Si vous n’êtes jamais allé à l’école de cinéma ou si vous n’êtes pas un passionné d’histoire du cinéma, vous ne savez probablement pas grand-chose sur la différence entre Hollywood pré-code et Hollywood post-code. Commençons par le « code » lui-même : qu’est-ce que le code Hays ? Le code de production cinématographique (surnommé le code Hays d’après le président des producteurs et distributeurs de films cinématographiques d’Amérique, William Hays) a été développé en 1930 pour réglementer ce qui pouvait être montré à l’écran, mais n’a pas été appliqué pendant quelques années.

Les films pré-codés, en particulier les films sonores, étaient beaucoup plus modernes et ouverts que ce à quoi on pouvait s’attendre des premiers films. Les films pré-code étaient honnêtes sur les sujets tabous et beaucoup plus libres avec le langage et même la nudité. Le code Hays a cherché à écraser cela et à se concentrer sur les bonnes valeurs chrétiennes dans le cinéma. Alors que le document lui-même n’était pas ouvertement religieux, le langage du code contenait des nuances profondément chrétiennes (et a été initialement apporté aux studios par un laïc catholique et un prêtre jésuite). Alors que les studios respectaient le code Hays, il n’a été mis en œuvre avec force qu’en 1934; la Grande Dépression avait affecté le cinéma de diverses manières, en partie en inspirant des thèmes plus sombres, et aussi en obligeant les studios à sortir des films plus racés et plus sordides afin d’inciter les gens à payer pour des films à un moment où l’économie s’était effondrée.

Le Code a finalement été retiré des critères du cinéma en 1968 et remplacé par les cotes d’écoute des films que nous connaissons aujourd’hui (PG, R, etc.). Cela a permis aux cinéastes de produire ce qu’ils voulaient et au public de choisir ce qu’il voulait regarder en fonction des cotes d’écoute. Cependant, l’ère pré-code a produit une quantité massive de grands films classiques qui peuvent être étonnamment modernes et risqués, alors jetons un coup d’œil aux meilleurs.

Sommaire

5 Le divorcé

Metro-Goldwyn-Mayer

Un film sur le divorce et la vengeance d’une femme était scandaleux à une époque où le divorce était tabou (et pouvait excommunier une personne de l’Église catholique). Des films comme The Divorcee sont ainsi représentatifs de l’ère pré-Code. En 1930, un film dans lequel une femme venge l’infidélité de son mari, une femme qui peut penser et s’énerver que son mari l’ait trompée, est assez controversé mais néanmoins très réussi et apprécié du public.

Le film a contribué à inaugurer une nouvelle ère des droits des femmes (étant donné que les femmes n’ont obtenu le droit de vote que 10 ans avant la sortie de ce film) et a montré les épouses sous un tout nouveau jour, une lumière où les femmes pourraient aussi être des coureurs de jupons et pourraient tout faire. autrement leurs maris pourraient faire. Avec le niveau d’égalité et de liberté sexuelles pour les femmes et les hommes dans The Divorcee, il est presque difficile de croire que cela a été fait il y a près de 100 ans et pas seulement15.

4 Le chanteur de jazz

Warner Bros.

The Jazz Singer, un film sur un homme juif qui veut être un chanteur de jazz contre la volonté de sa famille, est peut-être le film le plus connu de l’ère pré-Code, et a essentiellement changé la trajectoire du cinéma pour le reste de l’histoire. Non seulement la musique du film était synchronisée (car c’est une comédie musicale), mais tous les dialogues étaient synchronisés avec les acteurs eux-mêmes. Le chanteur de jazz a créé l’ère des «talkies» et a laissé derrière lui une grande partie de l’ère du cinéma muet, influençant la façon dont les films seraient désormais réalisés. L’accent mis par le film sur les conditions de vie réelles de la pauvreté et dans les communautés juives et noires était également révélateur des dures réalités que les films pré-Code pouvaient afficher.

Cependant, The Jazz Singer n’était en aucun cas le parfait talkie-walkie; le film lui-même ne contenait qu’environ deux minutes de dialogue synchronisé. C’est aussi extrêmement offensant pour certaines personnes, car il met en scène Al Jolson (un lituanien-américain blanc) portant un visage noir, ce qui ne passe certainement pas les tests de rectitude politique pour la société contemporaine. Cependant, il y a eu une analyse critique et une théorie cinématographique fascinante qui met en évidence l’utilisation du blackface dans The Jazz Singer; comme l’écrit Corin Willis dans « Signification et valeur dans The Jazz Singer »,

Contrairement aux blagues raciales et aux insinuations mises en évidence dans sa persistance ultérieure dans les premiers films sonores, l’imagerie du visage noir dans The Jazz Singer est au cœur du thème central du film, une exploration expressive et artistique de la notion de duplicité et d’hybridité ethnique au sein des États-Unis. identité. Parmi les plus de 70 exemples de blackface dans les premiers films sonores de 1927 à 1953 que j’ai visionnés (y compris les neuf apparitions de blackface que Jolson a faites par la suite), The Jazz Singer est unique en ce sens qu’il est le seul film où le blackface est au cœur du développement narratif. et expression thématique.

Quand on regarde The Jazz Singer à sa valeur nominale pour l’impact qu’il a eu sur l’industrie et sa décision audacieuse de se concentrer sur la souffrance des communautés juives et noires, on peut certainement y voir beaucoup de bien.

3 L’ennemi public

Images de Warner Bros.

Vous savez ce film de gangsters que vous avez regardé et aimé le week-end dernier ? Il n’existe que parce que The Public Enemy a été créé à l’ère pré-code. L’ennemi public a créé le genre gangster tel que nous le connaissons aujourd’hui, la seule raison pour laquelle il a été créé était qu’il existait avant le code Hays. Le Code n’a pas exactement fait la promotion de films qui romancent le crime comme ceux du genre gangster. Cependant, comme le savent les fans du genre, les films de gangsters traitent du fonctionnement interne de l’esprit des criminels et de la politique du crime. Les films de type gangster réalisés lors de l’application du code Hays n’ont pas eu le même impact que ceux réalisés à l’époque pré-code, et sans doute pas avant les films Scorsese et Coppola des années 70. Ainsi, le genre gansgter bien-aimé, créé par The Public Enemy, a presque été complètement perdu à cause du code.

2 Femme aux cheveux rouges

Metro-Goldwyn-Mayer

Comme mentionné précédemment, l’ère pré-Code était beaucoup plus ouverte avec des sujets tabous, en particulier autour du sexe et de la nudité. Red Headed Woman est un excellent exemple de l’utilisation de la sexualité manifeste dans les films plus anciens, à une époque où beaucoup pensent que le cinéma est une industrie très boutonnée et modeste. Red Headed Woman parle d’une femme qui utilise sa sexualité pour obtenir ce qu’elle veut des hommes de sa vie. Elle est capable d’utiliser ses prouesses féminines pour atteindre ses objectifs dans la vie, ce qui semble extrêmement tabou en 1932.

C’est la quintessence de l’ère pré-Code, des films qui, dans l’intrigue et le thème, semblent extrêmement déplacés pour l’époque où ils ont été réalisés. Sauf qu’ils ne sont pas déplacés (et les années 20 et 30 n’étaient guère si innocentes ); c’est ce qu’était le cinéma à cette époque, avant que le code Hays ne ressente le besoin de ruiner cela pour les téléspectateurs et les cinéastes.

1 Frankenstein

Images universelles

Frankenstein est l’un des films les plus emblématiques et les plus appréciés de la période pré-Code. Si vous n’avez pas vu le Frankenstein original, c’est un incontournable et un excellent exemple de l’ère du film pré-Code. Alors que les fans d’horreur modernes ne trouvent généralement pas la vieille horreur très effrayante ou amusante en raison de la technologie en constante évolution, le Frankenstein original est un chef-d’œuvre à part entière. Le film contenait des lignes qui ont ensuite été coupées à l’ère post-Code parce qu’elles insinuaient des idées athées (y compris un dialogue soi-disant blasphématoire où le Dr Frankenstein crie : « Maintenant, je sais ce que ça fait d’être Dieu ! »), et étaient donc offensantes. au public chrétien. Frankenstein en tant que monstre et en tant que film est un sommet de l’histoire du cinéma et de l’ère pré-code qui est toujours importante pour l’histoire du cinéma.