Simplicity of Narrative, Complexity of Character: Harry Macqueen on Supernova

«Supernova», de l’acteur devenu scénariste / réalisateur Harry Macqueen, est une histoire d’amour tendre mais douce-amère sur un couple de longue date en voyage pour voir des endroits et des gens préférés alors que l’un d’eux lutte contre la perte de mémoire. Dans une interview, Macqueen a parlé de ce qu’il avait appris sur la réalisation de films en tant qu’acteur lisant des scripts et observant des réalisateurs, et de ce que les acteurs Colin Firth et Stanley Tucci ont apporté à son film qui était encore plus qu’il n’envisageait.

Jusqu’à présent, vous avez écrit et réalisé deux films et tous deux traitent de voyages littéraux, avec deux personnages sur la route.

Vraiment le voyage littéral, en miroir ou en parallèle au moins, un voyage émotionnel est toujours une façon assez intéressante de raconter une histoire. Et aussi, la façon dont vous espérez utiliser un paysage dans ce cadre cinématographique peut être très puissante. Donc, ces choses m’ont toujours attiré sur les road movies en général. Et aussi, juste le genre d’originalité vraiment, en faire un au Royaume-Uni, parce que nous ne faisons pas vraiment beaucoup de road-movies ici. Je pense que j’étais conscient très tôt avec le film que je ne voulais pas vraiment en faire un drame domestique sur deux personnes vivant à la maison. J’ai trouvé que c’était une manière originale et intéressante de raconter l’histoire, de la mettre sur la route et de compenser vraiment le genre de micro et de macro; parce que vous avez ce petit voyage intime dans ce vaste paysage, à la fois émotionnel et littéral. Donc, toutes ces choses ont vraiment contribué à ma décision de faire une autre sorte de road movie.

Une chose qui m’a particulièrement impressionné dans le film est la façon dont il dépeint une relation vécue à très long terme, avec toute l’affection, les plaisanteries et les chamailleries qui révèlent une longue histoire. Comment avez-vous travaillé là-dessus dans le scénario et avec les acteurs?

C’est un effort d’équipe pour y parvenir et cela s’étend jusqu’à la conception de la production, à la façon dont vous filmez le film et, bien sûr, le jouez. Mais cela commence par le script; il doit commencer par le script. De toute évidence, un écrivain connaît incroyablement bien les personnages, donc vous formez en quelque sorte une relation aussi solide que possible dans cette partie du processus. Et vous voulez essayer de le rendre aussi ancré que possible, vraiment, aussi subtil et nuancé. Et cela s’étend évidemment à la performance. Colin et Stanley le font si remarquablement. Ce qu’ils font ressortir l’un de l’autre dans le film est surprenant car il est ou semble sans effort, vraiment, d’une certaine manière, et exactement ce que j’espérais que ce soit, subtil, nuancé et complexe. Colin et Stanley ont définitivement été aidés par le fait qu’ils ont une énorme confiance l’un envers l’autre, car ils se connaissent depuis un certain temps et ils sont si proches. Donc, je pense qu’apporter une grande partie de cette sorte d’énergie naturelle qu’ils ont dans leur relation dans cette relation en était une grande partie. Mais bien sûr, c’était un travail difficile pour eux car ils doivent s’éloigner de leur relation hors écran. Vous utilisez en quelque sorte ce qui vaut la peine d’être utilisé, ce qui est utile, puis vous devez recontextualiser le reste en fonction du personnage dans la situation.

Il y a un moment tellement frappant dans le film au début du film où le personnage de Stanley Tucci, Tusker, s’éloigne et le personnage de Colin Firth, Sam, est frénétique. Et pourtant, la résolution de cette scène, lorsque Sam le trouve, est prise du point de vue du siège du conducteur dans le camping-car, à travers le pare-brise. Parlez-moi de ce choix.

Eh bien, je pense que l’une des choses qui m’intéressaient vraiment avec ce film était d’essayer d’éviter le mélodrame. Le film vient d’une longue période de recherches intenses pour moi. Et ce que j’ai trouvé quand je passais beaucoup de temps avec des personnes qui vivent avec cette maladie, c’est que le mélodrame et le drame se produisent, mais c’est en fait assez rare. Le drame de ce genre de relation est constant, en fait. C’est un drame constant de bas niveau. Et donc, je pense que le film reflète cela et c’est ainsi que je voulais le tourner.

L’atmosphère du film, en général, devait être aussi véridique que possible et aussi être aussi authentique que possible à cela. Donc, être parfois presque voyeuriste avec la façon dont nous l’avons tourné, et certainement enlevé et retenu, pas émotionnellement enlevé, j’espère, mais certainement, cinématiquement en équilibre, je pense que cela semblait être une façon vraiment véridique de raconter cette histoire. C’est une chose très difficile à réaliser. Mais vous essayez et vous donnez un aspect facile et poétique, ce qui est certainement l’une des choses que nous essayions de faire avec le film. Cela semble être un bon exemple car une façon très évidente de filmer ce serait de les plonger en gros plan et de voir leurs émotions. Mais en fait, s’asseoir un peu leur permet d’avoir un moment privé loin du public, ce qui, je pense, était essentiel à ce stade.

Il y a une longue scène vers la fin où ils se disputent et les deux ont de bons arguments à faire valoir. La grande question, cependant, est de savoir qui décide? Qui jette le vote décisif?

Lorsque vous vous trouvez dans cette situation, il n’y a pas de réponse, vraiment. Et je pense que c’est l’une des raisons pour lesquelles je l’ai écrit. Ces arguments sont solides. Le va-et-vient est aussi fort des deux côtés. C’est juste une chose incroyablement complexe à laquelle trouver une réponse. Et je pense que cela s’étend au genre de fin du film lui-même, vraiment. J’ai toujours voulu laisser le film accroché au précipice, car c’est ce que font ces personnages. C’était certainement la manière la plus véridique de présenter cette conversation ou ce débat sur les choix de fin de vie. Parce que je pense qu’il n’y a parfois pas de réponse, et je pense que c’est bien. Et il est important d’explorer cela autant que de trouver une réponse dans un film. Lorsque des films, des livres, des pièces de théâtre ou quoi que ce soit vous laissent poser peut-être plus de questions que vous ne pouvez en répondre, j’ai l’impression que c’est un petit cadeau du cinéaste ou de l’écrivain à vous, le public, de retirer l’histoire dans votre propre vie et faites-en ce que vous voulez. J’ai toujours trouvé cela assez gratifiant en tant qu’observateur de films. Donc, quelque chose que je voulais faire ici.

Qu’est-ce que votre expérience d’acteur vous a appris sur l’écriture de scénario? Comment cela a-t-il influencé votre façon d’écrire?

J’écris avant tout pour les personnages et pour l’acteur ou l’actrice. C’est vraiment la première chose qui se passe dans mon processus. Les personnages viennent en premier, puis d’autres choses sont informées par cela plutôt que nécessairement l’inverse. Je veux toujours essayer d’écrire pour des acteurs, le genre de rôles que j’aimerais avoir moi-même, c’est peut-être une bonne façon d’y penser. Et je pense que ce projet ne fait aucun doute que l’exercice était vraiment une sorte de simplicité de récit, de complexité de caractère.

En tant qu’acteur, vous avez eu l’occasion de travailler avec de grands réalisateurs, dont l’un de mes favoris, Richard Linklater. Qu’avez-vous appris d’eux, que vous avez apporté à votre propre mise en scène?

Eh bien, avec Rick en particulier, j’ai eu un tout petit rôle dans son film, [« Me and Orson Welles »]. Mais j’y suis resté un bon mois, en le faisant. Et donc, j’ai passé pas mal de temps à traîner avec lui et à être dirigé par lui, évidemment. Et je pense que son style de réalisation reflète très bien ses films. Il est vraiment, vraiment décontracté. Et il rend tout amusant. Et je pense qu’il veut passer un bon moment à faire le film. Pour être honnête, c’est aussi important, la façon dont vous effectuez le travail est tout aussi importante que le résultat du travail lui-même. Et vous avez le devoir en tant que cinéaste, de rendre l’expérience collaborative et agréable pour tout le monde. Parce que comme vous le savez, faire un film est vraiment difficile tout le temps. Donc, j’ai définitivement appris cela de lui. J’ai été inspiré à juste titre par la façon dont il était détendu et libre avec ses acteurs et avec sa mise en scène.

Vous avez parlé de faire de la recherche et clairement, vous savez quelque chose sur les personnes atteintes de démence, mais apparemment, vous avez également étudié les aidants.

Oui, exactement. J’ai passé beaucoup de temps à apprendre tous les aspects de l’équation, vraiment. Donc, l’aspect médical de celui-ci, le genre de biologie de celui-ci, mais aussi vraiment, très important, a passé énormément de temps avec les familles et les couples, qui vivent cette vie. Et si vous faites cela sur deux ou trois ans, ce que je faisais, et je le fais toujours, vous voyez ces relations changer. Vous voyez évidemment la personne changer, ce qui est vraiment intéressant, et aussi désespérément triste et drôle et affirmant la vie et toutes ces choses. Mais vous voyez aussi comment les relations changent autour de cette personne pour s’adapter à cette désintégration du personnage, et c’est ce qui m’a vraiment amené à faire ce film.

D’une certaine manière, c’est un peu plus une histoire sur le soignant que sur une personne qui souffre de la maladie. Et je pense que la façon dont les relations ont un partenariat égal et deviennent ensuite très inégales lorsqu’une personne en son sein doit devenir un soignant. Ainsi, vous passez du statut d’amant à celui de gardien. Je pense que c’était vraiment intéressant pour moi. Et c’est en fait l’une des choses qui m’ont plus affecté émotionnellement que toute autre chose lorsque je faisais mes recherches. Parce que je pense qu’en fin de compte, toute forme de démence est, bien sûr, une chose incroyablement difficile à vivre pour quiconque. Mais vous ne pouvez pas ignorer le fait qu’à un moment donné de ce parcours de démence, vous ne saurez plus que vous êtes malade, vous ne saurez plus qui vous êtes. Il vous reste donc les dommages collatéraux pour les personnes autour de cette personne. Et c’est très intéressant. Et regarder un être cher se démêler et perdre un être cher presque morceau par morceau, semaine après semaine pendant très, très longtemps est une chose vraiment incroyable à vivre.

Colin Firth et Stanley Tucci donnent de magnifiques performances dans le film. Qu’est-ce qu’ils vous ont montré à propos de vos personnages dont vous n’aviez pas tout à fait conscience lorsque vous l’avez écrit?

Oh, tant de choses. Je serais ici toute la journée pour en parler. Mais je pense que la réponse honnête est vraiment la nuance avec laquelle ils ont imprégné chaque personnage. Parce que le script est naturellement très subtil, et il est court, et il n’y a pas beaucoup d’expositions, et vous jetez en fait le public directement dans une situation à laquelle il doit absolument croire dès le début car il n’y a rien pour vous aider vraiment. ; ce sont les acteurs et c’est tout. Donc, je pense que ce qu’ils ont apporté aux deux rôles était une énorme quantité de compassion. Et je pense qu’ils font toujours ça en tant qu’acteurs. C’est l’une des choses qui m’ont plu dans le fait de travailler avec eux avant même de les rencontrer. Ils ont un si grand puits d’empathie dans lequel ils puisent et qu’ils donnent à leurs personnages. Et je pense que c’est assez incroyable.

Le film a été inspiré par des expériences vraiment importantes que j’ai vécues et par beaucoup de temps que j’avais passé avec des gens qui vivent ce genre d’expérience, et cela a changé ma vie. C’était tellement important de s’assurer que les personnages étaient joués avec intégrité et complexité. Stanley m’a aussi appris à faire des cocktails, alors voilà!

« Supernova » est dans les salles aujourd’hui.