Branagh a été comparé à Orson Welles au début de sa carrière pour des raisons évidentes. C’était un talent prodige qui est devenu célèbre internationalement dans la vingtaine et a souvent joué dans des projets qu’il a créés et supervisés. Il avait un pied au théâtre et l’autre au cinéma. Il aimait les classiques (Shakespeare en particulier) et les genres cinématographiques populaires (y compris les comédies musicales et l’horreur). Il avait le sens du spectacle d’un imprésario et l’ego qui allait avec.

Il n’a jamais été aussi ouvertement wellésien qu’ici. Ce film a une sensation de « grand », comme l’ont toujours fait les films de Welles, même lorsqu’ils étaient réalisés pour de la monnaie. Mais ce n’est pas plein de lui-même, inutile ou minable ; il est compact et ciblé, entre et sort de chaque scène aussi rapidement que possible et dure 107 minutes, générique compris. Les amateurs d’histoire du cinéma apprécieront peut-être les nombreuses mentions de la filmographie du maître, notamment des vues inquiétantes de Venise faisant référence à « Othello » de Welles et à un cacatoès hurlant tout droit sorti de « Citizen Kane ». Parfois, on a l’impression que Branagh dirigeait une séance et canalisait l’esprit de Welles, ainsi que celui d’autres réalisateurs qui travaillaient dans un style noir et blanc, expressionniste, à saveur gothique, très wellsien (dont « Le Troisième Homme » la réalisatrice Carol Reed et le réalisateur de « The Manchurian Candidate » et « Seven Days in May » John Frankenheimer).

Branagh et le directeur de la photographie Haris Zambarloukos ont également mentionné l’adaptation de « In Cold Blood » de Richard Brooks en 1967 et « Kwaidan » de Masaki Kobayashi comme influences. Les films ne ressemblent tout simplement plus à cela, et c’est dommage, car lorsqu’ils le font, le trop peut être plus engageant qu’un style qui subordonne les visuels à l’intrigue. Le film déploie des objectifs fish-eye, des inclinaisons hollandaises, des gros plans hilarants et inquiétants d’objets importants (y compris un coucou effrayant), des angles extrêmement bas et élevés et des compositions à mise au point profonde qui organisent les acteurs du premier plan à l’arrière-plan profond, avec de l’architecture, des meubles et parfois des corps d’acteurs au premier plan. Branagh et la rédactrice en chef Lucy Donaldson chronométrent les montages de manière à ce que les plans les plus ostentatoires (tels que les images de Branagh et Fey vus à travers l’écran métallique d’une cheminée, les flammes rugissantes au premier plan) restent à l’écran juste assez longtemps pour que le spectateur puisse s’enregistrer. ce qu’ils voient et rient de jusqu’où le film est prêt à aller pour l’effet.

Curieusement, à l’instar des films post-millénaires de Michael Mann et Steven Soderbergh, « A Haunting in Venice » a été tourné en numérique (bien qu’en résolution IMAX), et les scènes intérieures faiblement éclairées ne tentent pas de simuler l’apparence d’une pellicule. Les images ont une hyperclarté irréelle mais aussi un aspect chatoyant et surnaturel, notamment dans les gros plans serrés où les yeux des acteurs semblent avoir été éclairés de l’intérieur.

Disponible en salles le 15 septembre.