Cannes 2025: The President’s Cake, Death Does Not Exist, Peak

Le tout premier film d'Irak pour concourir à Cannes, Hasan Hadi « Le gâteau du président » Je suis présenté non pas dans la compétition principale du festival, mais plutôt dans la section quinzaine des réalisateurs parallèlement à celui-ci, où il s'est démarqué comme l'une des découvertes les plus excitantes de cette année, avant même de remporter le prix du public de sa section plus tôt cette semaine et de la prestigieuse appareil photo d'Or (décerné chaque année à un premier long métrage) lors de la cérémonie de clôture de ce week-end.

Situé dans les années 1990, l'Irak, alors que le régime autoritaire de Saddam Hussein a conservé le pouvoir tout au long d'une période brutale de sanctions économiques et de bombardements aériennes qui ont entraîné des pénuries de nourriture et de médecine, la sublime de Hadi, une histoire tragicomique – a détruit ses propres souvenirs d'enfance – les trésors de la lumière des enfants ont fait la lumière sur une réalité de la vie dans le cas de la vie dans la règle de Hussein. L'honneur de l'autocrate, a souvent du mal à se permettre – ou même à retrouver – les ingrédients nécessaires pour le faire.

Pour la Lamia de neuf ans (Banin Ahmad Nayef), qui vit avec sa grand-mère Bibi (Waheed Thabet Khreibat) dans les marais mésopotamiens transmissibles en Irak, étant une expérience qui change la vie, d'autant plus que sa famille ne peut pas se permettre les coûts supplémentaires. Mais une fois que Lamia et sa grand-mère – ainsi que son chérir hindi de coq de compagnie – se dirigent vers la ville à la recherche de sucre, d'œufs, de farine et de le lait, Lamia se rend compte que sa grand-mère a fait le voyage avec d'autres motifs, alors elle s'enfuit dans la panique pour se procurer les ingrédients elle-même. Elle est rejointe par le meilleur ami Saeed (Sajad Mohamad Qasem), qui a été chargé de rassembler des fruits frais pour la célébration d'anniversaire.

Rappelant les premières œuvres du maître Abbas Kiarostami, qui adopterait une perspective de l'œil d'enfant pour dénicher progressivement l'absurdité et les difficultés de la société iranienne plus large, les débuts trompeusement chaleureux de Hadi amènent la lamia et Saeed contre les vendeurs, les policiers et d'autres de la ville de la ville. Les gens qu'ils rencontrent et tentent de négocier sont tour à tour gentils, cruels, complices et prédateurs, mais les enfants – et leur coq – entrent dans chaque interaction avec une innocence qui ressemble plus à l'intégrité et à la force intérieure, à chaque rencontre passagère.

Il y a étonnant poignance dans leur progression, qui est élevée par les rythmes fluides et les épanouissements rapides et ouverts d'instruments de cordes traditionnels sur la partition, ainsi que par la décision de Hadi de filmer sur place en Irak; Qu'il s'agisse de capturer des zones humides anciennes ou des rues de la ville, le directeur de la photographie Tudor Vladimir Panduru maintient une concentration intime sur les jeunes interprètes du film, donnant vie aux textures animées et animées de cette période.

« The Président's Cake » me rappelle un autre point de repère du cinéma iranien: « The White Balloon » de Jafar Panahi, qui a remporté la caméra d'Or à Cannes en 1995, trente ans avant de remporter le Palme d'Or lors de la cérémonie de cette année. Tout comme les débuts propices de Panahi, cette fable morale riche et extrêmement émouvante découvre les dures réalités dans la société irakienne sans s'écarter du point de vue sincère de son protagoniste à hauteur du genou, et sans diminuer la dignité ou la valeur de ses espoirs et de ses rêves. À Nayyef, dont les yeux expressifs nous disent tout ce que nous devons savoir sur le bilan émotionnel de cette mésaventure, Hadi a trouvé la jeune actrice parfaite pour jouer à Lamia. Son avenir, comme le sien, est exceptionnellement brillant.

Le titre de l'animateur de Québécois Félix Dufour-Laperrrée «La mort n'existe pas» n'est pas un fait mais plutôt une idéologie, qui inspire un groupe de révolutionnaires potentiels alors qu'ils montent une attaque violente contre les cibles riches, estimant que cette action directe enverra des ondes de choc dans l'établissement et sauver le monde d'une catastrophe climatique par ailleurs inévitable.

Désespérément idéaliste dans l'autodestruction qu'il exige de ses jeunes radicaux, cette attaque est toute une mission mais certainement une mission de suicide; Cela implique une embuscade d'une famille puissante à l'extérieur de leur domaine palatial, armé de fusils à double canon et d'envoi non seulement des propriétaires fonciers, mais de leurs détails de sécurité. Leur espoir – sinon peut-être leur croyance – est que tout changera, que leur acte de courage déclenchera l'effondrement d'un système non durable.

Mais dans un moment fatidique d'indécision, alors que les militants avancent sur leurs cibles et commencent à s'engager dans une fusillade brutale, le sang jaillissant dans des tons jaune d'or des corps de leurs victimes, Hélène (exprimée par Zeneb Blanchet) réalise qu'elle ne souhaite pas participer, abandonnant brusquement.

L'interprétation de la lutte intérieure d'Hélène entre la conviction politique et le sacrifice personnel à travers une lentille d'abstraction figurative qui rend le paysage environnant dans des teintes en sourdine et métamorphiques, Dufour-Laperraire la suit ensuite à travers une forêt sombre, car des figures sombres se matérialisent de l'éther et du bruissement des feuilles de chuchotements. Manon (exprimé par Karelle Tremblay), un collègue combattant de la liberté, réapparaît bientôt, ayant miraculeusement survécu à l'attaque ou retourné comme une manifestation de la culpabilité d'Hélène, et les deux femmes traversent cet environnement, racontant leurs expériences et rencontrent divers fantasmes qui reflètent les cycles de mortalité et de violence, de beauté et d'horreur, de mort et de résurrection.

Le dialogue répétitif de Dufour-Laperrière mène les femmes sur un chemin circulaire, peut-être peu disposé à rendre une décision trop définitive sur les convictions morales de ces violents manifestants. Il se concentre davantage sur la contemplation des conséquences personnelles de l'action et de l'inaction, des positions d'empathie radicale qui peuvent souvent sous-tendre la violence juste, et la nature dévorante de l'amour face à la mort. Avec son animation minimaliste dessinée à la main, Dufour-Laperrière brouille les frontières entre les individus et les arrière-plans pour produire des tableaux obsédants et poreux dans lesquels seuls le mouvement et l'action exposent le caractère. Sa palette de couleurs en sourdine de légumes verts, d'oranges et de jaunes correspond à l'étendue du monde naturel, tandis que les éclats viscéraux de rouge et de noir reflètent le bouleversement violent qui l'attend.

Après avoir vu un mouton se sauver par les loups, Hélène observe que les blessures béantes dans sa carcasse sanglante commencent à guérir, ont rompu la chair et la laine sautée se couvrent ensemble. Plus tard, la flore et la faune convergent de façon effrayante alors que les veines rouges et les vrilles noires dépassent le corps qui bat de l'un des loups, une image puissante rappelant la «princesse Mononoke» de Hayao Miyazaki sur le thème de Hayao Miyazaki. Finalement, tout change, littéralisé sous la forme d'un tremblement de terre qui bouleverse la civilisation dans une vague de sol et de végétation. Le seul film d'animation dans la quinzaine des réalisateurs cette année, «Death Don Not Exist» maintient ambigu l'ambiguïté de ses personnages dans la précipitation de ce changement de mer, restant plutôt à un niveau dangereux Oneiric alors qu'il rumine sur le processus désordonné et destructeur de naissance de tout nouveau monde des cendres de l'ancien.

Les cœurs saignants abondent également dans Anne Émond «Tout culbut» » Bien que le film, également projeté dans la quinzaine des réalisateurs, envisage la fin du monde d'une manière résolument plus optimiste. Une ode vif du pouvoir émotionnellement clarifiant de l'amour en cas de crise existentielle, c'est l'une des comédies romantiques les plus effusives et légères à projeter à Cannes dans la mémoire récente. Il est également anxieux à l'extrême, et Émond obtient un kilométrage comique impressionnant des névroses de son personnage principal sans jamais saper l'honnêteté sans défense de sa situation.

Centré sur Adam (Patrick Hivon), un propriétaire de chenil doux qui a du mal avec une dépression intense et une éco-anxiété, le film se met en marche une fois qu'il acquiert une lampe pyramidale-thérapie légère pour traiter l'insomnie. Immédiatement et un peu inexplicablement (n'est-ce pas toujours?), Il tombe amoureux de la voix chaleureuse et apaisante de Tina (Piper Perabo), un représentant du service à la clientèle avec la compagnie de lampe, qui sympathise à distance avec l'incapacité d'Adam à comprendre le monde et ses problèmes.

Entre la catastrophe du climat, l'isolement de l'ère pandémique, la marée montante du fascisme et la maladie mentale que toutes ces crises simultanées rendent inévitable, Adam a beaucoup à l'esprit (y compris le point de basculement de la consommation maximale qui prête le film – son titre, mais il note, il note aussi, c'est aussi un acronyme de range Alternative. » Lorsqu'une catastrophe naturelle sépare leur connexion au milieu de l'appel, Adam obtient sans aucun doute sa voiture et conduit à des centaines de kilomètres en Ontario pour être à ses côtés.

La possibilité de l'amour change tout pour Adam, et il se sent plus vivant que jamais; Mais Tina a affaire à de profondes angoisses qui lui sont propres et à l'apparition d'Adam dans sa vie – qui englobe déjà un mari (Gord Rand) avec un problème d'alcool et deux jeunes enfants qu'ils co-coparent – provoquent des émotions plus compliquées. «Lorsque vous choisissez un chemin, vous ne voyez pas les autres», lui dit-elle, après qu'un échange tendu révèle qu'Adam naïve aspire au type de confort domestique dans lequel elle se sent piégée.

Et pourtant, avec la réunion improbable d'Adam et Tina, une autre voie fait ouvrir; Si leur nouvelle proximité physique excite et confond leurs sens, leur lien émotionnel est indéniable. (Émond capture leur tendre danse entre érotique et absurde dans une scène de chambre où les deux font tout sauf l'amour en ne s'attardant que l'un à côté de l'autre, Adam la caressant sans toucher; l'œil du cinéaste pour des images d'intimité poignante, comme les mains tenant sous-marine, est exquise.)

Que ce qui semble être l'apocalypse est vraiment la fin du monde, ou tout simplement le début d'un nouveau chapitre, est l'une des vanites tonalement ambitieuses qui stimule le film sensible, humain et attachant d'Émond, la conduisant à travers une gamme de genres, d'émotions et d'idées avant de délivrer un final presque optimiste presque optimiste comme des mâchoires de désespoir.