à Eileen et Rebecca. William Oldroyd, le réalisateur de « Lady Macbeth » de Florence Pugh, revient sur le circuit des festivals avec cette histoire controversée d’une jeune femme qui se découvre en découvrant qu’on ne connaît jamais vraiment les autres. C’est un film qui dresse sa table comme une sorte de roman d’époque avant de le bouleverser d’une manière qui a fait haleter et marmonner les téléspectateurs au théâtre Eccles. Je dirais que la voiture fumante qui ouvre le film, ainsi que la police de crédit choisie et la partition de Bernard Hermann-esque, devraient indiquer aux téléspectateurs que cela ne se terminera pas de manière traditionnelle. Et je dirais également que la tournure abrupte que prend le film est cohérente avec le thème de « Eileen », un film sur une femme qui doit être choquée de comprendre la complexité des gens avant de pouvoir échapper à son existence mondaine.

Thomasin McKenzie (« Leave No Trace ») joue le personnage principal dans cette adaptation du livre d’Ottessa Moshfegh, qui a été sélectionné pour le Booker Prize. Eileen travaille dans une prison pour mineurs du Massachusetts au milieu des années 60, contrainte non seulement par la société, mais aussi par son père alcoolique et violent (Shea Whigham). Si elle ne vaque pas à la banalité de sa journée, elle nettoie le vomi de son père ou essaie d’empêcher le vétérinaire de la Seconde Guerre mondiale de terroriser les voisins avec son pistolet. Lorsqu’un nouveau médecin nommé Rebecca (Anne Hathaway) entre dans sa vie, Eileen est naturellement ravie. Cette femme semble tout avoir. Elle est magnifique, intelligente et confiante. Les apparences ne sont pas toujours ce qu’elles paraissent.

Tourné de manière captivante par Ari Wegner (« Le pouvoir du chien »), le film d’Oldroyd capture l’existence terne d’une vie ordinaire, traversée d’étincelles d’émotions refoulées. Eileen a des visions de « passer à l’acte », qu’il s’agisse d’être prise par un garde séduisant (Owen Teague, également en ville avec « You Hurt My Feelings ») ou de prendre l’arme de papa et de tirer sur elle-même ou sur le vieil homme. Ces visions ponctuent une vie qu’Eileen espère quitter en rencontrant Rebecca, une femme qui ne cache pas ses sentiments comme Eileen. McKenzie navigue de manière experte dans la liberté bouillonnante qui émerge pour son personnage (même si son accent est un peu louche) tandis que Hathaway fait l’un des meilleurs travaux de sa carrière.

Sans rien spoiler, « Eileen » n’est pas le film auquel on pourrait s’attendre après son premier acte. Je ne pense pas que ce soit un problème. Oldroyd et ses collaborateurs jouent avec les attentes d’une manière qui reflète les thèmes de toute leur production. Juste au moment où Eileen pense savoir où vont les choses avec Rebecca, elle découvre qu’elle a tout faux. En un sens, c’est l’histoire du passage à l’âge adulte ici : comment une jeune femme apprend que n’importe qui pourrait être autre chose qu’il n’y paraît, même elle. Elle n’a pas besoin d’être la fille aimante ou l’employée dévouée. Elle peut s’échapper.

Je voulais en quelque sorte échapper à chaque scène d’Alice Englert « Mauvais comportement, » le film le plus frustrant que j’ai vu à Park City cette année. Englert, qui joue également, a réalisé un film sur des personnes sans but et instables qui se sentent elles-mêmes sans but. La vérité est qu’il est incroyablement difficile de faire un film sur des personnes qui manquent de direction ou de concentration sans livrer un produit qui semble informe et non raffiné, et Englert ne semble tout simplement pas à la hauteur de ce défi. Certaines des performances ici fonctionnent, mais elles sont coincées dans un film qui ne va nulle part intéressant.

Jennifer Connelly joue Lucy, une femme qui passe la majeure partie du film dans une retraite dirigée par un gourou de l’entraide nommé Elon Bello (Ben Whishaw, toujours solide), le genre de gars qui ne pratique pas exactement ce qu’il prêche, et il ne le comprend probablement pas non plus. Il commence par encourager le silence, puis passe à des jeux idiots comme faire semblant d’être un bébé, etc. Une partie du scénario d’Englert joue comme une satire du mouvement d’entraide, mais ce n’est pas assez cinglant pour avoir vraiment quelque chose à dire à ce sujet. Au lieu de cela, de longues scènes se déroulent entre Connelly et ses camarades de retraite qui n’ont presque aucune direction ou forme intéressante, peut-être pour refléter l’informe de sa vie, mais pas d’une manière engageante pour le spectateur.

L’autre moitié de « Bad Behaviour » met en vedette la fille de Lucy, Dylan (Englert), un coordinateur de cascades travaillant sur un film à l’autre bout du monde. L’idée ici pourrait être que Lucy et Dylan « passent par des mouvements » sans porter de coups, mais, encore une fois, tout cela semble si à moitié réfléchi. Le film s’améliore un peu dans l’acte final lorsque Lucy et Dylan sont réunis, mais, à ce moment-là, j’avais besoin d’un type très différent de thérapie par le cinéma.