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NYFF 2021: Hit the Road, Unclenching the Fists, The Girl and the Spider | Festivals & Awards

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« Unclenching The Fists » est imprégné de ses influences comme un thé amer, de son titre, une référence à « Fists in the Pocket » similaire à l’inceste du grand Marco Bellocchio (dont le dernier film joue également au NYFF) à sa finale Le caméscope a tourné l’image finale de deux personnes à moto, inspirées par l’esprit et la technique du grand Kiarostami (le film pourrait être le premier à être parlé en ossète, un dialecte iranien originaire d’une partie de l’ombre des montagnes du Caucase). Et pourtant, ses effets psychologiques et émotionnels sont si nouveaux et si bruts que c’est comme saler une blessure que vous ne saviez pas avoir contractée. Kovalenko remplit le film de chaque itération métaphorique et formelle du thème ici (le besoin d’être quelqu’un et ailleurs) comme un film de 90 minutes peut le gérer. Il y a les compositions trop proches de chaque membre de la famille qui s’embrassent inconfortablement par besoin désespéré; il y a l’idée d’une culture déplacée et vivant dans un exil prédéterminé ; il y a la maison fermée qu’Ada souhaite fuir, et le plus touchant et le plus inquiétant de tous, c’est qu’elle porte des cicatrices réelles et figurées d’une action terroriste dans sa jeunesse.

Kovalenko s’est basé sur un incident réel, lorsque des séparatistes tchétchènes ont pris des otages pour exiger de la Russie la reconnaissance de l’autonomie de leur pays. Elle s’est terminée par l’assaut des chars russes sur les sites et le combat qui a suivi a tué 331 personnes et en a blessé des centaines d’autres. Ada est censée avoir participé à ces attaques et son corps est toujours marqué par l’événement, des nombreuses blessures visibles au fait qu’elle porte une couche parce qu’elle ne peut pas contrôler sa vessie. Cela la code évidemment comme suspendue dans sa propre enfance. Sa terreur envers son père, son amour/désir pour Akim et sa relation sans amour avec son petit ami la placent dans un libre arbitre aérien, ainsi à l’âge adulte, cette façon de régression vers l’enfance de sécurité. Si elle pouvait supprimer un élément de ce triangle, elle pourrait s’installer sur une identité, mais tout le monde autour d’elle tire quelque chose de sa confusion, et elle veut ou pense qu’elle en a besoin. Kovalenko a fait quelque chose d’extrêmement rare et a peint le portrait de quelqu’un à la fois imprégné de langage narratif, de mythe, de psychologie réelle et invoquée à travers la culture, et elle l’a fait sans jamais chercher à obtenir de l’importance. Ada est importante parce qu’elle est parfaitement imaginée ; son créateur très talentueux l’a peinte comme un flou de mouvement et de conflit, quelqu’un qui mourrait pour que la bonne touche signifie les bonnes choses. J’ai été énormément ému.

Si je n’étais pas aussi ému par « La fille et l’araignée » le retour très tardif et très apprécié de Ramon et Silvan Zürcher (« L’étrange petit chat ») c’est parce que c’est après une réponse beaucoup plus modeste. Les Zürchers n’ont que deux longs métrages et quelques courts métrages à leur actif, mais ils ont déclaré leurs intérêts et leurs forces hors du commun avec un zèle tout aussi rare. « La fille et l’araignée » parle d’une femme qui quitte son appartement et des ruptures que cela provoque dans ses relations. Sa mère est déconcertée par sa colocataire, qui est de toute évidence jalouse d’être laissée pour compte. Les autres colocataires doivent alors composer avec l’évolution de leur situation. « The Strange Little Cat » était une journée dans la vie d’une famille disant au revoir à un vieux parent, chacun à sa manière, et comment la vie éclate à travers nos façades de manières grandes et petites. Les mêmes comportements calmes sont imprégnés de malaise et de désirs inexprimés dans « La fille et l’araignée », signifiés par des coups répétés d’un marteau-piqueur travaillant sur le trottoir à l’extérieur de l’appartement. Ses succès sont dans ses riches tableaux de la vie quotidienne étrange, de la perceuse, qui rappelle le travail du documentariste Jürgen Böttcher, à une tasse en polystyrène avec un crayon enfoncé dedans, à une femme nue à l’exception d’un casque de moto. Chaque tableau brillant est suffisant pour justifier l’existence du film, et bien qu’il puisse manquer de l’immédiateté extraterrestre de leurs débuts, c’est un travail nécessaire. Très peu de gens veulent montrer un comportement humain comme celui-ci (Jean Eustache l’a fait, bien que plus loquace) et les Zürcher semblent essayer d’innover par des moyens simples, ce qui est terriblement excitant.

La raison pour laquelle je n’arrêterai jamais de couvrir le Festival du film de New York, ce sont des jours comme celui-ci, où je peux signaler que j’ai vu trois des films les meilleurs et les plus ouverts de l’année. Même dans la peur, la maladie, ou isolé et bouleversé, on se sent vivant de tendre la main dans la continuité de l’art cinématographique, si souvent un endroit sans vie ni récompense et y sentir un pouls.

★★★★★

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