TIFF 2023: The Zone of Interest, Monster, The Delinquents

L’une des grandes joies du TIFF est de pouvoir retrouver des films présentés en avant-première à Cannes environ quatre mois plus tôt. Cela permet à cette équipe de proposer des versions alternatives de certains des plus grands films de l’année, notamment « Anatomie d’une chute », lauréat de la Palme d’Or. Nous projeterons certains des autres films de Cannes dans d’autres festivals comme le CIFF et le NYFF, mais j’ai eu la chance de voir un trio intéressant venant de trois continents différents, dont le dernier en date d’un de mes cinéastes préférés travaillant aujourd’hui et un film qui est l’un des les films incontournables de 2023.

Ce film est bouleversant pour Jonathan Glazer « La zone d’intérêt » un drame qui se déroule pendant la Seconde Guerre mondiale mais qui semble incroyablement urgent dans la mesure où il parle de l’existence aux côtés du mal et du fait que si nous permettons à la vie quotidienne de noyer ceux qui souffrent, nous sommes obligés de rapporter les horreurs de l’histoire. C’est un drame difficile qui s’insinue dans votre âme. Durant mon bref séjour à Toronto, j’ai déjà vu de nombreux films depuis « The Zone of Interest », et pourtant cela me hante. J’y pense constamment. C’est un film difficile à ébranler.

Glazer (« Under the Skin ») ouvre son film par un long plan d’un écran noir avec un paysage sonore de plus en plus fort qui fait office d’ouverture. Cela semble mécanique, incorporant des éléments d’une partition de Mica Levi et les bruits qui domineront le film à suivre. Cela semble être une façon d’emmener les spectateurs du monde ordinaire dans ce film. Posez votre téléphone. Faites attention. Écouter. Ce que vous entendrez dans ce film sera aussi important que ce que vous verrez.

Librement basé sur le roman du même nom de Martin Amis, « La zone d’intérêt » se déroule presque entièrement sur la propriété de Rudolf Hoss (Christian Friedel) et de son épouse Hedwige (Sandra Hüller, qui passe une année incroyable avec ceci et « Anatomie »). d’une chute »). Hoss est le commandant d’Auschwitz, qui existe de l’autre côté du mur qui sépare sa propriété du camp de concentration. Rudolf et Hedwige élèvent une famille alors que des milliers de Juifs sont assassinés de l’autre côté du mur. Et tout cela se passe dans un paysage sonore venu de l’enfer. Pendant que les enfants jouent et dans les jardins d’Hedwige, les bruits des trains, des coups de feu, des cris et des fournaises jouent sans cesse en arrière-plan.

Que signifie non seulement exister aux côtés du génocide, mais aussi en tirer profit ? Nous avons vu tellement de films qui dépeignent les nazis et les personnes historiquement perverses comme des caricatures. Glazer se garde bien d’humaniser ou de défendre ces personnes, mais il capture la banalité de la vie quotidienne. Bien sûr, les nazis sont rentrés des camps et ont élevé leurs familles en dehors de l’horreur de tout cela. Tourné avec une composition picturale jamais exagérée par le grand cinéaste Łukasz Żal (« Guerre froide »), « La zone d’intérêt » est fascinant malgré son manque de mélodrame ou de récit traditionnel. Glazer remet en question notre perception de l’un des chapitres les plus horribles de l’histoire du monde en révélant la banalité de tout cela pour ceux qui ont commis des atrocités.

Les lecteurs fidèles sauront à quel point j’aime Hirokazu Kore-eda, même en dehors du chœur qui considérait son drame de 2022 « Broker » comme une baisse de sa qualité habituelle. Après deux films à l’étranger (l’autre étant « La Vérité » tourné en France), Kore-eda est de retour au Japon avec « Monstre« , l’un de ses films les plus émouvants et les plus inhabituellement construits. Celui-ci voit Kore-eda travailler avec le scénario de quelqu’un d’autre (celui-ci est de Yuji Sakamoto) et jouer avec la forme d’une manière que le cinéaste traditionnel ne fait pas habituellement. Il s’agit d’un drame inspiré de « Rashomon » qui raconte la même histoire sous trois angles, révélant à quel point nous savons peu de choses sur nos enfants et aboutissant à certains des films les plus puissants émotionnellement de Kore-eda.

Minato (Soya Kurokawa) est un enfant calme mais relativement sans problèmes qui vit avec sa mère célibataire, Saori (l’excellente Sakura Ando). Saori commence à voir des changements chez le collégien qui deviennent de plus en plus troublants, notamment des proclamations selon lesquelles il est un monstre et des actes d’automutilation. Il doit se passer quelque chose à l’école, non ? Lorsque Minato révèle qu’un enseignant nommé Hori (Eita Nagayama) l’a maltraité, Saori se heurte à un mur de comportements défensifs inhabituels dans l’établissement éducatif, y compris un directeur (Tanaka Yuko) qui semble cacher quelque chose qui lui est propre. Hori révèle que Minato n’est pas la victime ; il a intimidé un autre élève.

Ou l’a-t-il fait ? Le récit change ensuite pour raconter à peu près le même chapitre du temps du point de vue de Hori, et enfin de celui de Minato. Ils révèlent chacun de nouveaux motifs derrière le comportement inhabituel de Minato et Hori qui rappellent que nous ne devrions rien présumer, même sur nos proches, surtout lorsqu’ils sont dans les étapes émotionnellement chargées de l’enfance.

Kore-eda utilise peu une magnifique partition du regretté Ryuichi Sakamoto – c’est sa dernière composition – et pousse doucement « Monster » sur une voie qui n’est jamais exploitante (contrairement au surfait « Close », une autre étude sur les liens et les traumatismes de l’enfance qui je me sentais forcé). « Monster » est une autre œuvre marquante d’un maître, un film si soigneusement calibré qu’on se perd dans ces personnages, oubliant qu’il s’agit d’interprètes et non de personnes prises dans un chapitre véritablement traumatisant de la vie. Lorsque « Monster » atteint une fin que j’appellerais déchirante (mais que certains considèrent comme ambiguë), il atteint, sinon le niveau le plus élevé de l’œuvre de Kore-eda, juste en dessous.

Enfin, il y a la division et le drôle « Les délinquants » du réalisateur argentin de la Nouvelle Vague, Rodrigo Moreno. Son film est probablement le premier film de braquage lent, une comédie drôle de trois heures sur deux types ordinaires qui volent de l’argent mais finissent par rester assez ordinaires. C’est un film stimulant, avec un rythme indéniablement complaisant. Il s’agit d’environ 45 minutes d’histoire dans une boîte de 180 minutes, mais cela fait partie du problème. Moreno insère même un personnage sous la forme d’un réalisateur qui discute des décisions inattendues en matière de réalisation cinématographique au cas où vous le manqueriez. Il veut repousser les limites de ce que les gens attendent d’un film qui s’ouvre sur un braquage de banque, même s’il s’agit du braquage de banque le plus banal de l’histoire du cinéma. J’ai trouvé certaines parties de « The Delinquents » délicieusement hystériques et j’ai admiré l’expérience tout au long, mais je mentirais si je ne disais pas que je m’ennuyais pendant une grande partie. Je pense que même Moreno comprendrait ça.

Roman (Esteban Bigliardi) est un employé de banque moyen à Buenos Aires qui repart tout simplement avec 650 000 $ (US) un jour. Il s’adresse à son collègue Moran (Daniel Elias) avec un accord : cachez cet argent pendant 3,5 ans, et nous pourrons le partager quand je sortirai de prison. Il se rendra, effectuera le bref délai obligatoire et sortira. Et il ne prend même pas grand-chose, juste ce qu’il gagnerait pendant le reste de sa vie à la banque. Il pense qu’il vaut mieux passer 3,5 ans derrière les barreaux que 25 ans dans un travail que l’on déteste. Ce n’est pas une mauvaise théorie en fait.

Moran emmène l’argent à la campagne à mi-chemin dans « Les Délinquants », et le film change de ton, reflétant la nature décontractée et sinueuse de son nouveau décor. C’est ici que l’on va perdre beaucoup de monde, mais il y a des choix charmants partout. Qu’est-ce que cela signifie que les noms des protagonistes (et même des trois personnes qu’ils rencontrent) sont des anagrammes ? Qu’est-ce que ça veut dire que le même acteur joue le patron de la banque et celui qui secoue Roman derrière les barreaux ? Pourquoi Moreno met-il autant de temps avec son langage cinématographique ? À un moment donné, deux personnages parlent dans une voiture d’aller à un hôtel, on les voit entrer dans l’hôtel puis franchir la porte de la chambre d’hôtel. Au moins un, probablement deux de ces plans pourraient être dans la salle de montage, mais Moreno a tellement solidifié son rythme complaisant à ce stade que j’ai éclaté de rire. Il veut que vous ressentiez le fardeau de la vie sur ces deux hommes alors qu’ils réalisent que l’argent ne change pas tout. Cela pourrait nous rendre encore plus ordinaires.