Highlights of the 2026 True/False Film Festival Include “Tropical

Chaque mois de mars, la ville universitaire de Columbia, dans le Missouri, regorge de documentaristes, de cinéphiles, d'étudiants et d'habitants curieux de culture qui font la queue devant les églises, une discothèque qui sert également de salle de projection et le fidèle cinéma indépendant à deux écrans, le Ragtag Cinema. Le Festival annuel du film Vrai/Faux est un événement court mais ciblé qui explore les limites du cinéma de non-fiction.

Cette année, la programmation comptait un certain nombre d'œuvres fascinantes et stimulantes, y compris des œuvres remarquables de Sundance comme « Barbara Forever », « Aanikoobijigan » et « Time and Water », d'autres favoris du festival comme « Remake » et « True North », et des premières comme « The Great Experiment » et « Phenomena ».

Le documentaire de Hansel Porras Garcia « Parc Tropical » illustre la nature expérimentale du festival. À l'instar de l'excellent film des frères Ross, « Bloody Nose, Empty Pockets », « Tropical Park » est en quelque sorte un hybride fiction/non-fiction, utilisant une configuration situationnelle avec des acteurs qui improvisent leurs dialogues et leurs réactions pour explorer quelque chose de réaliste.

Dans « Tropical Park », un frère, Frank (Ariel Texidó), emmène sa sœur Fanny (Lola Bosch) suivre une leçon de conduite dans un parc local. Ils sont séparés depuis plus de vingt ans et n'ont été réunis que depuis un mois lorsque Fanny a immigré de Cuba pour vivre avec son frère et sa famille à Miami. Dans la voiture, les deux se taquinent, se disputent sur le communisme et se remémorent les souvenirs de la cour d'école, mais à mesure que la leçon de conduite commence, des discussions plus épineuses se multiplient également, comme Frank ayant besoin que Fanny déménage et sa douleur face au rejet de sa transition par leur père. La conversation émotionnelle devient passionnée, puis larmoyante, alors que les deux abordent les questions d'immigration, d'isolement, de transphobie, de famille et d'appartenance.

Selon Porras Garcia, lors d'une séance de questions-réponses après la projection, les deux acteurs n'ont reçu que des biographies de leurs personnages et ont répété leur conversation une fois avant de tourner la prise unique (il n'y a pas de coupures ni de montages tout au long du film) que le public voit à l'écran. Utilisant seulement un scénario de 12 pages, les deux hommes se sont lancés dans leur dispute improvisée avec une facilité haletante, s'adaptant au défi d'agir dos à la caméra pendant la majeure partie du film. Les appuie-tête étant manquants, la caméra installée sur la banquette arrière de la voiture capture chaque regard latéral, chaque joue tachée de larmes et chaque contact empathique entre frère et sœur.

Dans ce qui semble être une occasion bien trop rare, le film dresse également un portrait nuancé de l’expérience cubaine et cubano-américaine, explorant la tension entre les générations d’arrivées et les différences idéologiques au sein d’une communauté trop facilement regroupée dans un monolithe. Il peut sembler claustrophobe de regarder une telle explosion d'émotions refoulées dans une petite berline, dénouant éventuellement certains des sentiments inexprimés du public. Mais c’est exactement ce qui rend « Tropical Park » si incroyablement fascinant.

Il y avait des aveux plus vulnérables partagés dans celui de Pete Muller. « Bucks Harbour » une randonnée surprenante à travers le nord de la Nouvelle-Angleterre pour suivre des sujets dans la ville de pêche au homard de Machias, dans le Maine. Au début, le film de Muller ressemble à un descendant du classique décalé d'Errol Morris, « Vernon, Florida », avec des histoires folles et des moments drôles qui ont fait rire le public du petit matin, mais au fur et à mesure que le film avance, il s'étend au-delà des personnages et des excentricités régionales pour examiner plus en profondeur le rôle de la culture des durs, les traumatismes cycliques et ce à quoi peut ressembler la guérison plus tard dans la vie.

Rempli de superbes photographies de nature de côtes balayées par le vent, de cerfs se promenant dans la neige poudreuse et de nombreux gros plans de homards, « Bucks Harbor » plonge les spectateurs dans la vie d'une petite ville du Maine, montrant la corvée boueuse de la pêche aux palourdes, les périls de la pêche au homard et la vie difficile que de nombreuses familles ont dû mener pour elles-mêmes. Les hommes exhibent leur collection de peaux de victimes de la route, régalent le public avec des histoires où ils ont abattu un soldat de l'État par les balles et ont fui la loi, et se souviennent de leurs proches perdus en mer.

En partageant leurs histoires, nous apprenons à les connaître ; ils montrent différentes facettes d'eux-mêmes : l'un avait des aspirations artistiques quand il était plus jeune, et sa créativité se manifeste encore aujourd'hui, un autre aime s'habiller avec des vêtements féminins pour les fans en ligne, et un autre essaie de donner un meilleur modèle à ses deux garçons alors qu'ils apprennent l'entreprise familiale. Certaines blessures ne guériront peut-être jamais, mais à leur manière, ces hommes redéfinissent ce que la masculinité signifie pour eux.

Même les homards deviennent vulnérables lorsqu'ils perdent leur peau, et Muller s'appuie sur ce concept et cette métaphore visuelle à mesure que les histoires des hommes deviennent plus introspectives, montrant un homard émergeant de sa vieille carapace. Il confectionne une courtepointe à partir des histoires de ces hommes, en les entrelaçant avec des photos de leur environnement et de leurs espoirs pour l'avenir. « Bucks Harbor » semble intime et légèrement non filtré, mais il conserve un sentiment de beauté sauvage à mesure que les hommes grandissent grâce à leurs expériences.

Remettre en question les normes et les attentes d'un lieu et d'une culture est également au cœur du film stimulant de Leah Galant. «Paysages de mémoire». Célébrant sa première mondiale cette année au Vrai/Faux, le film de Galant se déplace entre son domicile aux États-Unis alors qu'elle réfléchit à l'histoire de sa famille et où son père est en train de mourir de la SLA, et en Allemagne, où elle remet en question la façon dont le pays se souvient de l'Holocauste.

Galant commence son histoire l’année qui a suivi la pandémie, interrogeant son père malade sur ses réflexions sur son prochain voyage en Allemagne et sur ses souvenirs de leur famille, y compris de son grand-père, qui a survécu à l’Holocauste. Une fois à Berlin, Galant emmène son appareil photo dans de nombreux mémoriaux de l'Holocauste de la ville, dans des conférences et dans des camps de concentration, pour avoir une idée du travail du pays sur la culture de la mémoire, mais remarque qu'en tant que juive américaine, il lui semblait étrange d'être entouré d'hommages à la mort juive.

Plus elle reste en Allemagne, plus elle observe le parti d'extrême droite allemand utiliser les mémoriaux de l'Holocauste comme une arme pour attiser la fureur nationaliste et comment les efforts visant à criminaliser l'antisémitisme ont conduit à une augmentation de la censure des manifestants palestiniens. Cela fait même du fait d’agiter le drapeau palestinien un crime.

« Paysages de mémoire » est une œuvre délicate, équilibrant plusieurs problématiques émotionnelles à la fois. Il s’agit de chagrin et d’action ; sans oublier le passé, mais aussi un appel à ne pas l'utiliser pour opprimer les gens du présent. Galant partage l'attention de la caméra avec d'autres militants travaillant dans cet espace, notamment l'historien Johannes, dont le grand-père était impliqué dans le parti nazi ; Elias, descendant d'un survivant de l'Holocauste et artiste remettant également en question le concept de culture de la mémoire ; et Michael, un artiste palestinien de plus en plus frustré par la manière dont sa communauté est assiégée en Allemagne et à Gaza.

Dans une scène poignante, Michael s’émerveille devant un mur dans un camp de concentration, qui lui rappelle les murs de chez lui qui séparent Israéliens et Palestiniens. « Il n'y a pas de concurrence dans la souffrance humaine », dit-il tristement, souhaitant la fin de tous les murs comme celui-ci. « Si nos souvenirs ne nous changent pas, à quoi bon se souvenir ? » demande Galant. Dans son film bref mais puissant, elle nous laisse également beaucoup de choses à réfléchir et à discuter.