Critique de « The End » : êtes-vous prêt pour une comédie musicale post-apocalyptique ? Tilda Swinton est

Festival du film de Telluride : le film dystopique de Joshua Oppenheimer rejoint « Emilia Perez » et « Joker : Folie à Deux » dans l'un des triptyques les plus étranges du cinéma récent

L'étrange et accidentelle synchronicité de l'industrie du cinéma nous a apporté deux films sur les volcans, deux films sur les astéroïdes et les comètes, deux films sur Pinocchio et deux films sur Truman Capote en succession rapide, ainsi que quatre films sur les échanges de corps sur une période de deux ans dans les années 1980. Mais « The End », dont la première a eu lieu samedi soir au festival du film de Telluride, fait peut-être partie de la tendance la plus étrange de toutes en matière de coïncidences cinématographiques : des films de festivals de cinéma qui sont des comédies musicales, même si rien dans le sujet ne donne à penser qu'ils devraient l'être.

Il y a d'abord eu « Emilia Perez » de Jacques Audiard, qui a fait sensation au Festival de Cannes de cette année en s'emparant de l'histoire d'un baron de la drogue d'Amérique centrale qui subit une opération de changement de sexe et en la remplissant de chansons. Le Festival du film de Venise a ensuite frappé avec « Joker : Folie à Deux », dans lequel Todd Phillips transforme sa suite du drame oscarisé de 2019 « Joker » en comédie musicale, bien que Phillips insiste sur le fait qu'il ne s'agit pas d'une comédie musicale. musicalc'est juste un film où le personnage ne peut pas s'exprimer avec des mots alors il chante. (Cela ressemble beaucoup à la définition d'une comédie musicale pour moi, mais peu importe.)

Et maintenant, Joshua Oppenheimer, plus connu pour le documentaire effrayant de 2012 « The Act of Killing », a fait ses débuts narratifs avec un film dans lequel Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay, Moses Ingram et d'autres font face à l'apocalypse depuis un manoir souterrain où, vous l'avez deviné, ils chantent.

Et non, ils ne chantent pas des airs de comédie musicale pour passer le temps ; ils chantent leurs pensées, remplaçant la mélodie par des conversations, d'une manière qui rappelle parfois les comédies musicales chantées comme « Les Parapluies de Cherbourg » de Jacques Demy, bien que les chansons soient déployées avec plus de parcimonie. C'est une idée déroutante, parfois déroutante, mais son objectif est clair : les chansons sont un artifice et une fantaisie, tout comme la vie que ces gens ont laborieusement créée dans une mine de sel abandonnée dans les pires moments.

Les détails de ce qui les a conduits là sont flous, mais ils se cachent clairement d'un monde devenu essentiellement inhabitable et barbare. Leur maison a été creusée dans les murs de la mine de sel, mais les intérieurs ressemblent à des pièces d'un somptueux domaine à l'ancienne, avec des œuvres d'art célèbres se disputant l'espace sur chaque mur. Tout le confort de la maison est ici, dans ce bunker souterrain fortifié qui dispose d'une réserve apparemment inépuisable de… eh bien, de tout ce dont vous pourriez avoir besoin ou envie.

La mère (Swinton, qui a également produit le film avec Oppenheimer et Signe Byrge Sorensen) se réveille la nuit, haletante de peur, mais s'efforce de paraître aussi joyeuse que possible ; le père (Shannon) est un ancien magnat de l'énergie qui semble se sentir coupable de ce que lui et ses semblables ont fait à la planète ; le fils (MacKay, la star de « 1917 ») a passé toute sa vie dans le bunker, ce qui contribue à sa remarquable facilité à construire des maquettes de lieux célèbres, ainsi qu'à sa naïveté parfois choquante. Il y a un cuisinier (Bronagh Gallagher), un médecin (Lennie James) et un assistant polyvalent (Tim McInnerny).

Parce que toute leur existence est un exercice de déni, la maison est essentiellement un décor, une glorieuse contrefaçon. Ce qui se passe à l'intérieur est une gigantesque œuvre de fiction maintenue en place par une détermination farouche à faire semblant que tout va bien.

C'est un signe avant-coureur lorsque le fils commence sa matinée en affichant un sourire fade et en chantant : « Je savais que ce serait une matinée parfaite / Personne ne bouge. » Comme maman et papa, il a tendance à chanter ses chansons face à la caméra, devant un public invisible qui a besoin d'être impressionné par son existence parfaite. Lui et sa famille sont hors du temps à plus d'un titre – et parce qu'ils existent dans cet endroit où rien ne change jamais, ils doivent se convaincre qu'ils profitent de cette existence artificielle et intemporelle.

Tout est guindé, bizarre, nerveux ; il y a des rires, mais ils sont toujours forcés. On pourrait dire que c'est gênant quand ils se mettent à chanter – mais en vérité, leurs conversations à table semblent également gênantes.

Oppenheimer cultive un air de terreur dès les premières images, aidé par le directeur de la photographie russe Mikhail Krichman (« Léviathan »), qui laisse sa caméra caresser le mobilier somptueux – mais ce sont les ombres profondes et menaçantes à l'intérieur des tunnels de sel qui entourent les locaux d'habitation qui hantent tout le film.

Et dans l'un de ces tunnels, la famille trouve une jeune femme interprétée par Ingram (« Le Jeu de la dame »), qui a réussi à pénétrer dans le bunker depuis l'extérieur, où sa famille luttait pour survivre. Dire qu'elle perturbe la dynamique de la famille serait un euphémisme, mais bien sûr, ils essaient de ne pas le laisser paraître. Bientôt, les relations familiales commencent à s'effilocher et tout commence à s'effondrer lentement – ​​non pas que tout ait jamais vraiment tenu ensemble, sauf par la force de la volonté et de l'illusion.

Bien que les deux films ne puissent être plus différents, il existe un lien évident entre ce qu'Oppenheimer fait dans « The End » et la manière dont il explore avec force le monde de la narration et de l'artifice dans « The Act of Killing ». Dans ce documentaire nominé aux Oscars, les auteurs des massacres de masse en Indonésie dans les années 1960 ont reconstitué leurs crimes et ont également interprété des numéros musicaux, avec leurs envolées audacieuses de fantaisie ancrées dans une horrible réalité. Dans « The End », la distance fictionnelle adoucit les choses, rendant certaines parties du film audacieuses et d'autres déroutantes.

La plupart des chansons de Joshua Schmidt et Marius de Vries ne sont pas particulièrement mémorables, mais elles ne sont pas exactement conçues pour l'être ; ce sont des monologues, plus amorphes que fredonnables ou accrocheurs, bien que quelques-unes d'entre elles (y compris une petite chansonnette majestueuse dans laquelle le personnage de Shannon brode quelques détails sur sa cour avec sa femme) parviennent à se démarquer.

Parmi les acteurs, Bronagh Gallagher, l'actrice et musicienne irlandaise qui a chanté pour la première fois à l'écran dans « The Commitments » en 1991, est l'interprète la plus convaincante. MacKay est assez hésitant, Shannon fait un travail honorable sur des morceaux qui le forcent parfois à chanter en falsetto pincé et Swinton est tendue et un peu criarde – bien que le fait qu'elle soit Tilda Swinton soit tout à fait plausible qu'elle chante ainsi non pas parce qu'elle est une mauvaise chanteuse, mais parce qu'elle a décidé que c'est ainsi que son personnage devait sonner.

Ils chantent, ils dansent, ils se déguisent et se donnent en spectacle, mais ils se disputent, se battent et luttent aussi. Tout le monde se sent coupable d'avoir laissé des gens derrière eux alors qu'ils ont fui vers le refuge parfait. Tout le monde a peur d'être seul. Tout le monde sait que la gaieté forcée d'un bal costumé du Nouvel An est ridicule.

En vérité, le film peut aussi être assez ridicule, son ambition débridée pouvant parfois paraître un peu téméraire. Mais aller trop loin est peut-être le but de « The End », qui propose une recette de vie adaptée à la fin des temps : maintenez le fantasme en place aussi longtemps que vous le pouvez. Et en cas de doute, chantez.

« The End » sortira chez NEON.