Cannes 2025: Sentimental Value, Romería, The History of Sound |

Si vous avez suivi, vous remarquerez que la plupart de ces capsules ont été des sacs de saisie qui ne sont pas nécessairement liés par leur placement de festival ou même les thèmes. Mais celui-ci est différent. Chaque film ici a non seulement joué dans le cadre de la compétition principale. Ils ont également été créés le même jour. Ces œuvres sont en outre liées par leur intérêt pour la mémoire et la perte, en préservant le passé et en luttant pour regarder vers l'avenir – des idées qui pourraient également être appliquées à d'autres moments forts du festival comme «Renoir» et «l'ombre de mon père». Deux de ces trois films pourraient également être parmi les meilleurs à Cannes. Alors commençons sur un sommet.

Dans l'écrivain / réalisateur Joachim Trier «Valeur sentimentale», Une dramatique familiale tranquille sismique, sont deux sœurs proches, un père éloigné et une maison indispensable liée à des générations pour une tourmente émotionnelle. Le suivi intime de Trier, la résolution de l'ambiguïté et de la pire, il y a aussi un film sur le film et le talent artistique, ce qui est de la douleur. en créant.

Cela commence par la personnification d'une maison familiale, une maison victorienne rouge et verte resplendissante qui a été transmise de génération en génération. Grâce à la narration, nous apprenons l'histoire de cette demeure confortable, l'amour qui s'est produit, les combats qui l'ont secoué et les départs qui ont modifié sa verve. À l'heure actuelle, les sœurs Nora (Renate Reinsve) et Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) connaissent un changement majeur, la mort de leur mère. En raison de son décès, la maison reviendra à Gustav (Stellan Skarsgård), leur père distant. Célèbre réalisateur célèbre, Gustav est proche de la souvent paisible Agnes, qui agit souvent comme son assistante de recherche, mais est éloignée de sa fille d'actrice beaucoup plus vulnérable Nora.

Néanmoins, Gustav revient dans la vie de Nora en brandissant un script avec un rôle principal qu'il a écrit pour elle. Comme vous vous en doutez, Nora ne désire pas vraiment être dans le film de sa pop: ils se chamaillent et se blessent, et dernièrement, elle a lutté contre la peur de la scène. Après une rencontre fortuite dans un festival du film, Gustav, à la place, offre la partie à l'actrice américaine Rachel Kemp (Elle Fanning, avec sa meilleure performance depuis « The Beguiled »). Mais même ce pas de côté entraîne le grattement des blessures brutes.

Trier déplace ici d'innombrables parties: il ramène le film dans l'histoire à l'occupation nazie du pays, commente les idées suicidaires, exprime le pouvoir de la fraternité et trouve même le temps de jeter quelques coups de pot sur Netflix. Son film transcende le temps et, jusqu'à un point, à travers les lignes, en attendant de révéler la connectivité des nombreuses époques et humeurs qu'il représente jusqu'à assez tard dans le jeu. Trier est fasciné par l'art comme un outil thérapeutique dont les qualités médicinales ne sont évidentes que pour l'artiste longtemps après la fin du processus, c'est pourquoi le film est divisé en tant de parties. Ce ne sont pas des chapitres en soi, car chaque fois qu'une partie est terminée, l'écran s'estompe en noir. Mais ce sont les points d'expiration naturels pour un film dont l'écriture tendue vous ordonne de retenir votre souffle.

Dans «Value Sentimental», nous sommes doués de la commande esthétique habituelle de Trier: la lumière brille avec une force éthérée, les couleurs du cadre sont chaudes au toucher, la caméra se déplace avec une assurance presque divine. Mais les acteurs brillent les plus brillants dans un film concerné par la performance, en particulier le travail émotionnel nécessaire pour s'engager dans une auto-exploration pénétrante. Skarsgård marque comme un adorable, bien que souvent vaincu CAD. Un Lilleaas dévastateur offre plusieurs coups de poing. Reinsve revient avec sa gamme incommensurable. Il n'y a pas de choix par Reinsve qui n'est pas une surprise totale ou une révélation complète, en particulier dans ses yeux, où la mélancolie et l'humour nagent à vitesse égale.

La «valeur sentimentale» n'est pas une affaire de déchirure. C'est en fait assez drôle. Mais la résonance du film prend amplement d'espace et de longueur pour trouver sa profondeur prévue. Quand il vous faufile enfin sur vous – vous en train de vous enlever avant de vous recommencer – cela fait avec une facilité de facilité qui mérite le revoir.

Lorsque la Marina orpheline de 18 ans (Llúcia Garcia) revient à Vigo, en Espagne, le lieu de naissance de ses parents, elle arrive dans un seul but en tête: elle veut être officiellement reconnue comme la fille de son père. Vous voyez, lorsque son père est décédé du SIDA en 1992, lui et la mère de Marina ne se sont pas mariés. Pour aggraver le problème, la famille de son père est un groupe aisé. Ils préfèrent que ce ne soit pas connu publiquement que leur fils et sa belle-fille autrefois accro à l'héroïne avaient un enfant hors mariage. Mais Marina fait toujours le voyage, se reconnectant avec ses oncles, tantes, cousins ​​et grands-parents conservateurs pour en savoir plus sur la famille qu'elle connaît à peine.

« Romería», Titre de la compétition semi-autobiographique de l'écrivain / réalisateur Carla Simón, traverse la mémoire et la perte pour une histoire silencieuse et visuellement à l'âge adulte.

Bien que Marina ait été orpheline à un jeune âge, elle n'est pas totalement dans l'obscurité: elle arrive à Vigo armée du journal détaillé de sa mère, qui s'étend sur 1983-1986. Elle tient également cher les histoires racontées par son côté de la famille à propos de son père. Comme un jeu de téléphone, cependant, elle apprend bientôt que ses histoires diffèrent des souvenirs de sa nouvelle famille. Le script agile de Simón montre en outre comment le passage du temps peut transformer nos perceptions des personnes et des événements: elle entrelace agilement de la famille de Marina avec des scènes impliquant ses parents décédés, les rendant comme une sorte de résidu sur cette ville balnéaire et celles qu'ils ont laissées.

Romería se déplace méditativement, soutenu par le rendu enchanteur de Simón de la Ria de Vigo aveuglante. Garcia comme Marina est également captivante, dérivant à travers ce nouveau milieu observateur silencieusement mais en continu. Marina rend visite aux vieilles repaires de ses parents et parle de ses parents avec son oncle, Lois (Tristán Ulloa), et son cousin, Nuno (Mitch Martín). Aspirant cinéaste, elle porte également un caméscope avec elle, enregistrant la région avec un niveau de dévotion qui fait croire qu'elle a peur de la disparition même de cet endroit.

Semblable à «Alcarràs» de Simón, «Romería» est un film dynamique sur tous les scandales, divisions et connexions qui peuvent être contenus dans les familles. À l'inverse, «Romería» est plus onirique et fracturé mais non moins émotionnellement direct. La Garcia susmentionnée est une grande partie du pathos du film, transmettant une curance bouillonnante sur son visage qui défie toute interprétation soignée. Et quand Simón décide enfin de nous ramener complètement dans le temps, ce n'est pas fait comme une triche. Cette décision résume le cœur tendre qui pousse cette fille timide à définir son existence, ce qui fait un superbe portrait de perte et de récupération.

Comment mettre cela délicatement? Film d'époque queer d'Oliver Hermanus, « L'histoire du son,« Est un alésage banal. Il commence en 1910 Kentucky. La caméra se détache sur l'eau d'une rivière, où une voix altérée se souvient de sa capacité musicale, » Mon père a dit que c'était un cadeau de Dieu.  »

Nous avons d'abord un aperçu de Lionel (Paul Mescal), le seul fils de deux agriculteurs qui travaillent dur, en tant que garçon écoutant ses parents chanter des chansons folkloriques sur leur porche. L'ancien Lionel (exprimé par Chris Cooper) explique en outre que ses dons musicaux étaient suffisants pour lui gagner une place au New England Conservatory of Music. Avance rapide jusqu'en 1917, lorsque Lionel, assis dans un bar, entend un collègue étudiant en musique David White (Josh O'Connor) chantant une chanson folklorique qu'il reconnaît, et vous êtes un coup au milieu d'un film qui veut que vous croyiez que le Mescal restreint est un chanteur d'un autre monde. Lionel et David deviendront finalement inséparables avant que David part pour la Première Guerre mondiale, revienne pour une expédition et disparaît à nouveau.

Adapté par Ben Shattuck de sa propre histoire de même télévision, « The History of Sound » Sorta se détache d'Hermanus («Living»). Vous avez le sentiment que cela aurait pu être comme la «bénédiction» de Terence Davies, un autre film qui mélange la mémoire et le regret, la sexualité et la guerre pour considérer la vie des gens queer il y a un siècle. Mais le fort début du film, qui est rempli de ballades folkloriques apaisantes et de mélodies traditionnelles, manque de vapeur à chaque portée timide d'Hermanus pour des thèmes lourds. Prenez la chanson en collectant l'expédition David et Lionel en 1919 Down America's Dirt and Back Roads, ici, la paire rencontre de la musique merveilleuse mais rien d'autre. Lionel fait un vague argument sur la ligne mince entre la préservation et le pillage de ces morceaux et David prend une position faible contre le racisme, mais ce sont des blips dans l'histoire plus grande. De même, le film a du mal à faire des commentaires significatifs sur le fossé entre le rural et l'urban, et les vies potentiellement différentes que chacune offre aux hommes queer.

«L'histoire du son» est encore entravée une fois que O'Connor quitte l'image. La mise en scène plate et incongru devient beaucoup plus évidente sans son esprit et sa vulnérabilité gardée. Sérieusement, Hermanus et son directeur de la photographie Alexander Dynan («First Reformed») choisissent des angles peu flatteurs pour encadrer leurs beaux hommes de tête. Mescal fait des heures supplémentaires pour maintenir tout ensemble, seulement pour s'effondrer. Bien que ce soit le genre de rôle nuancé et intérieur auquel il excelle, après l'échec de «Gladiator II», il devient de plus en plus évident qu'il est inconfortable comme principal exemple. Il a besoin d'un partenaire de scène capable, comme Andrew Scott dans «nous tous des étrangers», pour que ses notes travaillent en harmonie.

Hermanus détruit toute opportunité pour «L'histoire du son» à évoquer une certaine résonance en prenant une décision incompréhensible pour sa conclusion. Plutôt que de se terminer sur Cooper, qui offre une performance bouleversante, il remonte dans le temps, atteignant une netteté narrative qui trahit la complexité tragique que ce film veut, mais ne peut pas offrir.