CIFF 2024: The Knife, Okie, Bliss | Festivals & Awards

Bien que voyager pour assister à des festivals de cinéma soit toujours une joie et un privilège, il n'y a rien de tel que d'en profiter dans le confort de sa ville natale. C'est ce qui rend le Festival international du film de Chicago si spécial ; pendant près de deux semaines, les artistes, créatifs et cinéphiles de la ville se réunissent pour regarder un large éventail de films du monde entier. Le visionnage du festival est sa façon de cultiver une famille retrouvée, et il est passionnant de voir un espace familier rendu avec de la nouveauté alors que les gens nouent de nouvelles connexions et que la ville embrasse pleinement ses racines cinématographiques. À juste titre, trois drames joués dans le cadre du CIFF de cette année déconstruisent la sûreté et la sécurité qu'offre la maison, montrant à quel point les rythmes que nous avons orchestrés sont fragiles et la relation entre l'endroit où nous sommes et d'où nous venons est toujours changeante et renouvelée. négocié.

Avec 82 minutes, le premier incisif du réalisateur Nnamdi Asomugha « Le couteau » est une classe magistrale de tension et de tragédie, refusant de donner au public des réponses faciles même si cela lui donne une famille avec laquelle sympathiser et pour laquelle s'enraciner. En plus de réaliser lui-même le film et de co-écrire le scénario avec Mark Duplass, Asomugha joue dans le film le rôle de Chris, le patriarche d'une famille noire, qui enquête sur un bruit mystérieux dans sa maison tard dans la soirée. Ses filles Kendra (Amari Alexis Price) et Ryley (Aiden Gabrielle Price) dorment, tout comme sa femme, Alex (Aja Naomi King). Attrapant un couteau de poche, il entre dans sa cuisine et voit une femme blanche plus âgée qui se tient là. Asomugha ne montre pas ce qui se passe ensuite, seulement ses conséquences désastreuses : le corps de la femme sur le sol, le couteau de Chris pas trop loin de sa main droite. Alex, Ryley et Kendra arrivent sur les lieux, et peut-être prématurément, Chris appelle une ambulance. Lorsque des policiers viennent saluer la famille, Chris et Alex réalisent rapidement que la situation pourrait mettre sa famille encore plus en danger. Naturellement, dans une tentative de paraître plus sympathique envers les gens qui préfèrent être arrêtés d'abord et poser des questions plus tard, Alex modifie légèrement la présentation de la situation, provoquant une réaction en chaîne de suspense et d'appréhension alors que la famille cherche à sortir indemne de l'interrogatoire de police.

L'absence d'une partition cohérente ou bruyante donne souvent l'impression que ce à quoi nous assistons n'est qu'un documentaire se déroulant en temps réel. Asomugha et le directeur de la photographie Alejandro Mejía adorent les visages, leur caméra se concentre fréquemment sur les visages torturés et calculateurs de la famille et des officiers alors qu'ils réagissent en temps réel à ce qui se passe. Le film raconte finalement comment une famille se désagrège. Asomugha fait un travail remarquable en donnant l’impression d’une cascade de calamités naturellement horribles, inévitable même avec la vraisemblance de pouvoir faire de « meilleurs choix ». En effet, le film demande à quel point les gens sont privés de leurs droits dans un État policier, où un mot erroné ou un langage corporel mal interprété peut faire la différence entre la vie et la mort. Il y a une scène bien trop pertinente où les flacons de médicaments sur ordonnance de Chris sont regardés trop longtemps par les policiers comme pour insinuer qu'ils ne sont peut-être pas légaux ou sur ordonnance.

Melissa Leo se démarque également en tant que détective chargée de découvrir « ce qui s’est réellement passé ». Il est évident, cependant, que les officiers ne sont pas tant là pour découvrir la vérité que pour essayer de trouver une histoire qui puisse s'adapter parfaitement à leurs idées préconçues et à leur récit, et Leo fait le juste équilibre entre corruption et un parti pris évident pour les téléspectateurs tout en étant irréprochable en apparence ; c'est quelqu'un qui a adhéré à l'illusion qu'elle est vraiment là pour aider. Asomugha refuse également de caractériser ses personnages de manière archétypale, notamment dans son portrait de Chris. Chris a des défauts, mais le film se demande si, dans le système judiciaire pénal américain, des gens comme lui sont autorisés à avoir des défauts et si ces défauts méritent le traitement qu'il reçoit finalement.

Filmé pendant 15 jours dans le nord de l'Illinois mais dans une ville non précisée, « D'accord » est une sombre subversion de l'histoire du « fils prodigue » et sera sûrement une montre perspicace et révélatrice pour ceux qui ont pensé avoir grandi au-delà de la portée et des besoins de leurs villes et communautés natales. Il se concentre sur Louie (Scott Michael Foster), un écrivain acclamé qui rentre chez lui pour rassembler les affaires de son défunt père. Il n'a l'intention de rester que quelques jours, mais il est rapidement ramené dans l'orbite de ses amis et flammes d'enfance, notamment Travis (Kevin Bigley) et Lainey (Kate Cobb, qui est également la réalisatrice). C'est une histoire qui donne à réfléchir et finalement horrible sur la façon dont notre relation avec la maison change à mesure que nous nous déplaçons à travers le monde et comment la poursuite du succès nous amène à blesser et à oublier ceux qui nous aiment et prennent le plus soin de nous.

Dès le début, Cobb montre de manière experte que le retour de Louie sera tout sauf un chaleureux retour à la maison. Le succès littéraire de Louie repose sur ses histoires, basées sur les habitants de sa ville natale, et il utilise souvent leurs vrais noms et histoires de vie. Bien que la nature exacte de ces histoires ne soit pas discutée, il est évident qu'il a pris beaucoup de libertés créatives dans la façon dont il écrit sur sa communauté et qu'il n'a pas peur de déformer la vérité pour la rendre plus excitante et plus rentable.

Cobb a créé ici une ambiance universelle, tout en racontant une histoire très spécifique sur Louie. Peu importe à quelle distance nous nous éloignons de chez nous, nous avons toujours le sentiment qu'à notre retour, nous ne pouvons nous empêcher de reprendre nos vieilles habitudes. De plus, il montre comment, lorsque nous partons, les personnes que nous laissons derrière nous sont souvent figées dans le temps ; il y a une gêne lorsque nous essayons de nous connecter parce que nous essayons de réconcilier qui ils sont présents avec qui nous les connaissions comme avant. Alors que Louie revit les mouvements de son ancienne vie et rattrape les gens de sa ville, c'est comme s'il se demandait si la seule chose qui le relie était qu'il s'agissait de personnes qu'il connaissait.

La mise en scène de Cobb imprègne un sentiment d'inquiétude et de frustration troublant dans tout ce qui se passe ; à quel point les gens sont gentils, mais leurs subtilités révèlent une frustration et un mécontentement plus profonds quant à la façon dont ils ont été représentés. Foster est également une révélation ici, ne s'éloignant jamais trop de rappeler aux téléspectateurs qu'il est obsédé par lui-même et insensible, mais aussi profondément identifiable. Surtout dans les moments où il essaie de renouer avec Travis, c'est drôle de voir comment sa politesse de la « haute société » se heurte à la chaleur et au caractère informel de ceux de sa ville natale ; il pense qu'il est gentil, mais cela ne fait que paraître plus choquant et souligne encore davantage son isolement et sa séparation d'avec ces personnes qu'il connaissait. En effet, la vie réelle est souvent beaucoup plus complexe, nuancée et moins passionnante que les films ou les livres que nous lisons, et le film devient une critique de la façon dont nous pouvons trop facilement ignorer notre passé et le critiquer dans un souci de profit. Le film soulève des questions importantes sur la manière dont nous devrions gérer les histoires de ceux qui ne sont pas les nôtres.

J'admets pleinement qu'à la lumière du déplacement et de la destruction en cours de la Palestine et de son peuple par Israël, il a été difficile de regarder (et de revoir) « Bliss » du réalisateur israélien Shemi Zarhin. Le film ne commente pas directement les violences actuelles, ayant été écrit et tourné avant le 7 octobre. Il est révélateur cependant que le film présente des lieux, comme un centre communautaire avec une piscine, qui n'existent plus car ils ont depuis été détruits à cause du conflit. Bien que le film lui-même soit un drame et une romance, le voir dans cet esprit semble néanmoins inquiétant car il semble visuellement déjà dépassé et déconnecté de ce qui se passe actuellement ; il y a une dissonance choquante entre la tendresse et la lutte qu'il tente de décrire à la lumière de la violence qui se déroule actuellement dans ces régions.

« Bonheur » explore comment trouver des moments de contentement au milieu de perturbations familiales. Ses personnages mettent souvent à l'épreuve l'engagement des membres de leur famille envers l'amour inconditionnel, et il capture de manière émouvante la façon dont les membres d'une famille jouent des rôles différents les uns par rapport aux autres au fur et à mesure que la vie progresse. Il est centré sur un couple marié, Sassi (Sasson Gabay) et Effi (Asi Levi), qui occupent divers emplois à temps partiel pour gagner leur vie. Ils ont rarement un moment de répit car le fils de Sassi a accumulé des dettes de jeu excessives, qu'ils l'aident à rembourser. Malgré leur quotidien, ils trouvent beaucoup d'humour et de joie dans leur situation, trouvant même le bon côté de l'impuissance sexuelle d'Effi. Cette paix fragile (mais fatigante) est mise à l'épreuve lorsque deux jeunes hommes reviennent dans leur vie de manière bruyante : Omri (Maor Levi), le petit-fils tempétueux et libre d'esprit de Sassi, revient vivre avec Sassi et Effi, et David (Adi Alon ) une ancienne élève d'Effi avec qui elle avait une relation, vient chez elle pour du thermalisme.

Alors que Sassi et Effi tentent maintenant de créer une nouvelle normalité, le film explique à quel point la perturbation est la règle dans la vie et que nous devrions apprendre à accepter les rides inattendues de la vie. De manière rafraîchissante, il dépeint Sassi et Effi comme des personnes ayant une vie bien remplie et riche ; Même si j'aime les films sur le passage à l'âge adulte, il y a souvent un désintérêt cinématographique et aplatissant pour ceux qui ont dépassé un certain âge. Sassi et Effi sont honnêtes sur la façon dont ils expriment leurs doutes, leurs frustrations et leurs désirs, et l'arrivée d'Omri et David devient pour eux une porte d'entrée pour réfléchir à leurs regrets et à leurs choix de vie. La force vient de la façon dont Zarhin cadre ces moments quotidiens, son engagement à voir Sassi et Effi vivre leur vie quotidienne soulignant le thème clé de la recherche du respect dans l'ordinaire. Dans une scène où Sassi aide Omri avec l'hydrothérapie, la caméra de Zarhin recule pour cadrer les deux comme étant très petits par rapport à la taille de la piscine dans laquelle ils se trouvent ; cela ressemble à rien de moins qu’un baptême.