CIFF 2024: The Light of Truth: Richard Hunt’s Monument to Ida B.

Au milieu de l'offre sinistre du Festival international du film de Chicago, je me suis retrouvé réconforté par un trio de documentaires, qui enchantent en rappelant que l'espoir du renouveau et de la transformation n'est jamais trop loin. Un fils essayant de se connecter avec sa mère au milieu de sa démence à un stade avancé, la construction d'un monument emblématique de Chicago, d'anciens restaurants Pizza Hut transformés en lieux où les personnes issues d'identités marginalisées peuvent se rassembler et trouver du réconfort – telles sont les portes d'entrée narratives de cette élévation. proclamation. Cela ne veut pas dire que ces documentaires n’abordent pas des sujets sérieux ou lourds. Tout en n'hésitant pas à décrire les difficultés, ils célèbrent le fait que l'espoir ne doit pas nécessairement être superficiel ou naïf, mais peut être tout aussi multidimensionnel que le chagrin.

La réalisatrice Rana Segal « La lumière de la vérité : le monument de Richard Hunt à Ida B. Wells » est un exercice révélateur mettant en évidence la relation symbiotique entre l’art et l’activisme. Il suit le regretté sculpteur Richard Hunt alors qu'il construisait le monument « Lumière de la vérité » en l'honneur de la militante et suffragiste Ida B. Wells. Le monument de 35 pieds de haut se dresse actuellement dans le quartier de Bronzeville. Alors que Segal documente le processus de construction de Hunt et met en lumière la façon dont il s'est intéressé à l'art et à la sculpture, elle établit des parallèles intéressants entre son talent artistique et l'activisme de Wells.

Il aurait été facile pour un documentaire comme celui-ci d'établir un lien entre les deux artistes alors qu'il pouvait y avoir des similitudes superficielles, mais « The Light of Truth » évite cela en montrant à quel point Wells et Hunt menaient intrinsèquement la même bataille. pour la justice raciale, l’égalité et la dignité simplement par des moyens distincts. Dans une séquence, Segal explore comment le travail de Hunt a pris une tournure distincte après avoir vu le corps mutilé d'Emmet Till. Son art est devenu beaucoup plus politiquement chargé à mesure qu’il explorait les particularités de la souffrance des Noirs à travers le prisme de l’abstraction. De cette manière, Hunt était un artiste devenu activiste. Segal montre également intelligemment l'inverse en se concentrant sur la façon dont l'écriture et la paternité de Wells constituaient sa forme d'art. En mettant Hunt et Wells en conversation, même s'ils ont vécu à des époques différentes, Segal et son équipe repoussent l'idée selon laquelle le travail de justice se fait toujours de manière isolée ; une connexion communautaire lie à travers le temps et l’espace.

Vince Singelton, professeur adjoint à l'École de communication de l'Université Loyola de Chicago et qui a agi en tant que directeur de la photographie du film, élève également le film dans la façon dont il présente le monument en cours d'érection. L'intégration d'un mélange de prises de vue de drones et de gros plans donne au monument un aspect à la fois plus grand que nature et accessible ; cela témoigne de la manière dont Wells et Hunt, malgré tout leur travail révolutionnaire, étaient également des personnes qui ne cherchaient pas de plate-forme mais voulaient plutôt prendre soin des communautés dans lesquelles ils se trouvaient.

Un conte local du réalisateur Kyle Henry, qui est également professeur agrégé à Northwestern, « Passages du temps » est un documentaire désarmant, dévastateur et doux sur ce que signifie être honnête et honorant lorsque l'on raconte des histoires sur notre famille. Il sert de capsule temporelle à Henry alors qu'il documente sa relation avec sa mère âgée, Elaine, qui, au plus fort de son tournage, lutte contre la démence. Cela se produit au plus fort du confinement, une grande partie des images de la conversation consiste en des appels vidéo d'Henry avec Elaine.

Certains de mes documentaires préférés expérimentent la forme d’une manière qui ne se fait pas au détriment du message. La narration d'Henry dans « Time Passages » est expérimentale, incorporant l'utilisation de techniques documentaires non conventionnelles (dans une séquence, il a une conversation avec lui-même où il joue sa mère, sa perruque et tout ; dans une autre, il reconstitue une dispute que ses parents ont eue mais utilise modèles de figurines et voix off). C'est une fonctionnalité, pas un bug, cependant, car sa narration toujours fluide parle de la façon étrange dont le temps s'est écoulé au plus fort du verrouillage et de la désincarnation de nos interactions. C'est une histoire spécifique pour lui et sa mère, mais ce qui est émouvant, c'est la façon dont il utilise les particularités de sa propre expérience pour faire des observations universelles, sous peine de documenter la détérioration.

Henry a le don de poser nonchalamment les questions les plus profondes, celles qui vous collent aux côtes longtemps après que l'action du film a dépassé son enquête (« Est-ce que toutes ces histoires sont importantes à retenir ? » réfléchit-il dans une scène). À sa fin, « Time Passages » est un film qui célèbre la vie dans sa complexité aux multiples facettes, nous rappelant que nous pouvons être présents avec quelqu'un toute sa vie sans jamais vraiment le connaître. Il y a de la tristesse ici, mais aussi de la beauté, car cela signifie simplement qu'il y a une richesse de personnalité et d'identité chez les gens qui éclipse notre capacité à la saisir pleinement.

Je ne m'attendais pas à être ému en regardant un documentaire sur le passé, le présent et l'avenir de Pizza Hut. Pourtant, le réalisateur Matthew Salleh « Tranche de vie : le rêve américain. Dans d’anciennes Pizza Huts. m'a surpris en raison de l'approche personnelle qu'il a adoptée pour son histoire radicale. Même si Pizza Hut est toujours en activité (il y en a au moins treize dans les limites de la ville de Chicago), nombre d'entre eux ont dû fermer leurs portes ces dernières années. Salleh raconte comment une poignée de propriétaires de petites entreprises ont refait ces bâtiments Pizza Hut fermés avec leurs fenêtres trapézoïdales distinctes et leur structure de toit unique à leur image. D’une église LGBTQ+ en Floride à un dispensaire de cannabis au Colorado, le film sert d’anthologie de résilience et de renouveau de communautés qui peuvent trouver de nouveaux foyers et un lieu de rassemblement. Le film célèbre les gens qui ne sont plus obligés d'être seuls.

Le plaisir du film de Salleh est de rencontrer les différentes personnalités qui ont réaménagé les bâtiments. Il est intéressant de voir comment ils ont adopté la même disposition mais ont fait quelque chose d'unique en fonction des besoins de leur entreprise ; l'église mentionnée ci-dessus a transformé les fenêtres trapézoïdales en vitraux tandis que Jim Hillaker, propriétaire du Pizza-Hut devenu magasin de cannabis, ironise : « Maintenant, nous avons notre propre bar à salades avec notre propre type de laitue. » Salleh raconte également l'histoire de la création de Pizza Hut ainsi que la façon dont la chaîne est unique parmi les autres restaurants de restauration rapide dans la manière dont elle utilise des stratégies de marketing inventives.

Il est normal que, même lorsque certaines franchises ferment, leur rénovation incarne l'esprit métamorphique de Pizza Hut. « Quand les choses continuent de se transformer, la beauté peut en découler », explique Susan Charron, diacre de l'église en vedette. Cela m'a rappelé un verset de la Bible où Dieu ordonne à son peuple de « transformer leurs épées en socs de charrue », indiquant comment quelque chose utilisé à des fins nuisibles peut être transformé en quelque chose de vivifiant. « Pizza Huts into Cannabis dispensaries » n’a peut-être pas tout à fait la même sonorité, mais le sentiment s’applique là aussi.