Roger’s Top Ten Lists: Best Films of the 1990s

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Pour célébrer le co-fondateur de ce site, Roger Ebert, nous publions certaines de ses listes inestimables classant les dix meilleurs films d’années particulières au cours du dernier demi-siècle. Aujourd’hui, voici sa liste des dix meilleurs films des années 1990 et vous ne serez pas déçu…

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LES DIX MEILLEURS FILMS DES ANNÉES 1990 DE ROGER EBERT

10. JFK

Le film de Stone est hypnotiquement regardable. Laissant de côté tout son drame et son émotion, c’est un chef-d’œuvre de montage cinématographique. L’écriture, le montage, la musique, la photographie, sont tous utilisés ici dans un film d’une énorme complexité, pour tisser une tapisserie convaincante à partir d’une montagne écrasante de preuves et de témoignages. Les étudiants en cinéma examineront ce film avec émerveillement dans les années à venir, étonnés de la quantité d’informations qu’il contient, du nombre de personnages, du nombre de flashbacks imbriqués, de l’imbrication habile d’images documentaires et de fiction. Le film se précipite pendant 188 minutes à travers une mer d’informations et de conjectures, et ne faiblit jamais et ne nous confond jamais.

9. MALCOLM X

Les téléspectateurs noirs ne seront pas surpris par les expériences de Malcolm et le racisme qu’il a vécu, mais ils seront peut-être surpris de constater qu’il était moins unidimensionnel que son image, qu’il était capable d’autocritique et développait ses idées jusqu’à le jour de sa mort. Spike Lee n’est pas seulement l’un des meilleurs cinéastes américains, mais l’un des plus importants, car ses films abordent le sujet central de la race. Il n’utilise pas la sentimentalité ou les clichés politiques, mais montre comment vivent ses personnages et pourquoi. L’empathie a récemment fait défaut dans notre pays. Nos dirigeants sont prompts à nous féliciter de nos propres sentiments, lents à nous demander de nous demander comment les autres se sentent. Mais peut-être que les temps changent. Chaque film de Lee est un exercice d’empathie. Il n’est pas intéressé à féliciter les Noirs de son public ou à condamner les Blancs. Il met des êtres humains à l’écran, et demande à son public de se mettre un peu à leur place.

8. QUITTER LAS VEGAS

Le film fonctionne comme une histoire d’amour, mais vraiment la romance n’est pas le point ici, pas plus que le sexe. L’histoire parle de deux personnes blessées, désespérées et marginales, et comment elles créent l’une pour l’autre une mesure de grâce. Une scène après l’autre trouve la bonne note. S’il y a deux rôles injouables dans le répertoire boursier, ce sont l’ivrogne et la pute au cœur d’or. Cage et Shue font de ces clichés des personnes inoubliables. L’ivresse de Cage est inspirée en partie par une performance qu’il a étudiée, le consul alcoolique d’Albert Finney dans « Under the Volcano ». Vous sentez une intelligence observatrice scruter de l’intérieur de l’homme ivre, voyant tout, clairement et tristement.

7. BRISER LES VAGUES

Le film contient de nombreuses révélations surprenantes, dont une cosmique à la fin, que je vous laisse découvrir par vous-même. Il a le genre de pouvoir brut, le genre de considération sans réserve pour la force du bien et du mal dans le monde que nous voulons éviter. Il est parfois plus facile de s’envelopper de sentiments et de pieuses platitudes, et d’oublier que Dieu a créé la nature « sanglante bec et ongles ». Bess n’a pas notre capacité à rationaliser et à éluder, et s’offre sans crainte à Dieu tel qu’elle le comprend. Cette performance d’Emily Watson me rappelle ce que Truffaut disait de James Dean, qu’en tant qu’acteur il ressemblait plus à un animal qu’à un homme, procédant selon l’instinct plutôt que la pensée et le calcul. Ce n’est pas une performance sombre et est souvent touchée par l’humour et la joie, ce qui la rend d’autant plus touchante, comme lorsque Bess parle à haute voix dans des conversations bidirectionnelles avec Dieu, parlant des deux voix – faisant de Dieu un adulte sévère et d’elle-même une enfant confiant.

6. LA LISTE DE SCHINDLER

L’auteur français Flaubert a écrit un jour qu’il n’aimait pas la Case de l’oncle Tom parce que l’auteur prêchait constamment contre l’esclavage. « Faut-il faire des observations sur l’esclavage? » Il a demandé. « Représentez-le, cela suffit. Et puis il a ajouté : « Un auteur dans son livre doit être comme Dieu dans l’univers, présent partout et visible nulle part. Cela décrirait Spielberg, l’auteur de ce film. Il dépeint le mal de l’Holocauste et raconte une histoire incroyable sur la façon dont il a été privé de certaines de ses victimes. Il le fait sans les ficelles de son métier, les artifices de mise en scène et dramatiques qui inspireraient les récompenses mélodramatiques habituelles. Spielberg n’est pas visible dans ce film. Mais sa retenue et sa passion sont présentes dans chaque cliché.

5. TROIS COULEURS TRILOGIE : BLEU, BLANC ET ROUGE

Pensez à ces choses, lecteur. Ne soupire pas et ne tourne pas la page. Pensez que je les ai écrits et que vous les avez lus, et les chances que l’un de nous ait jamais existé sont de loin supérieures à un pour tous les atomes de la création. « Rouge » est la conclusion de la trilogie magistrale de Kieslowski, après « Bleu » et « Blanc », du nom des couleurs du drapeau français. Il dit qu’il va prendre sa retraite maintenant, à 53 ans, et ne plus faire de films. À la fin de « Red », les personnages principaux des trois films se rencontrent – par une coïncidence, naturellement. C’est le genre de film qui vous fait vous sentir intensément vivant pendant que vous le regardez, et vous envoie ensuite dans la rue, désireux de parler profondément et de manière urgente, à la personne avec qui vous êtes. Qui que ce soit.

4. FARGO

Sur le chemin de l’apogée violente et inattendue, Marge prend un verre au buffet de son hôtel avec un ancien camarade de lycée qui la convoite manifestement toujours, même si elle est mariée et enceinte. Il explique, dans une déclaration remplie de mélancolie de personnes potentiellement réduites, « Je travaille pour Honeywell. Si vous êtes ingénieur, vous pourriez faire bien pire. Frances McDormand devrait avoir un verrou sur une nomination aux Oscars avec cette performance, qui est vraie à chaque instant individuel, et pourtant sournoisement, tranquillement, au-dessus de son effet cumulatif. Le scénario est d’Ethan et Joel Coen (Joel réalisé, Ethan produit), et bien que je ne doute pas que des événements comme celui-ci se soient réellement produits dans le Minnesota en 1987, ils ont élevé la réalité au rang de comédie humaine – dans le genre de film qui nous fait nous étreindre avec la façon dont il enchaîne les scènes improbables les unes après les autres. Des films comme « Fargo » sont la raison pour laquelle j’aime les films.

3. AFFAIRES

Ce qui m’a finalement frappé après avoir vu ce film – ce qui en fait un grand film -, c’est que j’ai compris les sentiments d’Henry Hill. Tout comme sa femme Karen est devenue si complètement absorbée par la vie intérieure de la mafia que ses valeurs sont devenues les siennes, le film a tissé un charme séduisant. Il est presque possible de penser, parfois, aux personnages comme étant vraiment de bons camarades. Leur camaraderie est si forte, leur loyauté si incontestée. Mais le rire est parfois tendu et forcé, et parfois c’est un effort pour profiter de la fête, et finalement, toute la mythologie s’effondre, et alors la culpabilité – la vraie culpabilité, la culpabilité qu’un catholique comme Scorsese comprend intimement – n’est pas qu’ils ont commis des péchés, mais qu’ils veulent les refaire.

2. PULP-FICTION

Si les situations sont inventives et originales, le dialogue l’est aussi. De nos jours, de nombreux films utilisent un discours plat et fonctionnel : les personnages en disent juste assez pour faire avancer l’intrigue. Mais les gens de « Pulp Fiction » sont amoureux des mots pour eux-mêmes. Le dialogue de Tarantino et Avary est parfois décalé, mais c’est le plaisir. Cela signifie également que les personnages ne sonnent pas tous de la même manière : Travolta est laconique, Jackson est exact, Plummer et Roth sont des amoureux stupides, Keitel utilise la sténographie du professionnel occupé, Thurman a appris à être un moll en étudiant le savon. opéras. Cela fait partie du folklore que Tarantino travaillait comme commis dans un magasin de vidéo, et l’inspiration pour « Pulp Fiction » est de vieux films, pas la vraie vie. Le film est comme une excursion à travers les images sinistres qui se trouvent enroulées et piégées à l’intérieur de toutes ces boîtes sur les étagères de Blockbuster. Tarantino a un jour décrit les anciens magazines de pulpe comme des divertissements jetables bon marché que vous pouviez emporter au travail avec vous, les enrouler et les coller dans votre poche arrière. Ouais, et ne pas pouvoir attendre jusqu’au déjeuner, pour pouvoir recommencer à les lire.

1. RÊVES DE CERCEAU

Il s’agit du flux et du reflux de la vie sur plusieurs années, alors que les carrières des deux garçons connaissent des changements si étonnants que, si c’était de la fiction, on dirait que c’est incroyable. Les cinéastes (Steve James, Frederick Marx et Peter Gilbert) ont tourné des kilomètres de film, 250 heures en tout, et cela signifie qu’ils étaient là pour plusieurs des tournants dramatiques dans la vie des deux jeunes hommes. Pour les deux, il y a des revers de fortune – la vie semble sombre, puis est rachetée par l’espoir et parfois même le triomphe. J’ai été prise dans leurs destins comme je le suis rarement dans un thriller de fiction, car la vraie vie peut aussi être un cliffhanger. De nombreux cinéphiles hésitent à voir des documentaires, pour des raisons que je n’ai jamais comprises ; les bons sont souvent plus absorbants et divertissants que la fiction. « Hoop Dreams », cependant, n’est pas seulement un documentaire. C’est aussi de la poésie et de la prose, de la foutaise et de la dénonciation, du journalisme et de la polémique. C’est l’une des grandes expériences cinématographiques de ma vie.

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